Twilight Zone: The Movie (1983)
"You're traveling through another dimension, a dimension not only of sight and sound but of mind.
A journey into a wondrous land whose boundaries are that of imagination. That's the signpost up ahead - Your next stop, the Twilight Zone."
Con este monólogo Rod Serling daba entrada a una de las mejores series de la televisión, The Twilight Zone. Como muchos sabréis se trata de una de mis series favoritas y muy probablemente de todos los tiempos. A principios de los años '50 esta serie de tema antológico revolucionó por completo el medio, sus increíbles episodios con temas supernaturales, exploración de la ciencia ficción, la histeria y el tema psicológico, su aire fantástico en el día a día de cada persona, y mensajes de terror, como de corazón hacia el ser humano.
Mas allá de lo que hoy en día se juzgaría de barato y mediocre calidad de rodaje, se ocultaba una dimensión que se fusionaba con la imaginación inexplorada en historias más que reconocidas hoy en día y que ha demostrado tener un afán por el entretenimiento y un efecto hipnótico nunca visto.
Cada episodio en su mayoría fueron proyectos en donde la historia no se distaba de lo normal, y jugaba con la intervención de lo paranormal o el destino para poner en vilo al espectador; volviéndola a ver hace que me fije que muchos de estos capítulos eran sorprendentemente adelantados a su tiempo, como no, su principal figura era un hombre que situaba estas historias como importantes lecciones.
Historias fantásticas en donde resuena el giro dramático, imágenes inolvidables y la presencia de uno de los mejores guionistas de todos los tiempos.
Mas allá de lo que hoy en día se juzgaría de barato y mediocre calidad de rodaje, se ocultaba una dimensión que se fusionaba con la imaginación inexplorada en historias más que reconocidas hoy en día y que ha demostrado tener un afán por el entretenimiento y un efecto hipnótico nunca visto.
Cada episodio en su mayoría fueron proyectos en donde la historia no se distaba de lo normal, y jugaba con la intervención de lo paranormal o el destino para poner en vilo al espectador; volviéndola a ver hace que me fije que muchos de estos capítulos eran sorprendentemente adelantados a su tiempo, como no, su principal figura era un hombre que situaba estas historias como importantes lecciones.
Historias fantásticas en donde resuena el giro dramático, imágenes inolvidables y la presencia de uno de los mejores guionistas de todos los tiempos.
La colaboración que fue creada entre varios guionistas, actores y directores mantuvo una serie sobrenatural que ha influenciado todo el género, y todo gracias a la magnífica visión de Rod Serling quien como creador y guionista mantuvo control en el programa para representar esa propuesta tan característica de él.
Admiro bastante la figura de Serling y su forma de escribir, sus mensajes e historias son enigmáticas y dejan una lección que bajo increíbles actuaciones son la fuente de diversas tramas y argumentos que paso a paso se han convertido en homenajes a esta serie.
Si no lo conocéis y estáis muy interesado en la narración literaria o en escribir historias, este es un hombre del que se puede aprender grandes lecciones.
Es mandatorio en la evolución y lo que él logro en la televisión con el que es el trato del siglo que fue esta serie.
Si no lo conocéis y estáis muy interesado en la narración literaria o en escribir historias, este es un hombre del que se puede aprender grandes lecciones.
Es mandatorio en la evolución y lo que él logro en la televisión con el que es el trato del siglo que fue esta serie.
Y por ello, en honor a mi afición por la serie y Rod Serling, vamos a explorar uno de los más esperados proyectos cinematográficos de los años ochenta, la respuesta a:
"¿Cómo se puede hacer una película basada en una serie antológica?"
¡Pues en efecto, Twilight Zone: The Movie es una película que se propone traer a la gran pantalla el espíritu de la serie original, una película antológica! (Algo muy poco hecho ahora que me fijo en el cine, vaya...)
Se divide en 4 historias, cada segmento es un "remake" o está basado en episodios conocidos, y son seleccionados por cuatro directores distintos, algunos famosos en el momento de su salida en 1983, y otros aún sin ser conocidos (Lo mismo se podría decir de los primeros capítulos escogidos).
Se divide en 4 historias, cada segmento es un "remake" o está basado en episodios conocidos, y son seleccionados por cuatro directores distintos, algunos famosos en el momento de su salida en 1983, y otros aún sin ser conocidos (Lo mismo se podría decir de los primeros capítulos escogidos).
Tiene sentido ¿no creéis? Durante los '80 todos aquellos que se criaron con las películas de ciencia ficción de los '50 crecieron para más en adelante a dirigir aquellas películas que tanto les inspiraron y rendirles homenaje (Exactamente lo que sucede ahora con rendir homenaje a los años '80 con Stranger Things o IT), como John Carpenter y su "remake" de La Cosa, George Romero, Stephen King y Tom Savini en Creepshow, o David Cronenberg con La Mosca.
Así que podemos deducir que la inspiración que estos cuatro directores tuvieron respecto a esta serie durante su infancia y su trayecto en el mundo del cine se puede ver por como recrearon cierta nostalgia y sus ganas de rendir homenaje en cada historia que se nos presenta.
Sin duda debió de ser una emoción inolvidable en su día para cada uno el contar y dirigir su propia versión de su capítulo favorito, la envidia de Hollywood sin ninguna duda.
Sin duda debió de ser una emoción inolvidable en su día para cada uno el contar y dirigir su propia versión de su capítulo favorito, la envidia de Hollywood sin ninguna duda.
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| Aquí tenemos en los créditos nuestra guía de cada director encargado de cada episodio por hacer, ¿os suena alguno de ellos? |
De entre todos ellos John Landis mantuvo el control como portavoz en general, quien también fue productor con su compañero Steven Spielberg para así hacer que cada uno dirigiese y escogiera su propia versión o "remake" de los clásicos episodios, en vez de dirigir el mismo todos ellos.
Es una gran idea, y lleva a cada una distintas narraciones y estilos respecto a la dirección en cada historia. Landis, conocido por dirigir The Blues Brothers, Desmadre a la americana y An American Werewolf in London presentó el prólogo, además anunció la creación de una historia original para la película, eso aumentó el interés de los espectadores, la prensa, la publicidad y la crítica.
Ya de por sí es una magnífica idea traer The Twilight Zone a la gran pantalla, pero encima decide crear algo nuevo para los más aficionados de la serie, ¡brillante!
Pero como siempre, nada está escrito en piedra, no todo se ejecutó como se esperaba y alguna de esas intenciones acabaron siendo muy insatisfechas para el público y la crítica, y trágicas para el equipo del rodaje y el sentimiento de union entre los directores; el cual también comentaremos como un pequeño trivial al mismo tiempo que aquellos episodios a los que traen a la pantalla.
Y ya que estamos hablando de una película que me interesa mucho de analizar, os dejaré al final del todo una sorpresa/sugerencia personal.
En sus inicios Siskel & Ebert realizaron una crítica sobre cada segmento y como veréis en el siguiente video, tuvieron el mismo sentimiento que muchos otros, lo que me parece bien, ¡hey, son mis críticos de cine favoritos! Pero quiero ponerlo como una nota de que al contrario que la opinión general, yo abordaré mis análisis de una forma distinta y con una voz bastante desigual de la del resto, después de todo nunca se la ha hecho mucha justicia al compararlo con la intocable serie.
Ya de por sí es una magnífica idea traer The Twilight Zone a la gran pantalla, pero encima decide crear algo nuevo para los más aficionados de la serie, ¡brillante!
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| John Landis y esa sonrisa suya ante la envidia de Hollywood muy posiblemente. Bueno, no tanta... |
Pero como siempre, nada está escrito en piedra, no todo se ejecutó como se esperaba y alguna de esas intenciones acabaron siendo muy insatisfechas para el público y la crítica, y trágicas para el equipo del rodaje y el sentimiento de union entre los directores; el cual también comentaremos como un pequeño trivial al mismo tiempo que aquellos episodios a los que traen a la pantalla.
Y ya que estamos hablando de una película que me interesa mucho de analizar, os dejaré al final del todo una sorpresa/sugerencia personal.
En sus inicios Siskel & Ebert realizaron una crítica sobre cada segmento y como veréis en el siguiente video, tuvieron el mismo sentimiento que muchos otros, lo que me parece bien, ¡hey, son mis críticos de cine favoritos! Pero quiero ponerlo como una nota de que al contrario que la opinión general, yo abordaré mis análisis de una forma distinta y con una voz bastante desigual de la del resto, después de todo nunca se la ha hecho mucha justicia al compararlo con la intocable serie.
Ahora pasemos a criticar como analizar cada segmento y episodio por sí mismos; es lo divertido de poder hablar de esto, y así me permitís recomendaros y analizar cada historia independiente de la otra; así que entremos en los límites de la realidad y la imaginación.
¡Esto mis queridos lectores, es Twilight Zone: The Movie!
¡Esto mis queridos lectores, es Twilight Zone: The Movie!
#Prólogo
La película como todo marco de estas historias comienza con un corto prólogo en donde vemos a un par de carismáticos personajes cantando a voz de trapo The Mindnight Special en el transcurso del viaje en coche; para poder entrar de poco a poco en la atmósfera de la película.
Es bastante divertido verlos perder la cabeza cantando a altas horas de la noche para hacer de su viaje lo más corto posible, como cualquiera de nosotros habríamos hecho en el '83.
Y cantan muy bien, ¿para que mentir? La película para mí no podía haber empezado de mejor modo e implicados en los personajes, punto para Landis.
Vemos que una vez se rompe la cinta deciden charlar, bromear y ya hablando de los programas de televisión jugando a adivinar sobre cada tema sonoro que les ocurran, como "Perry Mason", "Bonanza", "National Geographic", "Hawaii 5.0" (De ahí le vendría la relación con la CBS, y a cantar el intro de la serie) etc.
También hay una oscura (Pero de curiosa morbosidad) escena en donde introducen el terror jugando a lo de "hasta cuánto puedo aguantar con los faros apagados", lo que asusta a uno de ellos sin remedio a pesar de ser solo una broma, pero funciona bastante bien para dejar en el aire esa tensión callada como miedo y soledad en el ambiente de la carretera, antes de ponerse a hablar de The Twilight Zone.
