Godzilla Raids Again (1955)

En mayo de 2016 Barack Obama fue el primer presidente americano que viajó a Japón en motivo de respeto y mantener la memoria de las víctimas del bombardeo de Hiroshima y Nagasaki.

Su discurso apelando a la humanidad que se fue, su presencia, su expresión de lástima por perdón y el tacto que mantuvo también con los representantes del gobierno japonés, los residentes de Hiroshima, y actuales supervivientes fue de algo por lo que sentirse orgulloso como historiadores y testigos del momento.

Obama sin importar ser un representante político que nunca debe reconocer las debilidades y errores que su país realizó en tiempos de guerra, pidió de corazón disculpas (Sin claridad eso sí, ya sabéis como son los discursos vigilados por el gobierno) por las vidas destrozadas y el impacto que luego creó ese instante nuclear con los años, abogando por un futuro que siga el ejemplo de Japón, sin armas nucleares entre manos.
Hay muchos habitantes y filósofos del país nipón que consideran que el presidente no debería pedir disculpas por un acto del que no es responsable en la historia de ambos países, pero eso os lo dejo a vosotros, es una búsqueda y una lectura que invita a una reflexión muy seria.

Este es un momento que no deseo olvidar y que quiero traer al blog para recordar que la película original de Godzilla se centraba en reinterpretar esa reacción bajo supervivientes y testigos de ese desastre nuclear, después de todo así es como es visto a Godzilla como una fuerza de la naturaleza imparable que es alterada por el hombre.
Ya hablé de su primera aparición hace muchísimo tiempo, pero creo que con la llegada de su nueva película, más las apariciones de sus rivales y amigos, debemos volver atrás y recordar la seriedad del film antes de separarse esta intención con su primera secuela, la genuina "kaiju-eiga" que entra y nos da material durante más de 70 años de peleas de monstruos gigantescos en medio de ciudades que destruyen con facilidad.

Como espero que recordeis, al final de la película original, Godzilla es destruido gracias al "oxygen destroyer" del Dr. Serizawa, quien se sacrificó para morir con él y así el secreto de su nueva arma de destrucción masiva, dejándonos una película con un pensamiento anti-bélico y una última reflexión muy increíble para una película que muchos criticaron como Serie B.
La película fue un éxito irrebatible, y se ve que en una fiesta en honor al productor Iwao Mori de los estudios de cine Toho se planteó muy precipitadamente en hacer una continuación de la película, corrió hasta el director Ishiro Honda y el productor de todas estas películas Tomoyuki Tanaka y de acuerdo con él empezaron a trazar planes.

Esta era la última imagen que se vio de Godzilla antes de ser desintegrado por Serizawa, se ven sus restos como sus huesos, pero esta será la ultima vez que le verían los protagonistas. En una expresión de dolor y lamento. Tengo una teoría al respecto de su regreso, pero tened paciencia.

Esto no fue para bien... sacaron la película rápidamente para que el público no perdiese la impresión y el impacto del primer film en 1955, Honda y Akira Ifukube el compositor original, no estuvieron disponibles para el rodaje y los de arriba no se iban a detener por ellos por lo visto (Eso sí, sin faltar el respeto, en Japón están por encima de los típicos problemas infantiles que nosotros presentamos en la industria) y entran como reemplazo Motoyoshi Oda, un director del estudio contratado, y el compositor Masaru Sato.
Pero esperad, uno podría decir que no todo tiene que pintar mal, después de todo una de las secuelas de este tipo de películas como es Son of Kong fue realizada ante mismas circunstancias de producción apresurada, presión del estudio, y demostró ser una película bastante impresionante en 1933.
Y es cierto, pero Son of Kong seguía teniendo al equipo creativo de Cooper & Schoedsack y un grupo de actores super-dedicados que estuvieron a la altura del proyecto, junto con RKO como estudio, los genios y expertos que rehusan actores y sets en innumerables películas y nadie nota.
Nada de eso hay aquí en Godzilla Contraataca, así que empecemos de lleno en su historia:

Después de haber destruido Tokyo en la original Godzilla; el rey de los monstruos atacará ahora Osaka, pero ¿cómo es posible? ¿No murió el rey de los monstruos gracias a la intervención y sacrificio de Serizawa? Sí, murió desde luego, UNA VERSIÓN DE GODZILLA.
Este no caerá como su predecesor y no hay ya ningún arma capaz de acabar con él, ¿verdad?
Nuestros personajes son dos pilotos de una empresa pesquera, Shoichi Tsukioka y Koji Kobayashi de Osaka, quienes descubren en un aterrizaje de emergencia en una isla a Godzilla junto con lo que parece un rival prehistórico muy cabreado ¡otro monstruo con el que tendrán que lidiar este pobre país!
Japón comunica el regreso del monstruo junto con las pruebas que tienen de este nuevo rival, un ser prehistórico conocido como Anguirus que no ayudará en nada al pueblo nipón cuando se proponga hacer de sus pueblos, ciudades y campos su campo de batalla personal.
Es hora de poner a estas dos criaturas fuera de combate, y esta vez con más muertos, pero, ¿podrán ahora que no tienen nada en sus manos?

Una de las cosas que cualquier fan del Gran G tiene en cuenta es que no es necesario ver todas las películas en un orden lineal. Cualquier entrada destaca por ser independiente de otra, a pesar de que en cierta parte si respeten su continuidad y la evolución progresiva del monstruo, su entorno y los personajes, por eso Godzilla Raids Again se lleva lo peor puesto que ser una continuación directa de la original no ayuda mucho a crear interés viendo el resultado y prácticamente uno se la puede saltar sin ningún problema, lo cual es una lástima porque hay cosas aquí que funcionan y merecen la pena tales como algunas escenas de acción, la fotografía y el montaje en blanco y negro una vez más.
La historia es simple, pero creedme, lo agradeceréis después de ver como pasan las historias del periodo "Showa" a ser más exageradas e infantiles, por eso ésta tiene mucho más que perder que Godzilla vs Megalon por ejemplo.
Los protagonistas han sido criticados de malos por todos, lo cual sí puede ser cierto, en parte.
Yo no tengo ninguna queja al respecto, sus actuaciones son normales pero pasables y la película hace que me interese en el propio mundo y en este nuevo Godzilla que no llega a importarme en realidad, es más, tampoco es que estuviera tan encariñado con los personajes del anterior film. Personajes que se podría decir que fueron un grupo muy importante en el contexto de todas estas películas a la hora de compararlos.

Los pilotos pesqueros protagonistas y a la vez criticados como payasos de turno, Shoichi y Koji quienes se unirán en el clímax para ayudar al ejercito a vencer a Godzilla, y de manera exitosa y única debo decir.

Personajes interesantes y desarrollados siempre serán bienvenidos en futuras secuelas, pero nunca debe ser nuestro tope de prioridades en estas películas, en especial en el periodo "Showa", para eso está el "Heisei" una saga que tiene en cuenta los errores de sus predecesores y lo sube a la par que sus historias.