Es bastante divertido verlos perder la cabeza cantando a altas horas de la noche para hacer de su viaje lo más corto posible, como cualquiera de nosotros habríamos hecho en el '83.
Y cantan muy bien, ¿para que mentir? La película para mí no podía haber empezado de mejor modo e implicados en los personajes, punto para Landis.
Vemos que una vez se rompe la cinta deciden charlar, bromear y ya hablando de los programas de televisión jugando a adivinar sobre cada tema sonoro que les ocurran, como "Perry Mason", "Bonanza", "National Geographic", "Hawaii 5.0" (De ahí le vendría la relación con la CBS, y a cantar el intro de la serie) etc.
También hay una oscura (Pero de curiosa morbosidad) escena en donde introducen el terror jugando a lo de "hasta cuánto puedo aguantar con los faros apagados", lo que asusta a uno de ellos sin remedio a pesar de ser solo una broma, pero funciona bastante bien para dejar en el aire esa tensión callada como miedo y soledad en el ambiente de la carretera, antes de ponerse a hablar de The Twilight Zone.
Esta pequeña introducción que va en tiempo real, tiene cierto aire a las viejas historias del autoestopista que se sube al coche y empiezan a suceder cosas raras para su desgracia, o al menos eso es lo que esperarías inadvertidamente conociendo la serie, van jugando con el espectador hasta que se ponen a hablar de Rod Serling y de algunos de sus capítulos favoritos antológicos de The Twilight Zone o The Outer Limits; y funciona con creces esa intención de perdernos en el miedo que quedó destacado, esperar lo inesperado y relacionarnos con estos personajes.
Me apostaría lo que sea a que esta sola escena trajo a más de un espectador en 1983 cierta nostalgia y cariño a la serie y parte de ese miedo que no podría evitar sentirse identificado con las conversaciones que mantienen estos personajes. Un susto merecido y digno de ser destacado.
Dan Aykroyd y Albert Brooks son graciosos e interesantes (Como siempre, para qué engañarnos) como estos alocados viajeros pasando el rato, pero especialmente recordados como casuales fanáticos de la serie hablando como cualquier otro fan habrá hecho en la cola de la taquilla o antes de ir al cine; se crea una agradable atmósfera y entorno al principio para poder empezar y así ser relacionable con el público; con casuales diálogos y atrayentes actuaciones que acomodan a todo el mundo. Todo pensado para que bajemos la guardia en este fabricado escenario.
Recuerda casi como otro par de personajes que Landis escribió dos años antes en una situación igual de paranormal, y con la misma intención de aterrorizar al público. Las grandes ideas siempre resuenan con el tiempo.
Dan Aykroyd y Albert Brooks son graciosos e interesantes (Como siempre, para qué engañarnos) como estos alocados viajeros pasando el rato, pero especialmente recordados como casuales fanáticos de la serie hablando como cualquier otro fan habrá hecho en la cola de la taquilla o antes de ir al cine; se crea una agradable atmósfera y entorno al principio para poder empezar y así ser relacionable con el público; con casuales diálogos y atrayentes actuaciones que acomodan a todo el mundo. Todo pensado para que bajemos la guardia en este fabricado escenario.
Recuerda casi como otro par de personajes que Landis escribió dos años antes en una situación igual de paranormal, y con la misma intención de aterrorizar al público. Las grandes ideas siempre resuenan con el tiempo.
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| David y Jack los personajes de Un hombre lobo americano en Londres puede resultar como un pequeño homenaje por como interactuan, e incluso en el resultado final que abre las puertas a la película, replican la misma atmósfera con una dosis de humor negro que empieza bien ambos proyectos. |
Pero cuando entran en discusión de aquellos episodios que realmente daban miedo, y empiezan a detener el coche, es cuando damos el pistoletazo de salida a Twilight Zone: The Movie.
Hablan del famosísimo capítulo de "Time Enough at Last", "The After Hours" el cual fue uno de mis primeros capítulos, uno que realmente asustaba, y... ¡vaya si me gusta esta serie!
Es sorprendentemente buena la escena, Dan Aykroyd es genial (Mi actor favorito en la adolescencia) en como lleva la espera con Albert Brooks, y el primer susto es ofrecido y dirigido como solo Landis sabe, mezclando ese humor negro y terror por como de natural y normales se veía escalando nuestros personajes en la situación.
Es gracioso, es intrigante e incluso llena de suspense sobre lo que va sucediendo en la espera de Aykroyd.
Podría ponerme a hablar todo el día sobre como el prólogo hace un mejor trabajo que algunos de los siguientes episodios, pero aún no hemos empezado siquiera, así que dejémoslo así.
Perfecto prólogo. Es una perfecta imagen del optimismo comienzo que muchos fans tenían al ver la serie y acababan igual de tocados por su aterrador o provocador guión.
Nos relacionamos con ellos, vamos dejando que la atmósfera se cree, y en menos de lo que esperamos ¡BAM! instantáneamente hemos sido introducidos en The Twilight Zone.
¡Vamos con el primer segmento!
Hablan del famosísimo capítulo de "Time Enough at Last", "The After Hours" el cual fue uno de mis primeros capítulos, uno que realmente asustaba, y... ¡vaya si me gusta esta serie!
Es sorprendentemente buena la escena, Dan Aykroyd es genial (Mi actor favorito en la adolescencia) en como lleva la espera con Albert Brooks, y el primer susto es ofrecido y dirigido como solo Landis sabe, mezclando ese humor negro y terror por como de natural y normales se veía escalando nuestros personajes en la situación.
Es gracioso, es intrigante e incluso llena de suspense sobre lo que va sucediendo en la espera de Aykroyd.
Podría ponerme a hablar todo el día sobre como el prólogo hace un mejor trabajo que algunos de los siguientes episodios, pero aún no hemos empezado siquiera, así que dejémoslo así.
Perfecto prólogo. Es una perfecta imagen del optimismo comienzo que muchos fans tenían al ver la serie y acababan igual de tocados por su aterrador o provocador guión.
Nos relacionamos con ellos, vamos dejando que la atmósfera se cree, y en menos de lo que esperamos ¡BAM! instantáneamente hemos sido introducidos en The Twilight Zone.
¡Vamos con el primer segmento!
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| Albert Brooks incitando a Dan Aykroyd a que lo asuste... mala idea. |
Segmento 1
El primer segmento se llama "Time Out" y sigue la historia de un triste, solitario y deprimido hombre, Mr. William Connor (Vic Morrow) como diría el narrador; quien intercambia con sus compañeros de trabajo sus penas en el "Tender Trap" (Jejeje, muy sutil Landis...) y unas duras críticas respecto al ascenso que ganó su compañero Goldman, (visto injusto después de ese inmenso trabajo que ha acarreado para que se fijen en él) al que insulta por el hecho de ser judío, continuando que "para qué necesita él el ascenso sabiendo todos que los judíos son dueño de todo y tienen dinero para dar y tomar" (WOW, such a racist bigot...) y luego sin pausa continua insultando a los negros que viven en su barrio, los asiáticos que son dueños de su casa y su banco, todo ello con la excusa de que ÉL es mejor que todos ellos al ser americano, y de que no parece significar nada de eso a sus jefes y a nadie.
Sus compañeros empiezan a sentirse incomodos al igual que el resto del bar, e incluso tiene que levantarse de su sitio el genial Steven Williams y pedirle que cierre la boca, y Williams es el badass negro de los '80 (Incluso se lo pide calmado y diciendo por favor ¿cuándo ha pasado eso con Williams? La verdad es que la forma en que lo maneja es un ejemplo de como uno debe confrontar a un racista de manera pública). Tratan incluso de confortarle y entenderlo, pero Bill no deja de seguir hablando enfurecido en un tono racista y sin reservas.
Como veis, Bill Connor no es un personaje para nada agradable y con quien podamos relacionarnos en un sentido narrativo, y en el momento en el que sale entra en el rincón más oscuro de The Twilight Zone al salir del bar, la dimensión desconocida lo pone en nada más y nada menos que en la Segunda Guerra Mundial para que aprenda y sufra por sus palabras.
Sus compañeros empiezan a sentirse incomodos al igual que el resto del bar, e incluso tiene que levantarse de su sitio el genial Steven Williams y pedirle que cierre la boca, y Williams es el badass negro de los '80 (Incluso se lo pide calmado y diciendo por favor ¿cuándo ha pasado eso con Williams? La verdad es que la forma en que lo maneja es un ejemplo de como uno debe confrontar a un racista de manera pública). Tratan incluso de confortarle y entenderlo, pero Bill no deja de seguir hablando enfurecido en un tono racista y sin reservas.
Como veis, Bill Connor no es un personaje para nada agradable y con quien podamos relacionarnos en un sentido narrativo, y en el momento en el que sale entra en el rincón más oscuro de The Twilight Zone al salir del bar, la dimensión desconocida lo pone en nada más y nada menos que en la Segunda Guerra Mundial para que aprenda y sufra por sus palabras.
El set en cuanto Bill aterriza en 1939 es un buen trabajo y con detalle, pero también John Landis se detiene en hacer tributo al expresionismo alemán (en mi opinión algo fallida) cuando vemos a Vic Morrow siendo perseguido en los callejones, ocultándose en las sombras, casas militarizadas y huyendo de los nazis, es una escena muy bien lograda y te deja en suspense respecto a lo rápido que está siendo acorralado y qué sucederá después.
Me gusta mucho el set y este nuevo mundo, realmente te hace sentir ese incómodo sentido de extrañeza y aislamiento que muchos episodios solían traer respecto a cuando la dimensión llevaba a algunos de esos personajes a otras épocas y mundos que no soportaban la presencia del protagonista. Pero aquí añaden también a los personajes de la época hablando en alemán y francés sin ningún subtitulo que podamos seguir para entender la situación.
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| Vic Morrow sin pistas de dónde esta y qué le ha sucedido, lo siento Bill pero por ser americano Twilight Zone no hace excepciones, y tu lección viene lo quieras o no. |
A pesar de que vemos instantáneamente el traspaso que lleva esta dimensión a Bill, éste por alguna razón no se da cuenta de dónde esta o cuando le confunden los soldados de guardia con un espía americano y con un judío. Diría que está para verlo con un sentido de humor negro al principio, (incluso después del disparo en el brazo) pero como vemos en el transcurso del segmento, Bill está siendo paulatinamente transportado en situaciones distintas de la historia en donde se le ve como una figura a la que es blanco del odio y racismo, pasando de la Alemania Nazi (Es más la Francia de Vichy) a un campo de Alabama, lleno de miembros del Klan que pretenden colgarle por ser negro...
¡Eso puede explicar el sentido de que Bill no comprenda que está al principio en Berlin o en la Francia de Vichy, tal vez su punto de vista es que está aún en casa con soldados disfrazados!
La lección de esta dimensión vuelve a llevarlo a otra época y lugar, esta vez en Vietnam, ocultado de ser disparado por Charlies, mordido por una laaargaa serpiente, y finalmente, soldados americanos que también lo ven como un "amarillo".
"Time Out" funciona personalmente más cuando Morrow está rodeado de esa cruel sociedad aria que cuando le vemos en el campo intentando perder a esos blancos locos, o en la selva a punto de ser lanzado por una granada de su propio país.
Pero la tensión y la espera funcionan notablemente al principio por el aislamiento que se siente por el lenguaje natal de los personajes, y Vic Morrow hace un buen trabajo cuando se pone en modo de supervivencia en el que actúa siguiendo los detalles que limitan al personaje como el disparo en el brazo y en la pierna, y la conmoción de lo que le está sucediendo.
Por no hablar de que realmente empiezas a sentir pena por él (Pero no por lo que uno ve en el personaje, que conste) desde que entra en la casa de esa familia víctima de la invasión alemana buscando su auxilio y algo de medicina o que le ayuden a explicar dónde esta, antes de que la madre le entregue y los desgraciados jueguen con él al tiro al blanco.
En resumen, "Time Out" a la larga es como muchos fans de la serie habríamos anticipado este tipo de historia y acaba en una nota bastante vacía. Usar el tema de la guerra y la discriminación en esta serie era muy importante para Rod Serling, y este segmento no tiene en cuenta ninguna de las lecciones de sus historias o el propio tema racial, quedándoselas en algo simple en comparación de los trabajos de los que provino.
Tampoco es especialmente destacado en la filmografía y dirección de John Landis, pero está lejos de ser uno de sus peores proyectos, al menos en el resultado técnico, personal y profesional es otra cosa.
No está mal pero no llega a acumularse en algo que esperarías significativamente de la serie o en una adaptación al cine de ella, y a un modo narrativo acaba muy abruptamente y sin imaginación en su propio mundo, dejando al espectador imaginarse su destino en The Twilight Zone.
Lo cual no está mal en sí el sentimiento de esa siniestra ambigüedad, en cierto modo es único aquí, pero no la ejecutan de una forma memorable o a la par con el estilo de la serie.
Eso es debido a que no lo terminaron como querían debido al trágico accidente de 1983 que sucedió en el rodaje de Twilight Zone: The Movie y que acabó con la vida de Vic Morrow y dos niños vietnamitas que fueron contratados ilegalmente por Landis.
A día de hoy esta película tiene una gran sombra que nunca se ha podido calmar (Y que no quiero que se olvide a modo de advertencia honestamente), y John Landis fue responsable de ello por la falta de profesionalidad y la dirección que tuvo en la escena en donde Vic Morrow debería buscar la redención del personaje de Bill al salvar de una explosión a dos niños en el resultado de la Guerra de Vietnam o Corea en donde participó (Escuché que supuestamente salvó a los pequeños de una versión joven y cruel de sí mismo, y así los trae al presente para cuidarlos, pero nunca se ha confirmado algo así, ¿quién sabe?).
La explosión nunca llegó a ser coordinada ni a dirigirse previamente, y la cantidad de dinamita que estalló provocó que el piloto del helicóptero del rodaje perdiera el control y se desmayase.
Vic Morrow trató de salvar la vida de Renee Chan y My-ca Dinh Le pero trágicamente murió junto a ellos cuando una de las alas cercenó su cabeza y aplasto el helicóptero sus cuerpos.
Este triste acontecimiento supuso un cambio muy grande a día de hoy en Hollywood al tomarse nuevas medidas de seguridad, prohibición de subcontratación de menores con pena de cárcel, y la negativa a rodar escenas con menores en horarios nocturnos.
La amistad entre Steven Spielberg y Landis se rompió desde que le dijo que su irresponsabilidad y actitud han cobrado la vida de tres inocentes, y que nadie debería de morir por una forma de entretenimiento como esta.
La escena fue quemada por Landis por obvias razones tras ser anulado el juicio contra él, pero por ahí anduvo un desgraciado que recuperó los últimos carretes y ahora es visible en Youtube.
Por respeto a Morrow y a sus familiares no pienso poner el video y no quiero verlo, pues esa no es la imagen que deberíamos quedarnos con "Time Out" y su actuación bajo ningún concepto.
Aunque el final con Bill siendo castigado en el rincón más oscuro de The Twilight Zone parece estar en sintonía con el espíritu del show, o los castigos de las historias antológicas de terror, se suponía que como una historia original tan grande y con esta propuesta esperábamos algo más acorde con la idea de Bill aprendiendo su lección al salvar a los niños del fuego de batalla, y no sufriendo por ello finalmente.
Lo cual no está mal en sí el sentimiento de esa siniestra ambigüedad, en cierto modo es único aquí, pero no la ejecutan de una forma memorable o a la par con el estilo de la serie.
Eso es debido a que no lo terminaron como querían debido al trágico accidente de 1983 que sucedió en el rodaje de Twilight Zone: The Movie y que acabó con la vida de Vic Morrow y dos niños vietnamitas que fueron contratados ilegalmente por Landis.
A día de hoy esta película tiene una gran sombra que nunca se ha podido calmar (Y que no quiero que se olvide a modo de advertencia honestamente), y John Landis fue responsable de ello por la falta de profesionalidad y la dirección que tuvo en la escena en donde Vic Morrow debería buscar la redención del personaje de Bill al salvar de una explosión a dos niños en el resultado de la Guerra de Vietnam o Corea en donde participó (Escuché que supuestamente salvó a los pequeños de una versión joven y cruel de sí mismo, y así los trae al presente para cuidarlos, pero nunca se ha confirmado algo así, ¿quién sabe?).
La explosión nunca llegó a ser coordinada ni a dirigirse previamente, y la cantidad de dinamita que estalló provocó que el piloto del helicóptero del rodaje perdiera el control y se desmayase.
Vic Morrow trató de salvar la vida de Renee Chan y My-ca Dinh Le pero trágicamente murió junto a ellos cuando una de las alas cercenó su cabeza y aplasto el helicóptero sus cuerpos.
Este triste acontecimiento supuso un cambio muy grande a día de hoy en Hollywood al tomarse nuevas medidas de seguridad, prohibición de subcontratación de menores con pena de cárcel, y la negativa a rodar escenas con menores en horarios nocturnos.
La amistad entre Steven Spielberg y Landis se rompió desde que le dijo que su irresponsabilidad y actitud han cobrado la vida de tres inocentes, y que nadie debería de morir por una forma de entretenimiento como esta.
La escena fue quemada por Landis por obvias razones tras ser anulado el juicio contra él, pero por ahí anduvo un desgraciado que recuperó los últimos carretes y ahora es visible en Youtube.
Por respeto a Morrow y a sus familiares no pienso poner el video y no quiero verlo, pues esa no es la imagen que deberíamos quedarnos con "Time Out" y su actuación bajo ningún concepto.
Aunque el final con Bill siendo castigado en el rincón más oscuro de The Twilight Zone parece estar en sintonía con el espíritu del show, o los castigos de las historias antológicas de terror, se suponía que como una historia original tan grande y con esta propuesta esperábamos algo más acorde con la idea de Bill aprendiendo su lección al salvar a los niños del fuego de batalla, y no sufriendo por ello finalmente.
Debería haber terminado con una nota de redención como suele ofrecer esta dimensión, y pasar de racista y obtuso a un héroe al que le ha salvado el alma esta experiencia por la que le ha cambiado a mejor y le ha separado de las palabras que lo encajaban a los torturadores que le persiguieron.
Y desafortunadamente tal y como se nos presenta Time Out no llega a ser tan original como prometieron, ni tampoco una representación perfecta de los episodios de tema de guerra de la serie.
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| Parece que estuviese inspirado en el episodio "A quality of mercy" con Leonard Nimoy como invitado especial, este capitulo seguía a un nuevo y joven sargento sin moral, Dean Stockwell, por su grupo durante la Segunda Guerra Mundial, y sin compasión ni piedad por sus enemigos que exigía que acabasen con ellos de forma mezquina. Allí es cuando Twilight Zone le hace vivir la misma situación, pero de cara a los japoneses, lo que se ve reflejado con Vic cuando es juzgado como judío o afroamericano durante su persecución. |
No llega a ser un segmento malo per se, pero para mí fracasa en hacer del personaje alguien a quien podamos ver que puede redimirse y sentir pena por él, puesto que la narración es incompleta y no se mantiene como esperaban. Siento pena por lo sucedido por Morrow, por su esposa, por su hija Jennifer Jason Leigh, pero no por el personaje de William Connor, y ni siquiera cobra un aspecto de sentir pena o deseos de que sufra puesto que Morrow actúa realmente para tener simpatía cuando lo disparan o cuando pide auxilio en la casa, o cuando los nazis juegan con él y finalmente lo ponen en dirección a un campo de concentración. Es triste de ver y la actuación de Vic Morrow no se merece el resultado global del primer segmento. Pero una vez más, TODO el segmento es oscurecido por la idea del féretro de Morrow como resultado a la incompetencia del rodaje.