Una vez más aquí el tiempo se pasa rapidísimo, prueba de que cuanto más absorto estés en la atmósfera, las localizaciones y su miedo, más alejado estás de tu tiempo real.
También encuentro muy entretenido cómo explican cada vez que aparece un nuevo monstruo su posible origen y el estado de su mutación, algo que luego Toho consigue elaborar más en sus futuras películas a color. Anguirus aquí viene a tener un origen como un ser más prehistórico, de acuerdo con una investigación de un científico polaco que le puso el nombre, conque es posible que sea de Europa y existan más criaturas que hayan mutado por culpa de la radiación.

En futuras adaptaciones, comics o incluso mangas desarrollan a Anguirus como un Anquilosaurio que se mantuvo fosilizado y que por la radiación y la estructura geológica se vuelve como es. Luego lo harían el monstruo predilecto de Shangai o incluso del país de México, vaya.

Es un detalle olvidado y que investigan una vez más como si fuera mitología que debe rebuscarse para comprenderla, y ese es en el fondo el tema de todos los monstruos que pelean contra el Rey, siempre elaborándolos bajo ese ángulo, hasta que empiecen ya a vaguear y no les importe como sucederá después de Orga por poner un ejemplo, el último monstruo original de la franquicia a decir verdad.

Directamente desde su encuentro estos monstruos se odian a muerte, ¿quién sabe cuál es el motivo?
Esta película va una respuesta más natural, más "animal" por así decirlo.
Sí, muchos estaréis de acuerdo en que el comportamiento de Godzilla aquí es menos imponente como figura y empieza a adquirir un trato y un modo no muy diferente de cualquier animal del campo que pretende pelearse con nuestro perro. No es que se sienta amenazado o defienda un territorio, es solo que cuando sigue los pasos de su predecesor hasta Osaka, de repente Anguirus sale a por más leña y de él sale el modo bestial y animal del monstruo, nada esta claro.
Una mala señal de la dirección, abandonando esa caracterización del monstruo como una fuerza de la naturaleza anormal a algo que parece razonar y que se comporta como algo que podemos asociar y entender y no debería ser tan simple, pero una vez más estoy pidiendo demasiada a una película que aquí ES de Serie B. No es que puedan darme lo que busco, seria como si intentase encontrar un video de un huracán contra un terremoto, es demasiado.
Anguirus es el tipo de bestia que solo Japón podría crear y que funcione, un genuino kaiju con un tipo de diseño, ataque, y estilo, aunque a su lado empiece a cuadrar eso de tratar de hacer más animal al Rey. Peeeerooo cuanto más lo miras más te das cuenta de que hay algo que no anda bien.
Como por ejemplo ¡¿qué demonios pinta Anguirus con rodillas SOLO en las piernas traseras?! WTF...
No lo entiendo, qué función puede tener en el personaje, es decir sí es para que el que lleve el disfraz (Katsumi Tezuka) pueda moverse más libremente y levantarse a la hora de pelear, pero igualmente es super raro que las patas delanteras estén sin cambiar, y sea un cuadrúpedo como en las maquetas.

Pensad si no me entendéis en un perro, bien formado con sus patas para estirarse y todo... pero luego le veis que las patas traseras son más bien piernas definidas que se arrastran al nivel de las rodillas.

Con el tiempo eso se rediseñaría para también darle a Anguirus su característico ataque de mazo a lo bicho bola, que sinceramente es genial.

Mirad este pedazo de traje y monstruo a la par que el gran G. ¡Es horrible si miráis lo de las rodillas, pero esta imagen de aquí debe ser de otras películas porque se salva del diseño original.

Godzilla también se ve TERRIBLE en esta película y no tengo ni idea de qué ha pasado.
¿Será el traje o la maqueta? O un nuevo pero cutre diseño, pues quién sabe pero si no fuera poco también lo proyectan mal en torno al final, una prueba más de que la apresuraron demasiado y ni siquiera se tomaron en corregir los mínimos detalles, aunque sí han esparcido el tiempo en mejorar incluso las miniaturas de los edificios. Es más, creo que son mejores incluso que los de la original... WOW, impensable desde luego.

Podría hacer un collage de todas las graciosas caras que presenta este Godzilla en la película, las extrañas mandíbulas que parecen más afilados los colmillos que de costumbre, su extraña anatomía a la hora de filmarlo. Y como no, la expresión de ingenuidad y tonto que tiene en un momento, ¡esa es mi favorita!

Me encanta, típica expresión Goofy aquí mismo, como la de un niño que no ha roto el plato.

Las escenas en que se pelean ambos kaijus son el motivo para ver la película, es extraño pero a la vez atrae mucho su visualización al ser el único de estos combates que está en blanco y negro.
Al igual que en la primera vuelven a filmar bajo ángulos de suelo para ver el impacto y las dimensiones, pero solo durante la primera pelea en la isla, una lástima puesto que en la original eso marcaba mucho la amenaza en Tokyo.
De esa misma manera se nota que aún se están figurando cómo filmar estas peleas entre actores con disfraces y aún Toho no las ha perfeccionado, pero viéndolo te das cuenta de que han aprendido de sus errores en todo el proyecto y ya empiezan a figurar como asociarlo más a las expectativas del público japonés, y que más tarde influirá al americano y al europeo.
Anguirus es aqui un rival más desafiante que en futuras entregas, lo cual es triste porque luego lo caracterizan con una mente bastante estúpida como si fuera un acompañante medio cuerdo del Gran G, olvidando que también es capaz de triturarle el cuello cuando tiene la oportunidad.

Cuando la película trae a los actores es cuando todo se cae por delante (Depende del espectador debo decir, y más en otras entregas) puesto que ya no proyectan más a los ciudadanos como testigos de la masacre o tras el resultado del enfrentamiento entre los kaiju.

La desesperación y reacción ante las muertes o la forma en que la comunidad japonesa rinde sus respetos como emplearon en la película original, en Godzilla Raids Again se pierde por completa y ESO en lo que es su secuela es una oportunidad fallida muy grande, y muy grave debo añadir, puesto que eliminará ya la continua sensación de miedo ante los personajes y crean el típico inconveniente para alejarse lo antes posible, y si no mirad que pasa después de que estos dos destruyan Osaka. ¡Pues que la empresa y sus empleados se trasladan a Hokaido!
Para qué pegarle más vueltas, si están bien y no han salido maltrechos o marcados por el evento del siglo, sigamos entonces con el plano más vago de todos en la historia.

Debo de admitir que me hizo efecto esa sociedad y grupo de personas tan bien intencionados que representan el promedio grupo de compañeros y amigos japoneses, les ves como en cualquier película de Miyazaki, como personas que tienen preocupaciones y miedos, pero al mismo tiempo se divierten y tú con ellos.

Un poco penoso e inconsistente ritmo, con 45 minutos aproximadamente hasta que la pelea para la que hemos venido comience, así no consiguen traer al espectador su atención por ver este mundo que ya ha sido testigo de la primera aparición de Godzilla.
En esos minutos de espera es cuando nos hablan del posible origen de Anguirus y la vuelta de Godzilla por no otro que el personaje de Takashi Simura, el doctor Kyohei Yamane quien investigaba el rastro de destrucción del Godzilla original. Yamane trae a relucir consejos para mantenerlo alejado pero para mí su aparición destaca por explicar la presencia de este nuevo Godzie, y confirma mi teoría de que en la película original llegamos a ver a 2 tipos de Godzilla parecidos.
Sea cual sea la especie o criatura mitológica de la que la radiación nuclear trastocara en el monstruo que conocemos, habían 2 de ellos en esa caverna del lecho marino, sobreviviendo uno al que nunca habían visto, ¿o tal vez sí?