"Time Out" acaba siendo una decepción, pero individualmente de todo, la verdadera estrella es Vic Morrow. Vic ha sido siempre reconocido por papeles en donde interpretaba al matón y al insensible ser que ofende sin motivo ni razón a su alrededor, pero de no ser por el accidente, este habría sido su único papel en donde esta clase de figura que se había creado habría tenido un momento de simpatía y redención. Y por ello veo este segmento como la última obra de un gran actor, en donde al principio del bar vemos las habilidades de su actuación y el como podía inspirar a discutir y hacernos pensar en cada linea que soltó como el racista de Bill. Su última actuación siempre dejará un pensamiento y una actuación provocativa y social, unida con su agotadora voz y su porte y gestos que conforman un personaje que pudo haber sido salvado.
Joe Bob Briggs hizo una crítica en su programa Monstervision en donde habló con profesionalidad sobre el trayecto de Morrow y sus destacables progresos hasta su última aparición.
Es una buena y divertida crítica como siempre acostumbra, pero recomiendo verlo también por el análisis de este primer segmento, así que echadle un vistazo en caso de que os interese.
Es fácil de olvidar y aburrido, pero no horrible en un nivel básico, y pone fin a este maleable inicio, puesto que los siguientes segmentos son cuando las cosas empiezan a mejorar y entrar en el terreno de terror y fantasía...
"Time Out" acaba siendo una decepción, pero individualmente de todo, la verdadera estrella es Vic Morrow. Vic ha sido siempre reconocido por papeles en donde interpretaba al matón y al insensible ser que ofende sin motivo ni razón a su alrededor, pero de no ser por el accidente, este habría sido su único papel en donde esta clase de figura que se había creado habría tenido un momento de simpatía y redención. Y por ello veo este segmento como la última obra de un gran actor, en donde al principio del bar vemos las habilidades de su actuación y el como podía inspirar a discutir y hacernos pensar en cada linea que soltó como el racista de Bill. Su última actuación siempre dejará un pensamiento y una actuación provocativa y social, unida con su agotadora voz y su porte y gestos que conforman un personaje que pudo haber sido salvado.
Joe Bob Briggs hizo una crítica en su programa Monstervision en donde habló con profesionalidad sobre el trayecto de Morrow y sus destacables progresos hasta su última aparición.
Es una buena y divertida crítica como siempre acostumbra, pero recomiendo verlo también por el análisis de este primer segmento, así que echadle un vistazo en caso de que os interese.
Dejemos estar este segmento como un bache inesperado que comienza las cosas, y pasemos al siguiente episodio. Diría que lo peor ha pasado, pero para quienes lo conocen, saben que este no va a mejorar las cosas.
Segmento 2
Un remake del no muy conocido episodio "Kick the can", el cual sigue la historia de un grupo de ancianos en el asilo Sunnyvile que encabezados por el alegre y risueño señor Bloom (Scatman Crothers) toman la jovial idea de rememorar sus nostálgicos recuerdos jugando a patear la lata durante la noche, y así sin esperarlo rejuvenecen a su momento de mayor felicidad y vuelven a ser niños (Ya sabéis el juego, es el escondite y para salvar a tus compañeros debes de darle una patada en la lata antes de que te pillen).
Steven Spielberg dirige este segmento y es criticado por haber puesto la entrada más aburrida de todas, pero no muchos saben que esa no fue esa su primera elección.
Después del accidente Spielberg maduró fríamente y quiso quitarse de en medio este proyecto (Eso explica que "Kick the can" fuese rodada en 6 días), pero no volvería la espalda a lo sucedido y por ello renunció a su primera decisión de traer el episodio "The Monsters are due on Maple Street" un capítulo que trata sobre un barrio típico estadounidense en donde las cosas empiezan a dejar de funcionar, casas pierden electricidad, y todos entran en histeria una vez que es de noche, pero al ver que en ciertos hogares no se ha ido la luz, todos los vecinos se ponen unos contra otros en una furia descontrolada y violenta que los reduce al instinto más salvaje e inhumano de lo que era antes un apacible barrio americano.
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Steven Spielberg dirige este segmento y es criticado por haber puesto la entrada más aburrida de todas, pero no muchos saben que esa no fue esa su primera elección.
Después del accidente Spielberg maduró fríamente y quiso quitarse de en medio este proyecto (Eso explica que "Kick the can" fuese rodada en 6 días), pero no volvería la espalda a lo sucedido y por ello renunció a su primera decisión de traer el episodio "The Monsters are due on Maple Street" un capítulo que trata sobre un barrio típico estadounidense en donde las cosas empiezan a dejar de funcionar, casas pierden electricidad, y todos entran en histeria una vez que es de noche, pero al ver que en ciertos hogares no se ha ido la luz, todos los vecinos se ponen unos contra otros en una furia descontrolada y violenta que los reduce al instinto más salvaje e inhumano de lo que era antes un apacible barrio americano.
Sólo lo olvidó para no poner a nadie en peligro (Se habría tenido que volver a filmar a niños en horarios nocturnos) y sobre todo por el agotamiento moral que fue la muerte de Vic Morrow.
Por eso creo que debería reflejar cierto crédito a Spielberg, por mantenerse profesional y en respeto al renunciar a uno de los mejores y más oscuros episodios de la serie, y por mantener un segmento lleno de tanto optimismo y alegría como diversión en un entorno prácticamente deprimente y trágico.
Así que al César los que es del César, pero seamos sinceros, este no es un episodio que llame la atención cuando uno piensa en The Twilight Zone o en la idea de presentar cuatro episodios de la serie a la gran pantalla.
Por eso creo que debería reflejar cierto crédito a Spielberg, por mantenerse profesional y en respeto al renunciar a uno de los mejores y más oscuros episodios de la serie, y por mantener un segmento lleno de tanto optimismo y alegría como diversión en un entorno prácticamente deprimente y trágico.
Así que al César los que es del César, pero seamos sinceros, este no es un episodio que llame la atención cuando uno piensa en The Twilight Zone o en la idea de presentar cuatro episodios de la serie a la gran pantalla.
Cierto que podemos decir que fue inspirado al recordar los capítulos más enternecedores de la serie, aquellos en los que dan un vuelco al corazón al explorar problemas emocionales como situaciones sociales ya sean en "A Passage for Trumpet" o "The Night of the Meek , pero no está igual de ejecutado y falla en darnos enfoque en el que serian el tema del miedo a envejecer o el dolor por el que pasa el señor Conroy al ser ignorado por su familia.
Me hubiese gustado que Spielberg se hubiera pensado dos veces antes de escoger este episodio, ¿os imagináis haciendo "A Hundred Yards Over the Rim" como una versión de su primer proyecto Duel (1971)? El desierto, la insolación y la locura podrían haberle rendido un mejor tributo a la serie.
Pero siendo objetivos el segmento no está tan mal... no solemos ver hoy en día actores tan "ancianos" hacer trabajos como estos, y muchos de ellos ponen bastante empeño, alegría y jovialidad pese a ello, e incluso cuando revierten su edad, sus versiones más jóvenes mantienen la voz que los adultos tuvieron y sorprendentemente actúan mejor de lo que uno esperaría.
Tanto niños como ancianos actúan bastante bien, algo no muy visto, supongo que Spielberg es el único capaz de lograr esto.
La imagen de este episodio es la sonrisa de Scatman Crothers como Bloom al despertar la nostalgia de sus amigos con interés y cariño en sus recuerdos, y Bill Quinn como el pesimista y carcamal de Leo Conroy que habla siempre del gusto de ser viejo, el odio a que los jóvenes los molesten y cuando corta las alas de alegría a sus amigos.
Tan pronto como vemos al señor Conroy ser dejado atrás por su familia vemos el tema al comienzo del segmento (Que fue exactamente como empezó el episodio original), y es bastante triste sí, lo que podría excusar su comportamiento, pero cuanto más lo pienso, no tiene mucha implicación en la versión de Spielberg que esté esa escena, puesto que no le hace este rechazo abrir esa insistencia en volver a ser joven como en el episodio original. En vez de Conroy, es Mr. Bloom con esa risueña y tranquilizante voz la que ayuda a sus viejos compañeros de asilo a rememorar su juventud (Chico, quién diría que el guardia de El Resplandor podría ser tan bonachón en The Twilight Zone. Nah olvidad lo que he escrito, volvió a ayudar a Danny); no sé explica mucho quién es Bloom o qué clase de poder tiene, pero es un cambio que Spielberg pone como tributo a toda esa clase de personajes que en la serie aparecen para ayudar o destruir las vidas de varios protagonistas, ya sean ángeles de la guarda, el propio Diablo, la Parca, etc.
Pero aquí, es un alegre hombre que intenta hacer más jóvenes a la gente para que aprecien lo que tienen y lo que han vivido, o vuelvan a ser niños desde ahora.
Scatman usa un tono y una dulce voz para sonar placentero y calmado como si fuese un educador, un niño capaz de animar a sus más avanzados amigos, pero que dista muchísimo del espíritu del show, lo que hace que nos preguntemos ¿qué demonios está Spielberg pensando con esta dirección? Quedaría mejor si interpretase de nuevo a Jazz en Transformers, ¡eso sí que me hubiese impresionado a mí! jajaja
Me hubiese gustado que Spielberg se hubiera pensado dos veces antes de escoger este episodio, ¿os imagináis haciendo "A Hundred Yards Over the Rim" como una versión de su primer proyecto Duel (1971)? El desierto, la insolación y la locura podrían haberle rendido un mejor tributo a la serie.
Pero siendo objetivos el segmento no está tan mal... no solemos ver hoy en día actores tan "ancianos" hacer trabajos como estos, y muchos de ellos ponen bastante empeño, alegría y jovialidad pese a ello, e incluso cuando revierten su edad, sus versiones más jóvenes mantienen la voz que los adultos tuvieron y sorprendentemente actúan mejor de lo que uno esperaría.
Tanto niños como ancianos actúan bastante bien, algo no muy visto, supongo que Spielberg es el único capaz de lograr esto.
La imagen de este episodio es la sonrisa de Scatman Crothers como Bloom al despertar la nostalgia de sus amigos con interés y cariño en sus recuerdos, y Bill Quinn como el pesimista y carcamal de Leo Conroy que habla siempre del gusto de ser viejo, el odio a que los jóvenes los molesten y cuando corta las alas de alegría a sus amigos.
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| Mirad esa sonrisa, es pura energía positiva y alegría, cierto que no es lo que queremos en la película pero apreciémoslo en su sentido básico. -The day we stop playing is the day we star getting old. |
Tan pronto como vemos al señor Conroy ser dejado atrás por su familia vemos el tema al comienzo del segmento (Que fue exactamente como empezó el episodio original), y es bastante triste sí, lo que podría excusar su comportamiento, pero cuanto más lo pienso, no tiene mucha implicación en la versión de Spielberg que esté esa escena, puesto que no le hace este rechazo abrir esa insistencia en volver a ser joven como en el episodio original. En vez de Conroy, es Mr. Bloom con esa risueña y tranquilizante voz la que ayuda a sus viejos compañeros de asilo a rememorar su juventud (Chico, quién diría que el guardia de El Resplandor podría ser tan bonachón en The Twilight Zone. Nah olvidad lo que he escrito, volvió a ayudar a Danny); no sé explica mucho quién es Bloom o qué clase de poder tiene, pero es un cambio que Spielberg pone como tributo a toda esa clase de personajes que en la serie aparecen para ayudar o destruir las vidas de varios protagonistas, ya sean ángeles de la guarda, el propio Diablo, la Parca, etc.
Pero aquí, es un alegre hombre que intenta hacer más jóvenes a la gente para que aprecien lo que tienen y lo que han vivido, o vuelvan a ser niños desde ahora.
Scatman usa un tono y una dulce voz para sonar placentero y calmado como si fuese un educador, un niño capaz de animar a sus más avanzados amigos, pero que dista muchísimo del espíritu del show, lo que hace que nos preguntemos ¿qué demonios está Spielberg pensando con esta dirección? Quedaría mejor si interpretase de nuevo a Jazz en Transformers, ¡eso sí que me hubiese impresionado a mí! jajaja
Bueno desde el punto de vista en general, "Kick the Can" sirve más como un descanso para los más jóvenes después de la experiencia del anterior segmento, pero para los fans de la serie a los que se les prometió historias como las dos siguientes, fue una decepción, y sé que no puedo cambiar eso porque yo también me siento del mismo modo.
Pero la actuación no es algo terrible y la historia aunque no tenga lugar aquí, tiene ciertamente un aspecto de enseñanza que Rod Serling siempre mantuvo en muchos de sus episodios.
(Por no hablar de la influencia que tiene sobre Spielberg este segmento en el futuro, cuando dirija Hook) La música es enternecedora y presenta un distinto uso del que acostumbramos con John Williams, esta es una de las primeras colaboraciones entre Spielberg y Jerry Goldsmith, otro gran y genuino compositor de cine que previamente escribió melodías en uno de mis episodios favoritos, y que ahora se encarga de cada pieza en Twilight Zone: The Movie.
Pero la actuación no es algo terrible y la historia aunque no tenga lugar aquí, tiene ciertamente un aspecto de enseñanza que Rod Serling siempre mantuvo en muchos de sus episodios.
(Por no hablar de la influencia que tiene sobre Spielberg este segmento en el futuro, cuando dirija Hook) La música es enternecedora y presenta un distinto uso del que acostumbramos con John Williams, esta es una de las primeras colaboraciones entre Spielberg y Jerry Goldsmith, otro gran y genuino compositor de cine que previamente escribió melodías en uno de mis episodios favoritos, y que ahora se encarga de cada pieza en Twilight Zone: The Movie.
Es curioso también ver como Spielberg diferencia su remake incluso en el enfoque original del episodio. Mientras que en el capítulo original los ancianos vuelven a ser niños y desaparecen en una escena bastante deprimente que quiere decirnos "Aprovecha el tiempo que se te ha dado, no dejes que tu cuerpo y tu edad te limite a ser feliz como un niño"; el segmento decide darnos eso, y ser realistas en las desventajas de revertir su edad, pero se centra más en el señor Bloom yendo a esparcir más su conocimiento y traer el espíritu a otros asilos de ancianos, cosa que no funciona al ser un personaje que oculta ese misterio, su verdadera identidad y su pasado.
Pero para ser justos el guión original del capitulo está escrito por George Clayton Johnson, un guionista de varios episodios que fueron retocados al final, como el genial "A Game of Pool", uno de mis favoritos, y "Nothing in the Dark", en donde se presenta la moralidad a la que adolece, y personajes elementales como La Muerte, con que estas características van de la mano con su estilo e intención.
Tengo que admitir que me gusta ver al señor Conroy con cierto arrepentimiento y a la mañana siguiente patear la lata como esperanza de que algún día podrá ser joven como sus compañeros esa noche, pero en términos de la historia me quedo con el capítulo original; no sé como explicarlo, pero había algo más desconsolador en la última parte y en la actuación que creó el guión, que incluso para un fan como yo escojo como mejor realizado y escrito. Dejaba el mensaje más memorable su final, y el blanco y negro por la noche resultó una ventaja después de todo.
Fallido segmento, lo siento "Kick the Can", Spielberg dirige buenas cosas y se ve bien y agradable su remake pero no lo condensa en una historia que pertenezca a una dimensión fantástica y paranormal pese a su intento y la lección que da con aires tipo Peter Pan (Un momento, Spielberg nos está diciendo que Bloom es o podría ser uno de los niños perdidos, o incluso el propio Pan... WOW).Pero para ser justos el guión original del capitulo está escrito por George Clayton Johnson, un guionista de varios episodios que fueron retocados al final, como el genial "A Game of Pool", uno de mis favoritos, y "Nothing in the Dark", en donde se presenta la moralidad a la que adolece, y personajes elementales como La Muerte, con que estas características van de la mano con su estilo e intención.
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| Aunque el episodio original no destaque en la inmensidad de episodios tanto populares como aterradores, tenia un buen mensaje, profundas actuaciones, y un desenlace descorazonador, pero que encuentra una cruda verdad en la mente humana. |
Tengo que admitir que me gusta ver al señor Conroy con cierto arrepentimiento y a la mañana siguiente patear la lata como esperanza de que algún día podrá ser joven como sus compañeros esa noche, pero en términos de la historia me quedo con el capítulo original; no sé como explicarlo, pero había algo más desconsolador en la última parte y en la actuación que creó el guión, que incluso para un fan como yo escojo como mejor realizado y escrito. Dejaba el mensaje más memorable su final, y el blanco y negro por la noche resultó una ventaja después de todo.
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| Esa toma...WOW, es exactamente lo que quería Spielberg, para que mostraras al pobre de Conroy por ser escéptico, tremenda actuación de Bill Quinn por cierto. |
Es fácil de olvidar y aburrido, pero no horrible en un nivel básico, y pone fin a este maleable inicio, puesto que los siguientes segmentos son cuando las cosas empiezan a mejorar y entrar en el terreno de terror y fantasía...
Segmento 3
El siguiente segmento es un remake de uno de los clásicos episodios de La Dimensión Desconocida, y uno de los mejores, "It's a Good Life", la historia de un maleducado e inmoral niño de 6 años llamado Anthony que tiene poderes sin ningún límite, en donde el pueblo entero, sus vecinos, amigos y padres viven con miedo y temen decepcionarle por lo que les pueda ocurrir si no hacen de su entorno a su gusto.
Un episodio lleno de un ambiente de terror y suspense llevado genialmente por todo su reparto.
Entra Joe Dante, quien os sonará por haber dirigido Gremlins (1984), en el momento no fue conocido aún como un director fanático de los años '50, la ciencia ficción y terror, y el mundo animado de la Warner Bros. y sorprenderá a todo fan suyo como tuvo el tiempo y la implicación de poner sus típicos homenajes a la animación y cameos de amigos como Dick Miller, por lo que el segmento se vuelve de todos el que mejor valor de producción tiene por su uso del color, entorno, iluminación y efectos para recrear algunos de los escenarios que podrían haber formado parte del esquema de The Twilight Zone de Rod Serling.
El remake empieza con nuestra protagonista, una viajera a un nuevo puesto de trabajo, la profesora Helen Foley (Kathleen Quinlan), alguien que como diría el narrador está buscando algo estimulante, una experiencia que pueda sacarle de su monotonía, por eso The Twilight Zone toma un giro inesperado al encontrarse en una cafetería de carretera a nuestro joven protagonista, el "monstruo" al que Rod Serling presentó en 1961 como Anthony Fremont (Jeremy Licht).
Helen se presenta al pequeño Anthony tras defenderlo en la cafetería de unos abusones y decide llevarlo hasta su casa tras haber roto su bici sin querer al ir marcha atrás, algo que no parece importarle a nuestro joven Anthony. Después de todo, es su cumpleaños y nadie parece importarle, pero a Helen sí conque ¿todo saldrá bien...?
Con el remake tratan de ponernos en la posición de una tercera persona, Helen, para que seamos testigos con ella del suceso que no advierte cuando sea "presa" de este niño y del extraño y "animado" entorno que hay a su alrededor, así la perspectiva es distinta del episodio original, y conectamos más con lo que vemos, y con lo que esperaremos de ver cuando nos introducen a su familia.
Es todo siempre la perspectiva de una tercera persona que a veces nos ofrecen pistas que Helen no capta. Como la cantidad de coches aparcados y abandonados que van apareciendo, la extraña y bizarra casa que parece sacada de un televisor.
Sin embargo, no es del todo perfecto, no sé como explicarlo pero las cosas que son buenas son realmente buenas, pero también pueden llegar a oscurecer la propia historia y el sentimiento de suspense que tratan de recrear.