Rebobinemos esto, en la película original tras la desaparición de todo un barco pesquero el monstruo se dirigió a la Isla de Odo, en donde los nativos lo identificaron como el mítico Godzilla, quien provocó terremotos y un par de muertes, a lo que Yamane y su hija Emiko esperaban con escepticismo hasta que ven al monstruo a plena luz del día.

Este es el Godzilla que apareció en la isla de Oda, y quien pienso que es totalmente distinto del que sale en esta película, o el mismo que se libró de la muerte del "oxygen destroyer".

Mi teoría es que aquel que se presentó esa mañana en la isla es totalmente distinto del que destruiría el barco en la noche que luego atacaría Tokyo, y el Godzilla que estamos viendo es el que sobrevivió y que vimos aparecer por primera vez.

De todos modos no volverán a referenciar la muerte del primer Godzilla nunca más, dejando en todo el imaginario colectivo de que simplemente no murió por el destructor de oxigeno y de que es imparable, a pesar de que vimos sus huesos en el fondo del océano y expresando dolor al final.

Anguirus expresa dolor en su pelea ya en Osaka, definitivamente el fuerte de esta película, a pesar de que ya no usen los ángulos que verían los civiles, o a Godzilla emergiendo de las sombras o la niebla acompañada de seísmos y a cada paso, hay algo entretenido entre estos dos.

La más grande sacudida que pueda haber es cuando destruyen la pagoda, pero no hay mucho más que se le pueda sacar sustancia, todos los personajes están a salvo y lejos del conflicto, la ciudad fue evacuada a tiempo, y los estúpidos ladrones de turno incinerados a manos de su estupidez, conque ahora espectador y personajes unidos verán a los monstruos peleando como animales de campo.
Así que compartamos palomitas amigos...

Después del típico corto en Hokkaido y el invierno cubriendo las nuevas vidas de nuestros personajes, Godzilla es localizado de nuevo deprimiendo la fiesta que Kobayashi organiza para nuestro ahora casado Shoichi junto a su esposa Hidemi, todos en la fiesta resultan antiguas amistades y jefes de estos dos pilotos y por alguna razón involucrados militarmente por lo que se explica porque les dejan estar en las operaciones de aquí en adelante.

El climax final es también uno de los puntos fuertes de la película. No por como se preparaban en desarrollar tan ansiado final, o como Kobayashi y el resto de militares se sacrifican por detenerlo, ni tampoco por una avanzada evolución de los personajes que nunca volverán a ser los mismos después de los eventos que han acontecido de nuevo en Japón. ¡Nada de eso!
Godzilla Raids Again hace una interesante resolución en que el monstruo puede ser detenido por la propia fuerza de la naturaleza, en este caso Kobayashi es derribado y decide estampar su avión en una montaña en la que Godzilla estaba en su ladera, provocando una avalancha que lo cubre, así el ejercito en un último combate entierran al monstruo en el hielo y el Gran G queda congelado, o más bien en un estado de hibernación.

Ironicamente esto es lo que realmente le sucedió al personaje durante 7 años, puesto que en su siguiente aparición también transcurriría ese periodo de tiempo mientras Toho se preparaba y descansaba.

En resumen, esta secuela no resulta en algo espectacular como en las futuras secuelas o problemática y terriblemente mala como Godzilla's Revenge (1969) cae en el medio si examináis el cambio de tono, los personajes, las actuaciones, la propia historia, o incluso lo que hizo interesante y grande la original en términos de dirección y grabación.
Como secuela de Godzilla (1954) deja mucho que desear, pero como la primera "kaiju eiga" y típico film de ciencia ficción no resulta en una mala experiencia por como desarrollan la vida japonesa, por lo que Godzilla Raids Again puede verse ante este punto de vista, pero lo siento, por mí parte no se puede visualizar sin pensar en lo difícil que tuvo la original por ser más versátil y centrada en ofrecer ese miedo nuclear, para luego ir a parar a esto.
Honda realmente hizo que el público tuviera miedo de este monstruo radiactivo al filmar en ángulos inferiores, sombría fotografía, ominosos momentos en la ciudad, la destrucción por no solo actores en  un disfraz, sino también maquetas y demás efectos.
Cada toma en ella era increíblemente poderosa y de un tamaño igual de grande que una bomba atómica.

Pero aquí, me duele decirlo, Motoyoshi Oda no es tan bueno como aparenta él a decir verdad, maneja mejor dirigiendo actores en su entorno de camaradería y amistad, y no me importaría ver más de ese mundo porque en el fondo la sociedad japonesa es muy interesante en como interactúan entre ellos y esta película hace ese corro de igualdad entre mujeres y hombres en sus puestos de trabajo y lo he disfrutado cuando no robaban pantalla. A las pruebas me remito, las escenas en comparación son como algo más barato, el control de la velocidad es extraño cuando los monstruos pelean pero no es tan versátil como lo fue y lo será e incluso la escena del hielo puede llegar a resultar cutre, si no mirad esa figura de acción de Godzilla que no se mueve nada, es literalmente una grabación que nos dan a entender de un helicóptero desde el aire viendo un muñeco de acción inmóvil, ¡vaya progreso!

Me retracto, en conjunto tiene el típico y adorado estilo del cine americano de los años '50 conque puede tener su encanto si lo veis desde ese punto de vista ¡jajaja!

En fin, esto es todo por hoy, pero continuemos con la historia, brevemente.
Estudios Toho están con una secuela no muy prometedora como esperaban y los americanos jodiendo una vez más su film titulándolo Gigantis the Fire Monster junto con más escenas rodadas para su agrado pero sin Raymond Burr ni nada como lo que hicieron ahí. ¿Y qué demonios es eso de Gigantis América? Os recuerdo que vosotros nombrasteis al monstruo Godzilla que es el puto nombre que pusisteis después de pasaros por donde yo me sé el nombre original de Gojira, increíble de verdad. Pasad también de esta versión americanizada y veros el corte original japonés, hala.

A lo que iba, una vez prendido el motor Toho empezaba a experimentar con otros monstruos y sus orígenes en películas capaces de rivalizar con Godzilla (1954) como Mothra y Rodan, monstruos muy populares y queridos que salen también en Godzilla II: King of the Monsters de Legendary Pictures.

Tenedme en cuenta si Anguirus aparece en la nueva película. Y por supuesto qué os ha parecido, porque tiene una pinta buenísima.

¿Qué hay de Godzilla? Bueno, los productores tenían ideas y después de darle suficientes rodeos y con el éxito en taquilla de también sus otras películas como The Mystearians (1957) y Varan the Unbelievable (1958) el Rey salió de su hibernación con el plan de enfrentarlo contra otro increíble  y conocido "monstruo" (más bien bestia diría yo), y así se creó una de las películas de peleas más conocidas de todos los tiempos.