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| El esquema de color puede que luego influenciara a Joe Dante en la escena de Gremlins que también es igual de alocada y monstruosa que la casa de Anthony. |
El remake empieza con nuestra protagonista, una viajera a un nuevo puesto de trabajo, la profesora Helen Foley (Kathleen Quinlan), alguien que como diría el narrador está buscando algo estimulante, una experiencia que pueda sacarle de su monotonía, por eso The Twilight Zone toma un giro inesperado al encontrarse en una cafetería de carretera a nuestro joven protagonista, el "monstruo" al que Rod Serling presentó en 1961 como Anthony Fremont (Jeremy Licht).
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| Nuestros protagonistas, no están mal como re-imaginaciones de los queridos personajes que interpretan. |
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| Dick Miller interpreta a un personaje llamado Walter Paisley, al parecer el nombre en honor al personaje de A Bucket of Blood con Roger Norman, y que Joe Dante le pone en sus películas con ese nombre hasta que volviese en Gremlins. |
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| Aparte de Dick Miller en su cameo habitual, también se encuentra el otro monstruo que conocimos atrás en el pasado en blanco y negro. Sí Bill Mumy está de nuevo en Twilight Zone, ahora como un actor por completo. |
¡ESTE ES EL MEJOR CAMBIO DE TODA LA PELICULA!
Es todo siempre la perspectiva de una tercera persona que a veces nos ofrecen pistas que Helen no capta. Como la cantidad de coches aparcados y abandonados que van apareciendo, la extraña y bizarra casa que parece sacada de un televisor.
Sin embargo, no es del todo perfecto, no sé como explicarlo pero las cosas que son buenas son realmente buenas, pero también pueden llegar a oscurecer la propia historia y el sentimiento de suspense que tratan de recrear.
Una cosa que suelen muchos pasar sin advertir es el propio personaje de Helen, su actuación es bastante estándar y monótona, incluso una vez que entra en la casa, no se cuestiona muchas de las cosas y no llega a ser memorable cuando la hacen como la guía que acompañamos en este segmento.
Pero funciona, Quinlan no hace un mal trabajo y no sobre-actua, lo que sí que debe haber tenido en cuenta Joe Dante en el momento en el que se va desenmarañando el papel de Anthony; ¡que por cierto! Bonito tributo Dante, Helen Foley es el nombre de también otro personaje de la serie original, una profesora con serios problemas a resurgir que apareció en uno de mis episodios favoritos "Nightmare as a child", me pregunto cuántos en su día se dieron cuenta de esto, ¿quién sabe?
Como esperábamos, la familia de Anthony no es precisamente normal de primeras (Pero NADIE imaginaria como de raro se va poner todo, jajaja...), sus padres, su hermana Ethel (Veronica Cartwright) y su tío Walt (Kevin McCarthy) actúan con pesadez por complacerle y sus nervios en la casa van sumando nuestra curiosidad por saber qué les sucede o por qué se comportan tan impresionados por Helen, pero Dante al igual que la historia en sí quieren crear tensión, intriga y un miedo por lo que es capaz de hacer Anthony, pero por alguna razón no funciona en ese momento.
Pero creo que en eso estoy siendo muy injusto con el remake, después de todo nos dio escenas como la de Sarah que realmente caló en la memoria de muchas personas como un concepto aterrador y señal que explica algo del miedo que le tienen. Pero lo mejor está por presentarse...
La magia de Joe Dante ha sido siempre en cómo trae y denota la nostalgia en el momento oportuno, su punto de referencia ha sido siempre provocarnos ese sentimiento por como de fiel se mantiene, y aquí tenemos a Kevin McCarthy estrella del cine de los '50 en Invasion of the Body Snatchers y otro regular de la original serie para actuar con el mismo comportamiento de terror y tensión, pero también de una forma cómica hasta que vemos al extremo que es capaz de llegar Anthony.
De forma instintiva homenajear el cine de terror al que tan fanático fue siempre, pero su verdadero tributo en el remake es con los dibujos animados que vamos viendo en tan "pintoresca" casa.
Ahora es cuando las cosas empiezan a seguir el comportamiento del Anthony original, tenemos a su familia cada vez más nerviosa, comida basura como su supuesta cena de cumpleaños, dibujos animados de la Warner Bross que solo serian capaz de entretener una vez y otra a un niño fascinado por su violencia y música en tan pintoresca casa, y al menos Helen empieza a figurarse la idea de lo que sucede en cuanto Ethel escucha lo del cumpleaños asqueada.
Es un corto pero agradable sentimiento de inquietud que se asemeja con lo que Serling trató de recrear con It's a Good Life.
Una vez Anthony se enfada y empieza a torturar a su familia, el segmento comienza a enseñar sus mejores técnicas, desde actuación, fondo y sonido, pero debo admitir que la construcción de la espera no está tan bien creada, cierto que los dibujos animados que él va viendo nos dice de forma subliminal de lo que es capaz y el terror por el que tiene su "familia" crea un mejor entorno por verlo gracias a Veronica Cartwright y especialmente Kevin McCarthy, es fenomenal como el nervioso Tío Walt, pero algo sigue faltando. Eso se debe a que Dante olvida ciertos detalles del episodio original que contribuyeron a crear la tensión y el sentimiento de claustrofobia, pero viéndolo objetivamente el remake no lo necesitaba y hay cosas por las que destaca, desde la música animada del televisor, el trabajo de cámara, y ese color que parece reproducir un latido humano.
La espera es por si misma bastante llamativa, tal vez no tensa, pero más bien curiosa por ver cuándo explotará en la cara del espectador.
Anthony tiene una buena mirada tal y como Bill Mumy mostró en el episodio original.
Hay algo en como mantiene esa expresión que muestra esa misma incomodidad y miedo por su poder de la misma manera que atrae terror también gracias al color, la dirección y los efectos.
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| En Nightmare as a child, Helen fue un personaje trágico, profesora con un pasado que comienza a hacerla revivir sus peores recuerdos con la aparición de una niña que al igual que Anthony, The Twilight Zone tiene un especial interés en "ayudarla". |
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| "Twinkle twinkle little star..." |
Como esperábamos, la familia de Anthony no es precisamente normal de primeras (Pero NADIE imaginaria como de raro se va poner todo, jajaja...), sus padres, su hermana Ethel (Veronica Cartwright) y su tío Walt (Kevin McCarthy) actúan con pesadez por complacerle y sus nervios en la casa van sumando nuestra curiosidad por saber qué les sucede o por qué se comportan tan impresionados por Helen, pero Dante al igual que la historia en sí quieren crear tensión, intriga y un miedo por lo que es capaz de hacer Anthony, pero por alguna razón no funciona en ese momento.
Pero creo que en eso estoy siendo muy injusto con el remake, después de todo nos dio escenas como la de Sarah que realmente caló en la memoria de muchas personas como un concepto aterrador y señal que explica algo del miedo que le tienen. Pero lo mejor está por presentarse...
La magia de Joe Dante ha sido siempre en cómo trae y denota la nostalgia en el momento oportuno, su punto de referencia ha sido siempre provocarnos ese sentimiento por como de fiel se mantiene, y aquí tenemos a Kevin McCarthy estrella del cine de los '50 en Invasion of the Body Snatchers y otro regular de la original serie para actuar con el mismo comportamiento de terror y tensión, pero también de una forma cómica hasta que vemos al extremo que es capaz de llegar Anthony.
De forma instintiva homenajear el cine de terror al que tan fanático fue siempre, pero su verdadero tributo en el remake es con los dibujos animados que vamos viendo en tan "pintoresca" casa.
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| Aquí Dante y luego los dibujos que ve Sarah hacen homenaje a los comienzos de los dibujos de la Fleischer |
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| Es un buen cambio ver en el remake a Anthony fascinado por dibujos animados, mientras que en la version original los obligaba a ver segmentos en stop motion de dinosaurios. |
Ahora es cuando las cosas empiezan a seguir el comportamiento del Anthony original, tenemos a su familia cada vez más nerviosa, comida basura como su supuesta cena de cumpleaños, dibujos animados de la Warner Bross que solo serian capaz de entretener una vez y otra a un niño fascinado por su violencia y música en tan pintoresca casa, y al menos Helen empieza a figurarse la idea de lo que sucede en cuanto Ethel escucha lo del cumpleaños asqueada.
Es un corto pero agradable sentimiento de inquietud que se asemeja con lo que Serling trató de recrear con It's a Good Life.
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| Tio Walt como referencia al personaje de Walter Jameson, y Veronica Cartwright la voz de Bart Simpson tendría una escena que a muchos les gusta explicar como premonición a su futuro en el universo de animación. Los padres, Patricia Barry y William Schallert también actuaron en episodios de la serie, e incluso William volvería en el revival. |
Una vez Anthony se enfada y empieza a torturar a su familia, el segmento comienza a enseñar sus mejores técnicas, desde actuación, fondo y sonido, pero debo admitir que la construcción de la espera no está tan bien creada, cierto que los dibujos animados que él va viendo nos dice de forma subliminal de lo que es capaz y el terror por el que tiene su "familia" crea un mejor entorno por verlo gracias a Veronica Cartwright y especialmente Kevin McCarthy, es fenomenal como el nervioso Tío Walt, pero algo sigue faltando. Eso se debe a que Dante olvida ciertos detalles del episodio original que contribuyeron a crear la tensión y el sentimiento de claustrofobia, pero viéndolo objetivamente el remake no lo necesitaba y hay cosas por las que destaca, desde la música animada del televisor, el trabajo de cámara, y ese color que parece reproducir un latido humano.
La espera es por si misma bastante llamativa, tal vez no tensa, pero más bien curiosa por ver cuándo explotará en la cara del espectador.
Anthony tiene una buena mirada tal y como Bill Mumy mostró en el episodio original.
Hay algo en como mantiene esa expresión que muestra esa misma incomodidad y miedo por su poder de la misma manera que atrae terror también gracias al color, la dirección y los efectos.
Los efectos prácticos son IMPRESIONANTES de ver, al principio cualquiera pensaría que del televisor saldría el Diablo de Tazmania o el Correcaminos para acompañar a Anthony en la demostración de sus poderes, pero del circulo animado sale una criatura horrenda de ver, con unos efectos que a día de hoy son imposibles de superar con la tecnología moderna. Es absurdamente increíble.