Anguirus fue olvidado muy rápidamente por desgracia pero en futuras películas llegaría tanto aliarse con el Rey, como ayudándolo a derrotar a otro monstruo igual de peligroso, es más, en Destroy All Monsters (1968) es uno de los participantes que grabó una de las imágenes por las que es muy popular en Japón; en una batalla en la que hay monstruos por doquier el bueno de Anguirus se hace notar una vez más.
Ausente durante el segundo periodo, volvió a salir muy brevemente en el Millenium en un aspecto bastante impresionante debo admitir. Su diseño evoluciona de forma natural y se ve genial.
Tristemente no parece que vuelva a aparecer como el rival secundario de Godzilla en la nueva película, pero tal vez vuelva a ganarse el mérito y reconocimiento en algún momento, después de todo Toho continua haciendo películas del monstruo y este en cuestión también ha mejorado en torno a como lo hacen más fuerte al hacerse una bola de pinchos o excavando cual topo de 70 metros.

"They see me rolling..."

Esto es todo por hoy, en cara a ya prácticamente el verano quiero desearos a todos unas buenas vacaciones. No creo que suba ninguna en el tiempo que queda hasta septiembre, pero nunca se sabe.

¡Nunca digas nunca!

Chicos gracias de nuevo por pasaros a leer esta entrada, decidme qué opináis de la película de Godzilla que están dando ahora, y vuestra opinión de Godzilla Raids Again.
Espero que os haya gustado, y paséis un buen día, ¡hasta la próxima entrada!

Shaft (1971)

Sí, es hora de hablar de esta. Lo estabais deseando gente. Todos sabemos donde nos estamos metiendo cuando abordamos a Shaft (1971), rápidamente hablamos de un ejemplo de "Blacksplotation" o blaxplotation, un tema notorio ya en los '70, junto con este uno de los personajes más carismáticos, chulos, ingeniosos, confiado y conocidos de todo el cine afroamericano.
Pero antes ahondemos la historia del propio subgénero.

Ya hablamos en mi análisis de Death Proof (2007) cual es el juego del propio cine de explotación, pero ahora este otro tipo de subgénero tiene intención de entretener y ser dirigido al público afroamericano y de color con la intención de motivarlos y ponerles un rol que sea "badass" en la gran pantalla.

Todo eso engloba las películas de Foxy Brown con Pam Grier, y la que nos atañe hoy, la más conocida de todas. Las películas de blaxplotation incorporaban elementos típicos en los afroamericanos de los años '70, el trato que tienen entre ellos y la gente que comprenden su situación en la sociedad, su desvergüenza en la proyección de intensa violencia y sexo gratuito en las estrellas de la pantalla, como el estilo de moda y música que se promovía y era popular en el grupo, no solo afroamericano.

"Blacksplotation": cultura afroamericana

Muchos confunden Shaft como la película que promovió este nuevo estilo, pero a decir verdad fue Sweet Sweetback Baadasssss Song quien se merece ese puesto, después de todo no era cine de acción o entretenido para lo que se conocía el blaxplotation, sino una película que no tenia miedo de entrar en el terreno político, Raul Calvo habló de ella en su blog que recomiendo muchísimo y, después de todo el director Melvin Van Peebles comienza su película diciendo:
"This film is dedicated to all the Brothers and Sisters who had enough of the Man".

Shaft no explora el comentario político y no lo necesita a decir verdad, es básicamente consciente de que el sistema de estudio de cine de Hollywood ya no es rentable y que si quieren promocionar una película fuertemente caracterizado por actores afroamericanos y sin censura, deben hacerlo solos, con un presupuesto limitado y actores de talla B.
Y en este caso la decisión se hizo destacar tanto como una película de estudio millonario.
Deciden entretener al público con una película exagerada y de acción y no se preocupa generalmente en el concepto racial, hay momentos, sí, pero no es el objetivo.
Uno puede ver ese entorno suburbano con música de soul, blues, jazz y funk con la curiosa ropa típica de los '70 y reconocer ese ambiente en las blaxplotation, pero la MGM se sale de la escala con la estrella de la película Richard Roundtree como el conocido Shaft, un detective privado de Harlem que debe calmar la situación del barrio si no quiere que Nueva York sea víctima de una guerra entre bandas criminales, mafias y la policía.
Roundtree es increíble de principio a fin, no solo es un actor que derrocha clase y carisma sino que también sabe expresarse físicamente y tiene una voz calmada pero calculadora que por un momento no parece pertenecer al estilo de esta película.
¡Es que no me extraña que se convirtiese en un modelo a seguir para las blaxplotation y del público afroamericano! El personaje es atractivo en todos los aspectos que exigen en una película de acción y  explotación, su actor como persona esta lleno de experiencia y control, a pesar de ser un modelo del cliché del detective privado de toda historia que ya se ha oido:

¿Es asaltado en su propia oficina? Sí

¿Se le pide un trabajo por las malas? Pues sí, y que comienza mal para que engañarnos.

¿Es detenido por la policía, a los que siempre deja en mal lugar por cómo hace mejor su trabajo? Sí

¿Se le oculta más información de la que se le da en su cometido de cuestionables objetivos? Sí

¿Parte de su información depende de hablar por la calle y de emplear sobornos? Sí, sí sí sí y SÍ.

Ahhhhh, bendito el género "noir" que asentó este mundo que nunca cambia pero es de lo mejor si sabes en donde te metes, y Shaft es una buena introducción para el público en este tipo de historias, sobretodo en la década de los '70. Sin embargo (y no puedo creer que diga esto) la película a pesar de englobar elementos conocidos y darles otro enfoque con este personaje de tez oscura y el reparto, falla en el aspecto que muchos dan por sentado, y esa es su historia, su trama.
Shaft por desgracia es una película que no goza de una trama muy especial o elaborada, es bastante simple para ser una película tan alabada, y se queda muy atrás respecto a las películas que influenciará en un futuro como por ejemplo Django Desencadenado (2012) una película de la que Tarantino se inspira bastante en el personaje y lo trae a una época de esclavitud norteamericana del siglo XIX en el personaje de Django, un esclavo liberado por su futuro amigo, el doctor King Schultz.

Basicamente Shaft es "llamado" por el actual jefe de la mafia, Bumpy (Moses Gunn) para que le ayude a rescatar a su hija Marcy; al principio nuestro detective cree que el responsable fue una banda criminal callejera quien la secuestró para extorsionarle, pero como descubrimos por parte del duro y joven líder Ben Buford (Christopher Saint John) ellos no han tenido ninguna implicación puesto que sus movimientos y operaciones no pretenden dañar a los hermanos de color.
Shaft dándose cuenta que esto ha evolucionado en una lucha por el terreno de Harlem entre un nuevo grupo de mafias deberá ser intermediario entre Bumpy y Ben para rescatar a Marcy y que trabajen juntos para que esta guerra no suceda en pleno Harlem.
Mientras que Shaft debe también atender sus propios problemas puesto que la policía que ha estado siempre pendiente de detenerlo, ahora tienen un pretexto por la supuesta muerte accidental de uno de los hombres de Bumpy al ser defenestrado de su oficina, pero su amigo en el departamento, el teniente Vic Androzi (Charles Cioffi) tratará de ayudarlo, a pesar de que Shaft le mande al carajo y luego pida su ayuda en las maneras más esquizofrénicas que tienen.

Nueva York se ve genial aquí, puede que incluso mejor que en Taxi Driver y muchos saben que adoro todo en esa película. Créditos al director Gordon Parks a quien he llegado apreciar con el tiempo, crea el entorno de la gran ciudad y nuestro protagonista muy bien, tal vez de una forma única que aún no se había trabajado en el cine noir y que inspiraría a Frank Miller en Sin City o en sus cómics de Robocop.

La introducción optimista y el uso del día de la mañana y la noche de la última escena pretende enlazar la actitud de Shaft con el de Nueva York como si ambos fueran representaciones de esos entornos. Y no necesariamente Shaft es el típico deprimido que va por callejones bajo la lluvia. Es alegre, precavido e imperfecto, con una moral admirable, como Nueva York.

La fotografia también es el fuerte de Parks, o eso me hace pensar él, dirige y tiene un estupendo grupo para probar la cámara en la ciudad y poder acostumbrar todo ese color en el resto de edificios y personajes, tan solo mirad la casa de Shaft, la de su "novia" o la del propio Bumpy.

Taxi Driver hizo eso en como la ciudad cambia a Travis al sumergirse en lo peor de lo peor de Nueva York, pero eso era más un drama y un estudio del personaje que cine noir.
El intro es una de las mejores escenas de la historia del cine en general... lo digo en super-serio Shaft probablemente con las grabaciones de toda Nueva York y paseando por Times Square mientras su canción suena es lo más típico de los '70 que uno pueda tener. Créditos en rojo brillante, el personaje entendiéndose con el entorno cual genial detective privado, personajes con también cierta genialidad como el ciego y tartamudo que vende periódicos soltando chispas que aportan la risa del momento.
Y hablando de la canción...

La letra basicamente caracteriza el personaje, y la película ofrece al Shaft que anuncian con el coro y el cantante, no otro que Isaac Hayes su autor, quien se lleva casa el Oscar a Mejor Canción Original, y ¡bien merecido de hecho! Con gran humildad hace un trabajo para este intro que es simplemente magnifico, el ritmo, el tono, la música, la propia escenografía y Shaft cruzando la calle como cualquier neoyorquino, una memorable escena que persigue a todos al imaginario colectivo y se enlaza con la figura también del blaxplotation.

Su escritor Ernest Tidyman asiste en el guión pero no ayuda mucho a construir un mayor peso en la historia que en su libro, también es sorprendente de ver que este es un caso en el que alguien con talento como Parks y Roundtree aprovechan para crear algo diferente y superior al material original.
Pero no pretendo dar ningún golpe bajo al creador, es solo que también toca dar crédito a quien hace al personaje crecer hasta el punto popular y que todo el mundo conocemos, algo como cuando Rob Liefeld creó a Deadpool, tremendo personaje pero que ha evolucionado más allá de las intenciones del creador.

El aire detectivesco es lo suficientemente cambiado para que se haga destacar de tantas otras películas del género, tan solo mirad la escena en la que Shaft pasa por "El Bar sin nombre" y con la calma y tranquilidad que representa se queda atendiendo en la barra a dos sospechosos hombres que miran su apartamento, y sin sudar gota los detiene y se lleva a una mujer que no ha parado de echarle el ojo.
Es increíble, el modo en que Shaft toma la ventaja es distinta e invita a nosotros a esperar el jaque mate pero con humor e intención de reír, y eso es lo mejor en lo que hace la película, disfrutar del trayecto hasta el clímax para salvar a la hija de Bumpy. Eso sí, es agrio ver que luego uno de esos hombres le escupa y este le reviente la cara de golpe con un botellazo, pero se salva con lo que dice de que en Harlem son generosos al ofrecer 2 toallas al agente que ahora debe atenderles en el furgón.

¿Volvemos de nuevo con la lista de Shaft para ver si cumple todo lo que su canción dejó claro de su persona? Venga va, que la primera fue divertida:

• ¿Es Shaft ese negro detective privado de ébano que es una máquina sexual con todas las mujeres? "Damn Right"!

FUCK! HE'S NOT EVEN TRYING IT!!😨

• ¿Es un hombre capaz de arriesgar su vida por sus hermanos? ¡Un tremendo sí! No solo consigue que Bumpy y Ben trabajen juntos y formen una tregua, también se pone del lado de ambos para ver cuál es el mayor beneficio de los hermanos de color y la policía, y cómo encontrar una solución pero sin dañar a inocentes, lo cual puede que se vaya de las manos con el tío que voló por su ventana, pero eyy es Shaft, probablemente para él fuese un lunes. Y si no fuese suficiente, siguen habiendo escenas en donde demuestra tener buen corazón y no ha sido sustituido por crueldad y dureza que presenta en su trabajo, por eso es tan sonriente y amable como genial, tan solo mirad la escena con el camarero homosexual que es dueño del bar y al que no arrincona como prejuicio, o del chico que parece perdido pero Shaft le ayuda en lo que puede.

• ¿Es Shaft un "gato" que no saldrá huyendo cuando hay peligro por doquier? Claro que sí, Shaft es valiente y calculador, parte de ello se puede comprobar en todas las escenas de acción de la película en donde se le ve siempre adelantado, desde el asalto a su despacho, su encuentro con Ben y su grupo, y el asalto final planeado con un estilo Ocean's Eleven en donde rescatan a la hija de Bumpy.

Aparte de nuestro genial protagonista (aunque asquerosamente cornudo, ¡yickes!) el reparto es condenadamente bueno, con personajes que aunque breves también comparten cierto estilo y buenas lineas. Ya he hablado antes de el ciego que es un cachondo mental, pero también tenemos a una mujer que pone en su sitio al personaje de Ben cuando Shaft le pone a vivir en una casa donde no le busquen, esta película está llena de personajes duros que están a la altura de lo que Shaft les requiere y endereza su historia, pero también se hace más aplicable y entretenido para el espectador por la química que segregan. Y que también Gordon Parks hace que formes parte de ella, aunque no seas parte de la comunidad afroamericana.
Dato curioso, puede que la actuación de Moses Gunn como el jefe Bumpy sea "extraña", pero refleja bastante bien el tipo de persona fría que no muestra escrúpulos ni sentimientos en su trabajo, para luego demostrar esas emociones por la situación de su hija.
Bumpy también tiene un escenario bastante exótico en comparación con los pobres escenarios que deben ahorrar en la película, (aparte de la casa de nuestro detective) tiene objetos curiosos y hasta en más de una ocasión se comunica con un teléfono de principios del siglo XX, ni siquiera sabia que esas cosas podrían funcionar con una toma de corriente más amplia.

Ésta es más inferior, pero también se nota que la actuación de Moses llega a inspirar a otros que se ponen en un personaje similar, más ejemplificado en el actor Michael Clarke Duncan en su también "extraña" pero sorprendente genial interpretación de Wilson Fisk en la mediocre Daredevil (2003), también ahí un mafioso que en la dirección vuelven a homenajear a Bumpy por como la cámara decide grabarlo.