Cada fracción, movimiento, y acto de esta imparable criatura es una obra de arte que hace que creas realmente que está vivo y salido de un mundo animado totalmente alocado con el que Anthony se identifica y se siente cómodo. Todo, desde, la música, las actuaciones y la colorida y vibrante iluminación de los colores dan de este mundo animado un segmento lleno de energía y agradable mundo que encaja con el paso a color y evolución de la serie.
Cada fracción, movimiento, y acto de esta imparable criatura es una obra de arte que hace que creas realmente que está vivo y salido de un mundo animado totalmente alocado con el que Anthony se identifica y se siente cómodo. Todo, desde, la música, las actuaciones y la colorida y vibrante iluminación de los colores dan de este mundo animado un segmento lleno de energía y agradable mundo que encaja con el paso a color y evolución de la serie.
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| Los efectos prácticos los creó Rob Bottin, más conocido en su participación en la increíble película de John Carpenter, The Thing (1982) |
No existe una forma fácil de decirlo pero pese a todo lo que crea Joe Dante, el guión, los personajes, las actuaciones, los efectos prácticos y su memorable estilo en comparación a los anteriores segmentos; no es suficiente en la historia. A ver, es genial y por fin el dinero empieza a ser por lo que has pagado, pero la historia de "It's a Good Life" trataba el suspense y el temor en una condición y control mental infantil, y tenia un tema de miedo a levantar un opinión y pensamiento controvertido contra una sociedad que se calla por miedo a las consecuencias en donde nadie se atreve a levantarse. Anthony era genuinamente aterrador, y las cosas que hizo que no vemos y que comentan sus padres fueron realmente crueles y atemorizantes (No es que el del remake no haga tampoco cosas malas, pero parecen más bien bromas a excepción de lo sus padres y su hermana Sarah) acaso debo deciros lo que le hizo a Dan en el original, no solo lo transformo, ¡lo mató literalmente! Y con él es muy posible que también a toda su familia de hambre al hacer nevar inmediatamente, lo que hará arruinar las cosechas de la granja.
También la historia de Jerome Bixby traía la consecuencia moral de matar al niño para librar al mundo de la pesadilla, y de si alguien seria capaz de hacer tal atrevimiento.
El monólogo original de Rod Serling preparó de forma perfecta a lo que nos encontraríamos en esta historia, y del poder que roza en The Twilight Zone este amenazante personaje. Es una de sus mejores apariciones de toda la serie, y el mapa de Estados Unidos para indicar lo que se ha perdido, o ha desaparecido, y el punto de origen del cataclismo es su mejor declaración de intenciones, y Joe Dante no puede superarlo, aunque tampoco parece querer ir por ese camino a decir la verdad.
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| Tonight's story in The Twilight Zone is somewhat unique and calls for a different kind of introduction. This, as you may recognize, is a map of the United States, and there's a little town there called Peakesville. On a given morning, not too long ago, the rest of the world disappeared and Peakesville was left all alone. It's inhabitants were never sure whether the world was destroyed and only Peaksville left untouched or whether the village had somehow been taken away. They were, on the other hand, sure of one thing: the cause. A monster had arrived in the village. Just by using his mind, he took away the automobiles, the electricity, the machines- because they displeased him- and he moved an entire community back into the dark ages- just by using his mind. Now I'd like you to introduce you to some of the people of Peaksville, Ohio. This is Mr. Fremont, It's in his farmhouse that the monster resides. This is Mrs. Fremont, and this is Aunt Amy, who probably had more control over the monster in the beginning than almost anyone. But one day she forgot. She began to sing aloud. Now, the monster doesn't like singing, so his mind snapped at her, turned her into the smiling, vacant thing you're looking at now. She sings no more. And you'll note that the people of Peaksville have to smile. They have to think happy thoughts and say happy things because, once displeased, the monster can wish them into a cornfield or change them into a grotesque, walking horror. This particular monster can read minds, you see. He knows every thought, he can feel every emotion. Oh yes, I did forgot something didn't I? I forgot to introduce to you to the monster. This is the monster. His name is Anthony Fremont. He's six years old, with a cute little-boy face and blue, guileless eyes. But when those eyes look at you, you'd better start thinking happy thoughts, because the mind behind them is absolutely in charge. This is The Twilight Zone. |
Este remake decide ir por el final feliz, y cierta redención para el joven que tal vez ante otro enfoque de una persona que se implica en su educación, maestra y estudiante, pueda ofrecerles a los dos una mejor versión para el mundo y ambas vidas. Viendo como por primera vez Anthony usa sus poderes para iluminar y colorear el mundo real ante una perspectiva mejor. Un nuevo dia y amanecer que saltará a nuestra siguiente sección en un tormenta descontrolada.
Segmento 4 y Epílogo
El último segmento es de uno de los clásicos capítulos "Nightmare at 20.000 feet" con William Shatner en el rol de Bob Wilson. La acostumbrada y querida actuación de Shatner con sus peculiaridades, velocidad y apresurado dialogo consiguieron llevar la historia escrita por Richard Matheson en un viaje de inquietud por lo bizarro, histeria y nerviosismo al vuelo, y locura sembrada a raíz del miedo a las alturas que sufre el personaje. Una buena actuación a la altura del actor, también entretenida y que se ha reconocido como una de las favoritas de la serie y sus fans.
Este nervioso pasajero que ya ha experimentado una crisis por su miedo a volar y ha sido tratado en una institución por ello es testigo de una extraña criatura en el ala del avión que empieza a trastocar el motor con fatales resultados. Una bizarra criatura que se volvería memorable con el tiempo.
Su crisis se extiende a los personales del avión y su esposa, y ponen en duda su recuperación en el centro en el que estuvo en tratamiento. Pero al final, salvaría el avión a costa de su valoración en la recuperación de su salud mental para todos, sin saber la paz que le ha traído por fin.
El remake por otro lado es una evolución y excelente segmento del relato de Matheson, quien también lo escribe y lo acerca un poco al relato original. Está dirigido por George Miller y pone en el rol a John Lithgow quien hace un IMPECABLE trabajo como el pasajero John Valentine, el cual en pleno vuelo ya está al borde del ataque, empezando con una toma en el lavabo que proyecta al 100% su mente, su miedo, angustia y la presión que siente, vamos que comienzas a sentir lastima por él muy rápido y todo aquel que tiene fobia a los aviones. Excelente toma inicial.
Este nervioso pasajero que ya ha experimentado una crisis por su miedo a volar y ha sido tratado en una institución por ello es testigo de una extraña criatura en el ala del avión que empieza a trastocar el motor con fatales resultados. Una bizarra criatura que se volvería memorable con el tiempo.
Su crisis se extiende a los personales del avión y su esposa, y ponen en duda su recuperación en el centro en el que estuvo en tratamiento. Pero al final, salvaría el avión a costa de su valoración en la recuperación de su salud mental para todos, sin saber la paz que le ha traído por fin.
Eso se podría ver en que Lithgow (para sorpresa de todos) desarrolló cierto intento de carisma y simpatía también en su papel, primero como alguien que aunque inseguro no pretende llevar a la histeria colectiva, se siente avergonzado y dañado ante las vistas de las atractivas azafatas (Una de ellas es la modelo Donna Dixon, por que no, su marido esta en la peli), pero le muestra cierta simpatía y conformidad con tal de que hagan su trabajo.
También trabaja sus temblores, tragar pastillas con urgencia y beber agua como si estuviera en un desierto, el irremediable sudor y su constante gatillo de encender un cigarrillo y apagarlo constantemente por su prohibición mientras revistas y periódicos le siguen poniendo en la misma situación de estar atrapado en su mayor terror.
También trabaja sus temblores, tragar pastillas con urgencia y beber agua como si estuviera en un desierto, el irremediable sudor y su constante gatillo de encender un cigarrillo y apagarlo constantemente por su prohibición mientras revistas y periódicos le siguen poniendo en la misma situación de estar atrapado en su mayor terror.
He visto a Lithgow en muchas series de televisión y películas, es alguien reconocible pero que no parece nadie a destacar su rol en ningún proyecto. Para mí este es el papel que pienso a la primera que le veo, realmente memorable.
Al igual que en los anteriores segmentos tenemos varios homenajes, la esposa de Serling, Caroline, hace un cameo rápido, y la repelente pero graciosa niña se la ve jugando con una marioneta muy similar a la que apareció en "The Dummy". Eso me recuerda que con esta niña y el agente o policía armado el segmento también amplia las reacciones y el estado de los pasajeros y miembros del avión mejor de lo que lo hizo el episodio original, creando un mejor ambiente de aislamiento por Valentine cuando nadie le cree por lo de la criatura que ve en el ala del avión, las reacciones de todos en las turbulencias intensificadas, y la revelación que luego cobra forma también en la reacción final del segmento.
En cuanto Valentine ve por su ventana la intensa tormenta el segmento empieza a llegar a su terreno de terror una vez vea en el ala a la misteriosa casi humana criatura destrozar el motor 1 del avión.
Un gremlin lo llamaron en el episodio original, y era una de las criaturas más graciosas y de peluche que hubo en la serie, pero encajaba de alguna manera con el protagonismo de Shatner en el capítulo y ese maquillaje de William Tuttle que era familiar e icónico para la imagen de la serie. En esto es en lo que se diferencia la película de la serie, aquí el gremlin es una figura de terror casi indescriptible bien realizada, ni siquiera sabría describir qué es, pero resulta aterrador gracias a la música, el trastoque del motor y la intensidad de la tormenta, y la actuación de Lightgow. Resulta casi imposible ver completamente al gremlin aquí, lo que nos pone en situación de querer ver más también.
Juegan con la espera, la incomodidad y la música aquí cobra más impaciencia y energía, y Valentine se verá también en el interés de ver a esa extraña criatura que para colmo está destrozando el avión por el que siente pánico y terror, desapareciendo siempre que intenta llamar la atención de todas las azafatas, casi como si se se estuviera burlando, igual que su predecesor hizo con Shatner, salvo que aquí le dan incluso cierta personalidad al diablillo.