La última escena de la película que es el rescate es una de las escenas de acción tipo Ocean's Eleven en donde tiene un plan que requiere de precisión, tiempo, disfraces y coordinación de Shaft, los hombres de Ben Buford y los recursos de Bumpy para evitar esta guerra de bandas.
¿El resultado? Una escena de acción que cierra la película sin ninguna baja, es genial también ver al director filmar el escenario con tensión y silencio para luego ver la tranquila puesta en escena de la policía llegar, un Shaft cachondeandose de Vic, y luego verle partir como cuando le vimos por primera vez en la mañana, con genialidad y esa absoluta confianza que deberíamos tener al menos una vez en la vida.
A pesar de eso, esta última escena no tiene tanto impacto como lo estoy contando.
Soy consciente de que edulcoro mucho de lo que uno esperaría de esta película, pero Shaft al final no es TAN grande en acción o comentario social, pero igualmente es importante para el público estadounidense y el crédito que se le ha dado sigue siendo merecedor.
Roundtree y Parks se entienden, crean al personaje y el entorno que vive de una forma especial para el estilo detectivesco y "noir" junto al blackexplotation. ¡Así que gracias a todo el equipo que trajo esta entretenida y grande película y por demostrar una vez más el valor e influencia del cine independiente!

En resumen, Shaft engloba todo un entretenimiento muy logrado, aquí no veremos largas charlas sobre los prejuicios o la idea de que la sociedad norteamericana solo podrá mejorar si consiguen trabajar sin estas contrariedades. No se trata de eso, pero sin embargo el fuerte sentimiento e inspiración que captó y que sigue llamando la atención lo hacen pensar así.
No voy a negarlo, parte del mensaje uno lo puede buscar como el público en 1971, y es innegable que la influencia que ha suscitado en directores como Quentin Tarantino o el propio Spike Lee están en sus trabajos, junto con el actor Samuel L. Jackson cuando interpretó en un pseudo-remake al personaje en el año 2000 (No la he visto aún por si me preguntáis).

Gracias señor Parks por inspirar actores y todo el público que necesitaba una dosis de confianza y optimismo en EEUU, respondió con una película digna de ver, y su dirección también es de aprender en la Academia de Cine.

Es el perfecto ejemplo de blackexplotation en la historia del cine, y el desencadenante que tenemos ahora en contar historias de diversidad racial, con directores, guionistas y grandes producciones que señalen esa implicación bien recibida por parte del público.
Ya hablé en su momento en mi crítica de Black Panther (2018) y es un ejemplo de esa recibida diversidad, también podríamos decir que Creed (2015) pretende contar la historia de Adonis con ese aire, pero no pondría la mano en el fuego. También tenemos a Jordan Peele con las geniales Get Out y US, la primera ya analizada.
El resultado puede también ser mediocre en general como ha sucedido con The Green Book, pero quien se lleva el primer premio es sin lugar a dudas BlackKKlansman con Spike Lee por fin recibiendo un Óscar bien merecido.

BlackKKlansman de todas vuelve a recuperar el estilo de las blackexplotation con una comedia que no entorpece una historia real, pero que sigue otra vez la idea de representación del hombre negro en un entorno positivo, en este caso el oficial Ron Stallworth siendo el primer policía negro de la ciudad de Colorado Springs en 1979.
Esto es lo más cercano que tenemos a un ejemplo del subgénero a día de hoy, actualizado y con un premio a Mejor Guión Adaptado. Conque Hollywood... ¡poneos las pilas de una vez!

No he visto las secuelas así que no tengo ninguna opinión al respecto, pero si queréis también otra recomendación de medio contemporáneo de esta linea, también tenéis la excelente serie de Netflix Luke Cage, este superhéroe de Marvel fue conocido en los cómics como Power-Man y prácticamente su entorno en Harlem, su disfraz, y el estilo de sus historias eran un homenaje al cine de explotación como Shaft, llegando a trabajar también con Puño de Hierro, otro elemento del blackexplotation que es el compañero caucásico que no consiente los prejuicios raciales hacia su compañero, aunque aquí presentaban legítima amistad y compañerismo.

La serie gira también en torno a tramas más adultas, violencia y atracción sexual típica, sumado a un orgullo afroamericano por todas las calles de Harlem, pero se le une a eso los escenarios y clubs nocturnos junto con una música de 10/10.
Ver a Luke de guardián del barrio, buscando a chivatos y chorizos vuelve a traer a la mente a John Shaft.
Toda la serie es un homenaje al subgénero, conque echadle un vistazo si estáis interesados.

En fin, esto es todo por hoy, nos vemos en la próxima entrada.
Una vez más gracias por vuestro interés y recomendaciones, ahora si me disculpáis me esperan horas de intensa concentración para poder olvidarme de la canción de este genio de Hayes...

¡AH!, ¿¡QUÉ HAN ANUNCIADO LA VUELTA DEL PERSONAJE CON TRES GENERACIONES DE SHAFT EN LA HISTORIA?!

The Man They Could Not Hang (1939)

La entrada de hoy será más ligera para mí y espero que una sorpresa para vosotros porque hoy hablaremos de una película no muy conocida en el cine de terror.
Como ya recordareis en mi crítica de La Momia, Boris Karloff el mismo hombre que grabó la imagen del Monstruo de Frankenstein empezaba a repetir papeles que seguían su comportamiento mudo y arisco, dejando ver muy poco sus habilidades hasta que Karl Freund le dirigió en 1932 como Imhotep, en donde pudimos ver a Karloff en un rol que le permitiese hablar y actuar llegando no solo a hipnotizar y derrochar carisma al público, sino también mostrar una atracción por su increíble y suave voz, la forma en la que denota cada linea para darle un significado especial que se corresponda con las actitudes y el modo de ver el mundo que tengan sus personajes.

Es cierto que su rol del Monstruo es memorable y muchas escenas también dependen de su reacción, sus expresiones y el estilo de comunicación más primitivo que pueda haber en sus manos y sus ojos, pero incluso la Universal Pictures se dio cuenta de su actuación y su desenvoltura con sus compañeros y directores, y en 1936 con una de las mejores secuelas de todos los tiempos Karloff tuvo la oportunidad de hacer que el Monstruo hablase. Algo merecidamente alabado por la época.

También se empezaron a rivalizarlo comercialmente con su conocido compañero Bela Lugosi, mostrándolos en más de una ocasión en films de terror que merecen ser hablados en el blog como The Black Cat (1934) o The Raven (1935).

El caso es que Boris Karloff mantuvo una imagen y una inspiración como modelo en las películas de terror y aquí la imagen del científico loco la vistió repetidas veces.
De todas ellas he escogido The Man They Could Not Hang (1939) porque me parece la mejor de todas en su repertorio, (Sí, es mejor que Black Friday gente, asumidlo) a parte de que la trama puede llamar aún la atención al público contemporáneo lo creáis o no, pero eso lo ahondaremos luego, antes vamos con la historia:

Boris Karloff interpreta al Doctor Henryk Savaard, quien junto a su colega Lang (Byron Foulger) están a punto de alcanzar uno de los mayores logros médicos de todos los tiempos, la reanimación de los muertos.

Suena a película de zombies, pero la trama se centra más bien en el logro médico, una investigación altruista, y no para usarlo como un método cruel con fines oscuros, es más, uno de sus alumnos de medicina, Bobby, está dispuesto a ser el sujeto para probar el experimento conociendo completamente todos los riesgos y viéndolo desde el gran plano para salvar vidas en operaciones complicadas o accidentes trágicos.

Savaard y Lang tratan de inducirle en un estado de muerte, no necesariamente privándole de su vida (gracias a la anestesia) para comprobar este supuesto corazón artificial.
Pero entonces en el peor de los momentos la policía llega advertidos de la estúpida novia del joven y enfermera del doctor, Betty, deteniendo a Savaard y el experimento, básicamente matando al joven.
La película empieza bien y continua mejor, en pleno juicio para llevar a Savaard a la silla eléctrica, con su hija Janet (Lorna Gray) y su futuro novio destrozados por ello; pero como ávido y adelantado en su campo Savaard vuelve de la muerte, resentido por todos aquellos que acabaron con él y su investigación sin poder llegar a defenderse justamente, planeando su venganza con una ominosa invitación a todos los miembros del jurado, el juez como el fiscal y la novia ignorante, a una peculiar mansión llena de trampas de la que solo nos queda preguntarnos quién saldrá con vida de ella.

La introducción a Savaard en su laboratorio, el desarrollo del juicio y la agonizante llegada a la casa-trampa del final divide la película en 3 escenarios bien ejecutados y cargados con un dramatismo y montaje perfectamente organizados gracias al director Nick Grinde.
Hay un sentimiento de camaradería y legítima convicción en que lo que están haciendo será una gran oportunidad de ayuda para todos, por lo que no estoy de acuerdo con muchos críticos y fans cuando ven a Savaard como un personaje con un ego y falta de humanidad durante su juicio, ¡no, eso es más la interpretación de un personaje que ya lo ha perdido todo y ya lo han etiquetado de criminal sin poder llegar a explicar el procedimiento de lo que lo ha llevado a "matar al joven estudiante"!
Por no hablar de que su abogado en una parte le pide que explique la importancia que supondría para la medicina su experimento, y la forma y la convicción de sus palabras aunque roce lo poético y teatral habla de una forma altruista y bella, propio del semblante de Karloff.
Es más, Savaard y Lang desde el principio tratan una vez más de hacer entender a Bobby los riesgos a los que se va adentrar, y una vez que le inducen la anestesia le dice a su ayudante que no deben olvidar que están a punto de tomar una vida humana e inocente, y que si no pueden volver a restablecerla como esperan, la ley y ellos habrán cometido un asesinato.
Esto marca también futura culpabilidad de la que se aprovechan en el juicio, y nada de ciega convicción que le separe de alguien prepotente y loco. Gran diálogo para lo que va marcando la trama.

Existe mucha fé y está filmado  de una manera a lo James Whale en Frankenstein (1931); dicho sea de paso, viendo la película ahora para todos los médicos como estudiantes o cirujanos tal vez seáis capaces de entender el lado científico de su investigación. Parece ser que Savaard trabaja en esa reanimación con un supuesto corazón artificial para una operación que se ejecuta a corazón abierto, algo que en esta época era visto más como ciencia ficción, ¿cómo os quedáis?

Me encanta el amasijo de tubos y pipetas que usa como corazón, le da algo no solo complicadamente médico, sino también mágico como la alquimia y exagerado a la vez que difícil de comprender para nosotros, pero que es cristal por como trabaja rápidamente para poder mantener con vida al experimento.

La escena del juicio es increíble, no solo por la libertad que permiten a Boris Karloff moverse por la sala dando sus ultimas palabras a los que le condenan, un monólogo dirigido al jurado como al fiscal brillantemente escrito donde les culpa no solo de matarle sino también de mandar a matar al único hombre que podría haber salvado la vida del muchacho como la de muchas e incontables personas (Llega a compararse con Sócrates y debo decir que me sentí emocionalmente sorprendido por el parecido y la situación que  ambos recorren por lo que crédito a Savaard y al guión).
Es un monólogo y un soliloquio actuado con sumo cuidado y emocionalmente aplastante en la trama que nos alinea en su lado de las cosas. Es una pena que no haya encontrado ningún video porque si hubiese una escena que quisiera que vierais, con Karloff a tope en uno de sus mejores momentos, era esta, hacen que nos importe su situación porque de antemano ya asumimos que el experimento podría haber funcionado si no se hubiesen entrometido, y porque directamente ya lo catalogan de lunático por haberlo matado como el comisario hace, a quien le piden su opinión en el estrado, un tío que de medicina ni pío, pero lo asegura como si su palabra fuese la de un académico más. Imbécil.
Hay breves escenas del jurado tratando de separar lo sucedido como si Savaard debe ser juzgado por la muerte de Bobby, teniendo en cuenta que fue un experimento y su implicación y permiso en ello, por lo que Savaard no es mandado directamente a la silla, hay una legítima lucha de hasta donde la justicia debe meterse en esta tragedia y de si pueden culparle.
Hay transiciones de periódicos  que abarcan el proceso y los días del juicio, que no estoy seguro de si vienen de esta película o no, si alguien lo sabe por favor corregidme.

-Always remember I offered you life, and you gave me death!

Es difícil ver a Savaard y a su hija aquí, le insultan, el fiscal le usa como modelo de un asesino científico que si se libra inspirará a otros a salvarse de la cárcel, le representa en el juicio como el foco de lo que no debe ser permitido ni a existir, es básicamente injusto e inhumano y mi morbosidad de espectador desea verle vengarse de este tío como de la policía, pese a que nunca estaría del lado de ninguno.

¿Cómo burla Savaard su condena para vengarse de ellos? No lo hace, básicamente deja ejecutarse para luego confiar en su asistente, donando su cuerpo para el estudio y así volver del más oscuro estado que uno ha podido cruzar.

No hay connotación religiosa al respecto en la trama (pese a ser propio de los años '30), pero está el sacerdote que le visita para darle la extrema unción, al que Savaard educadamente intercambia con él sensatas respuestas diciendo que no es merecedor de ello.
No dice explicitamente que no crea o que no exista Dios, pero lo enlaza con el interés de demostrar lo explicable y lo científico y que nunca ha cruzado esos términos para determinar si es creyente o no.
Combinando esto con la tranquilidad y la aceptación a morir, en su laboratorio se puede ver 2 veces que uno de los contenedores químicos que sirve para esterilizar el material, lleva grabado un pentagrama... no sé que decir, James Rolfe ya comentó en su video que tal vez haya algo de interés con el demonio por su parte, pero eso os lo dejo a vuestro criterio.

+It seems strange in such a good spirit Doctor.
-Strange that I should have no fear of dying? Well I have lived so long questioning the unknown  that this plunge into it's depths is only the last and perhaps the greatest of my experiments.
+Have you no faith? -As a scientist I'm afraid I am a professional skeptic who doubts everything- even the certainties.
+But do you not recognize the great truths? -I never found one that would bear analysis.
+Can't you conceive of a truth too great for the human mind? -Tonight, no, but tomorrow I may know better!

Conseguido Savaard entra en un estado de "¡Tenia razón!" y pura locura, abrazando ya el concepto de científico loco para ahora vengarse de los miembros del jurado y demás personas.
Pasan los meses y misteriosamente la prensa se da cuenta que varios miembros del jurado empiezan a desaparecer y otros a ser ahorcados en sus hogares, lo que ya se implementa cierta intranquilidad que ya presentaban cuando escuchaban cada uno en la radio la muerte del doctor.
Loco pero inteligente (en un estilo como El Joker) logra encerrar a sus invitados o mejor dicho prisioneros en su particular casa de los horrores. La reacción de todos al verlo de vuelta es genial, Boris Karloff saca esa sonrisa pura de cabrón mientras los demás se quedan atónitos aceptándolo como una especie de broma de mal gusto.