La dirección del segmento es en lo que le doy el mayor crédito a este pedazo de memorable remake, George Miller trae de nuevo su forma de filmar las expresiones y aceleración que hizo en Mad Max 2 The Road Warrior junto a la cinematografía de Allen Daviau que trae en el segmento elementos ampliados de la histeria, la propia tormenta, la aceleración y energía del segmento una vez Lithgow reacciona al gremlin.
Una perfecta escena es cuando una vez se toma el descanso vemos una toma continuada con la música del violín de Jerry Goldsmith y los latidos ampliar la espera e impaciencia de Valentine por volver al monstruo, y entonces explota en temor una vez su cara se pegue para asustarlo. Está tan llevado por la adrenalina el momento que tienen que contener al personaje entre todos al asaltarlo, es más, en comparación con el mundo de la serie original, incluso las azafatas se ven dispuestas a esposarlo para no propagar tal miedo y conducta.
Este segmento se rinde al mundo del terror gracias a las actuaciones, la dirección de la tormenta que puede eliminar cualquier posibilidad de supervivencia si el gremlin consigue destruir los demás motores, y el propio nerviosismo y miedo e inestabilidad que el señor Valentine contagia a través de nosotros la audiencia. El gremlin es una creación digna de Craig Reardon quien también hizo al ghoul del prólogo y Michael McCracken juntos crean a una evolución más aterradora del monstruo original de Matheson y Tutle que pide a gritos ver más cuando se puede.
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| Credito a Larry Cedar por llevar a tal monstruo a la pantalla y de darle personalidad diabólica. |
El segmento sigue fielmente el episodio original, añaden los frustrados intentos de Valentine por sacar pruebas en fotografías, las discusiones de los pilotos y copilotos ante las pruebas que tiene de que el primer motor ha sido destruido, como la intensificaciones de la tormenta que lleva a todos los pasajeros al miedo porque el avión no llegue a tierra, llevando a los intentos del personaje por abrir la ventana y disparar con la pistola del agente para acabar con el gremlin, de la misma manera que hizo Shatner en la serie original, pero algo me dice que en el caso de Valentine eso no será suficiente para detenerlo.
Valentine, amigo, ya viste a ese aterrador bicho ese trastocar el motor y ver como le cae un maldito rayo encima, ¿DE VERDAD CREES QUE LE VA A PARAR UNAS BALAS DE NADA? ¡NI SIQUIERA LA TORMENTA PARECE SIGNIFICAR NADA PARA ÉL!
Tampoco es que tenga mucha suerte disparando, pero me gusta esa confrontación incluso más que el del capitulo original por la música del violín reaccionando junto al gremlin para darle una actitud de burla y risa sardónica ante los intentos de Valentin que finalmente pese a salvar al avión y a sus pasajeros y proclamarse a si mismo un héroe se verá llevado en una ambulancia y tildado de un loco suicida por todos.
Este es un gran remake y excelente segmento para terminar la película, a pesar de que el capitulo original es querido por todos y tiene ese encanto en lo bizarro y estilo de la serie y de William Shatner, estamos ante una versión superior en terror, producción, dirección, música y en como se ajusta en dar homenaje al relato original de Richard Matheson.
Si os interesa saber más de este genial autor de terror y ciencia ficción os recomiendo altamente leer el relato original junto otros que se ven acompañados y siempre se han sentidos listos para ser llevados a La Dimension Desconocida. Una gran inspiración tambien a Stephen King y muchos otros autores, al igual que Rod Serling.
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| En el relato original el pasajero Arthur Jeffrey Wilson es algo más complejo en su angustia y crisis, está completamente solo y está plegado de trágicas ideas de la muerte y el suicidio, en la forma de la pistola que aquí es suya en el relato. La pistola se convierte en un símbolo de su autodestrucción en uno de su salvación cuando dispare al gremlin. |
Nightmare at 20.000 feet termina su segmento con la misma reflexión del episodio original, y con la de los otros segmentos que hemos visto, en que las pruebas tangibles de los encuentros con La dimensión desconocida se suelen dejar de vez en cuando como prueba, tal vez en salvación de los actos del original pasajero, o pruebas de terror para quien ha pasado por esta insana experiencia y sus compañeros de vuelo, pues existen seres igual de peligrosos en este mundo de encanto y paranormal.
Así termina el segmento, pero el epilogo continua con una pequeña sorpresa, los monstruos existen y The Twilight Zone comparte esas experiencias de nuevo con sus pasajeros, sus criaturas, y aquellos que siguen vivos para contarlos, en esa zona a mitad del terreno en la imaginación y la fantasía. Vivamos asustados porque el terror existe.
Y eso es todo. Pero antes de terminar hablemos de una de las marcas más reconocidos de la serie y que aparecen en la película, las aperturas y excelentes monólogos de entradas de los segmentos por Rod Serling. Aquí son contadas por el actor más recurrente de la serie Burgess Meredith (Jack Klaugman también) estrella de mi capitulo favorito "Printer's Devil", quien hace un trabajo bueno no destacada, pero demuestra el fanatismo de la serie y aprecio por su pasado.
Sin embargo en el prologo la voz que lo despide es la de Rod Serling y trae un importante aspecto sobre como uno echa de menos su implicación y su mano y personal toque para las historias que lo volvieron relevante y reconocido, eso pese a que Carol su mujer es la consultora del proyecto.
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| Time enough at last es un clásico indiscutible, pero tambien os recomiendo The Obsolete Man el más impactante y emocional de todos los que Burgess participó. |
Aunque me guste mucho Twilight Zone: The Movie presenta los mismos errores que tienen muchas películas antológicos, no hay una consistencia en el nivel de sus segmentos y se vuelve algo irregular.
Los dos últimos segmentos y el prólogo la hacen de una película que vale la pena ver, pero sus intenciones de recrear el sentimiento de la serie es fallido, ni siquiera traen alguno de los relatos originales del señor Serling. Su intención es ser una película de género de terror algo que muchos verán aceptable al ser antológica pero yo personalmente doy hueco a otros relatos que no vayan en esa dirección. Aunque el prólogo y su final es una declaración de esas intenciones respecto a este proyecto.
A pesar de la respuesta desentusiasmada por el público en generala critica y la controversia abordada por cada zona mediática Twilight Zone: The Movie tuvo una recaudación que la salvó.
Es curioso como esta película y tal proyecto que llamó la atención de todos en el mundillo del cine y los "movie brats" que eran considerados las superestrellas de la dirección por sus obras, Steven Spielberg y John Landis son los que se quedan atrás y los aventajados con un mejor concepto de la serie y ese mundo que hubiesen creado estos dos fueran los novatos con potencia de Joe Dante y el australiano George Miller.
A partir de esta película Spielberg maduraría y dejaría esa imagen de joven inexperto que sobresale a enterado del cine y profesional que pondría todo lo que es necesario para proteger a sus estrellas y sus producciones, creciendo de manera significativa él y sus películas, al contrario de Landis pese a sus éxitos futuros. Dante y Miller también aprenderían de esta película, pese a no tener que estar involucrados con los malos sucesos y su trabajo como salvadores del proyecto.
La importancia de Twilight Zone: The Movie se vería en el futuro ya que gracias a ella CBS pudo empezar a crear el futuro revival a color de la serie en 1984. Rod Serling falleció mucho antes y quien llevaría la cabecera no seria otro que el genial Harlan Ellison y una gran cantidad de guionistas de estas historias y directores famosos que hicieron un trabajo impresionante. Joe Dante volvería incluso para la nueva serie, y mucha de la participación y creación de la serie fue gracias a que muchos de los que trabajaban para la cadena eran fans de la serie original.
Si tenéis ciertas reservas por ver algunos de los episodios originales al estar en blanco y negro y ser antiguos, no pasa nada porque os introduzcáis a La Dimensión Desconocida con su revival y sus episodios como "Dealer's choice" mi favorito, "Dead Run", "To See the Invisible Man" "A Small Talent for War",
"I of Newton", "Shatterday" de la que ya hablamos en mi crítica de Batman Returns y el que siempre pongo como ejemplo en la evolución del paso de la serie original en los temas de terror, ficción y la recuperación de los traumas de guerra, la genial "Nightcrawlers".
Todos los episodios del revival se pueden encontrar en Youtube, y quien sabe, tal vez en el futuro podamos hablar de ella en algún momento.
Otro pedazo de reciente contribución han sido los cómics con también Joe Michael Straczynski como guionista de las primeras colecciones de Dynamite entertainment. JMS también estuvo involucrado en la tercera temporada del revival dejando tambien aquí una increíble y enmarañada historia de tres personajes que rinde perfectamente el trabajo original de la serie y de Rod Serling.
Naturalmente durante años el formato antológico ha funcionado en la forma de historias contadas por ese medio, pero traigo a relucir esta colección por lo genial que sale y lo relevante que sigue siendo la serie incluso a día de hoy. ¡Echadle un vistazo!
El futuro de The Twilight Zone parece estar en boca de muchos como la superior serie de ficción y fantasía antológica dada la presencia e influencia que ha tenido en las populares Black Mirror, y películas y directores que se han manifestado como fans de la serie y su mundo.
Y quien parece que la traerá de nuevo de su letargo tiene toda mi aprobación por volver a verlo ahora en esta gran época televisiva.
Terminando la critica quiero agradeceros por haber leído esta entrada. Twilight Zone significa mucho para mí como habréis visto. La veda queda abierta para futuras películas antológicas a si que veremos en el futuro cuales os puedo traer para que las veamos y discutamos.
Aunque Twilight Zone: The Movie fracase en traer el espiritu de Rod Serling, esperad a junio para el aniversario de cierta icónica película que SÍ trae tal reconocimiento y talento y se queda como el perfecto episodio que no fue transmitido, y una de las mejores películas de ciencia ficción de todos los tiempos.
Esto es todo por hoy, nos vemos en la próxima entrada, espero que os guste y echéis un vistazo a tal magnifica serie, y casi casi entretenida pelicula. ¡Hasta luego!
(Borrador original subido el 1 de marzo de 2018)
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