Hasta ahora no me había fijada en su aspecto pero en esta película está extremadamente pálido, sin duda intencionado por los maquilladores para que destaque del resto, con ennegrecidas ojeras y el pelo canoso ante un vestuario oscuro. Denota irónicamente más vida y jovialidad al resucitar que cuando estaba vivo con su hija y todo yendo redondo en el principio, básicamente está disfrutando el torturar a sus invitados que del tiempo que le vimos sensato y cuerdo.
Esta actitud y deleite es vital, porque luego inspiraría al arquetipo de los villanos de James Bond, genios del mal que ponen al 007 entre la vida y la muerta como Blofeld o Goldfinger, pero también demostrará en un futuro ser responsable también de 2 figuras importantes en el propio genero del terror.
En el transcurso de la noche dos de las moscas más gordas caen y la forma en la que mueren vuelven a enlazar al genial Savaard con estos dos villanos.
El primero es Phibes, un trágico villano de los años 70 interpretado por Vincent Price que en su misión de buscar retribución por la muerte de su mujer coincide con Savaard en vengarse de los irresponsables médicos que la atendieron, pero la forma en la que mata a un sujeto en la secuela Dr. Phibes Rises Again (1972) es un claro homenaje a Savaard.

No es la misma muerte la de arriba, precisamente he cogido una imagen de una de las más raras y bizarras que Phibes comete, la similar que traza como la de Savaard es un pincho venenoso que se inyecta cuando cogen el teléfono, en este caso el director del jurado que llevaba el receso.

Pero mientras que Phibes comparte una motivación, una lista de asesinatos personales, y muertes exageradas, el segundo personaje es el que comparte la idea de la muerte, la vuelta al mundo de los vivos, y enseñar a todos los sujetos de la lección que aprendió junto al look de Savaard.
Si no lo habéis adivinado, estoy hablando de nada más y nada menos que de Jigsaw de la saga "gore" de Saw (2004), claro que James Wan creció y se inspiró en The Abominable Dr. Pibes (1971) junto las explícitas muertes en su película, pero a partir de la entrega en la que conocemos los orígenes de Jigsaw, el muñeco, su familia, y su motivación, vemos también como Wan rinde tributo a The Man They Could Not Hang y por eso creo que aún puede tener cierto atractivo para el público actual ver esta película, y ver como las brillantes ideas tienden a inspirar otros trabajos y con el tiempo volver a ser recontadas.
Savaard inspiró las muertes exageradas y comportamientos de villanos de cómic y de James Bond, y luego abrió camino a uno de los mejores papeles de Vincent Price, para más tarde inspirar a un joven director a hacer una de las películas de terror más conocidos del 2000, para bien y para mal.

Llegaría hasta decir que el rostro y la expresión de Tobin Bell son similares a los de Savaard en su pelo y demás características.

Aún con todo lo bueno, existen partes que podrían haberse pulido mejor como la relación entre Savaard y su hija, sobretodo el gran rol que llega a tener entorno al final, prácticamente llenándose de valor para así poder salvar a todo el mundo, no solo a los invitados, a su novio, y a ella misma, sino también a su padre para que recuerde el motivo de su experimento y el propósito de todo esto.
Es una pena, sobretodo porque Lorna Gray es aceptable en un rol ya de corta y pega. Pero es importante como la voz de la razón que Savaard ya ha perdido, y realmente crees en su figura como padre.

También hay mucha inexactitud y falta de explicación respecto al final, lo que es raro, ¿son exactos y precisos en el ambiente científico y judicial, pero no a la hora de narrar el impacto en la trama tras esto? Con esto me refiero a la presencia de su asistente, ¿dónde está Lang, qué ha pasado con él, fue el responsable de las muertes de los otros culpables o qué?
Parece que tratan de implicar que con el tiempo ambos separaron sus caminos y que Savaard lo mató como señal de que ha perdido el juicio, pero me cuesta muchísimo creerlo, Savaard no está tan ciego de castigar a los que lo mataron hasta al punto de acabar con los que nunca dejaron de apoyarlo, ni siquiera él ha caído tan bajo.
La falta de explicación, y todo lo que tratan de descubrir los invitados como el público va por esa idea, junto que vimos a Lang perplejo cuando el material clave reventó para traer a Savaard de nuevo a la vida y eso le dejó con la impresión de que este es un experimento imposible de repetirse.
No lo sé, simplemente hay algo aquí que ignoran y aunque la trama parece no necesitarlo ni sus personajes, podría haber funcionado como un ejemplo de diferenciarse del personaje de Karloff.

Una vez más, créditos al encargado de la cinematografía de esta película, Benjamin Kline, desgraciadamente no destaca mucho su trabajo más que episodios de Los Tres Chiflados, pero aquí pone la cámara a grabar en sets bellamente construidos como la mansión y el juzgado, agregan fuerza y aprisionamiento en los personajes aún teniendo un espacio grande.
¡Toda una tragedia no ver de fondo a Moe o a Curly muriendo exageradamente por Savaard mientras Larry toca el violín! ¡YO HABRIA PAGADO POR ESO!
Es impresionante todo lo que se puede lograr con un serial limitado de serie B como este, después de todo no está producido por grandes competidores o estudios con el monopolio del terror como la Universal Pictures, fue hecho por Columbia.
A decir verdad, la conexión con Columbia Pictures, el tema de Savaard como científico loco, y el mundo en respuesta a su trama recuerda una vez más al tema del cliché, ahora juntándose con los tempranos arquetipos de villanos de serial como Fu Manchu, o en el caso de Columbia los villanos originales que creaban los viejos seriales de Batman.

The Man They Could Not Hang  es un ejemplo del cine de científico loco tan popular en la época y el más apropiado de todos, cierto que no llega a abrazar todas sus características y esta no es la mejor en la que Karloff actuaría como se vio en 1944 en House of Frankenstein, con una de sus mejores interpretaciones y abrazando por completo la locura y falta de humanidad de este arquetipo.
Considero también importante por lo que creará en el futuro, villanos a los que inspirar, duologias inigualables, y un nuevo nacimiento de terror que puede hacer que los fanes de la saga de Saw (2004) se interesen por explorar de dónde vienen cada idea y aquellas historias que les influencian.
Como siempre digo, las grandes ideas tienden repetirse en distintas formas, y aquí tenéis mi ejemplo.

OK, esto está hecho, espero que os haya gustado, y siento mucho si no he podido poner clips de la película, pero os dejo en el enlace del título la película completamente libre de derechos en Dailymotion.
Esa es otra cosa que me encanta de estas películas de Karloff, la duración es muy corta para lo que estamos acostumbrados, aquí 1h y 4 minutos, ¿no es un chollo?
En fin, para los entusiasmados no os preocupéis, algún día abordaremos a Dr. Phibes, después de todo es una de las mejores películas de Vincent Price y soy un gran fan.
En cuanto a Saw... sí, eso será más difícil, aún hay cierto murmullo negativo por el "gore" y su fama de "torture porn" y necesito tiempo y motivación para saber cómo traer la historia a vosotros lectores.
Espero que os haya gustado esta pequeña aportación, y una vez más gracias por leerlo.
¡Ya nos veremos!