Shaft (1971)

Sí, es hora de hablar de esta. Lo estabais deseando gente. Todos sabemos donde nos estamos metiendo cuando abordamos a Shaft (1971), rápidamente hablamos de un ejemplo de "Blacksplotation" o blaxplotation, un tema notorio ya en los '70, junto con este uno de los personajes más carismáticos, chulos, ingeniosos, confiado y conocidos de todo el cine afroamericano.
Pero antes ahondemos la historia del propio subgénero.

Ya hablamos en mi análisis de Death Proof (2007) cual es el juego del propio cine de explotación, pero ahora este otro tipo de subgénero tiene intención de entretener y ser dirigido al público afroamericano y de color con la intención de motivarlos y ponerles un rol que sea "badass" en la gran pantalla.

Todo eso engloba las películas de Foxy Brown con Pam Grier, y la que nos atañe hoy, la más conocida de todas. Las películas de blaxplotation incorporaban elementos típicos en los afroamericanos de los años '70, el trato que tienen entre ellos y la gente que comprenden su situación en la sociedad, su desvergüenza en la proyección de intensa violencia y sexo gratuito en las estrellas de la pantalla, como el estilo de moda y música que se promovía y era popular en el grupo, no solo afroamericano.

"Blacksplotation": cultura afroamericana

Muchos confunden Shaft como la película que promovió este nuevo estilo, pero a decir verdad fue Sweet Sweetback Baadasssss Song quien se merece ese puesto, después de todo no era cine de acción o entretenido para lo que se conocía el blaxplotation, sino una película que no tenia miedo de entrar en el terreno político, Raul Calvo habló de ella en su blog que recomiendo muchísimo y, después de todo el director Melvin Van Peebles comienza su película diciendo:
"This film is dedicated to all the Brothers and Sisters who had enough of the Man".

Shaft no explora el comentario político y no lo necesita a decir verdad, es básicamente consciente de que el sistema de estudio de cine de Hollywood ya no es rentable y que si quieren promocionar una película fuertemente caracterizado por actores afroamericanos y sin censura, deben hacerlo solos, con un presupuesto limitado y actores de talla B.
Y en este caso la decisión se hizo destacar tanto como una película de estudio millonario.
Deciden entretener al público con una película exagerada y de acción y no se preocupa generalmente en el concepto racial, hay momentos, sí, pero no es el objetivo.
Uno puede ver ese entorno suburbano con música de soul, blues, jazz y funk con la curiosa ropa típica de los '70 y reconocer ese ambiente en las blaxplotation, pero la MGM se sale de la escala con la estrella de la película Richard Roundtree como el conocido Shaft, un detective privado de Harlem que debe calmar la situación del barrio si no quiere que Nueva York sea víctima de una guerra entre bandas criminales, mafias y la policía.
Roundtree es increíble de principio a fin, no solo es un actor que derrocha clase y carisma sino que también sabe expresarse físicamente y tiene una voz calmada pero calculadora que por un momento no parece pertenecer al estilo de esta película.
¡Es que no me extraña que se convirtiese en un modelo a seguir para las blaxplotation y del público afroamericano! El personaje es atractivo en todos los aspectos que exigen en una película de acción y  explotación, su actor como persona esta lleno de experiencia y control, a pesar de ser un modelo del cliché del detective privado de toda historia que ya se ha oido:

¿Es asaltado en su propia oficina? Sí

¿Se le pide un trabajo por las malas? Pues sí, y que comienza mal para que engañarnos.

¿Es detenido por la policía, a los que siempre deja en mal lugar por cómo hace mejor su trabajo? Sí

¿Se le oculta más información de la que se le da en su cometido de cuestionables objetivos? Sí

¿Parte de su información depende de hablar por la calle y de emplear sobornos? Sí, sí sí sí y SÍ.

Ahhhhh, bendito el género "noir" que asentó este mundo que nunca cambia pero es de lo mejor si sabes en donde te metes, y Shaft es una buena introducción para el público en este tipo de historias, sobretodo en la década de los '70. Sin embargo (y no puedo creer que diga esto) la película a pesar de englobar elementos conocidos y darles otro enfoque con este personaje de tez oscura y el reparto, falla en el aspecto que muchos dan por sentado, y esa es su historia, su trama.
Shaft por desgracia es una película que no goza de una trama muy especial o elaborada, es bastante simple para ser una película tan alabada, y se queda muy atrás respecto a las películas que influenciará en un futuro como por ejemplo Django Desencadenado (2012) una película de la que Tarantino se inspira bastante en el personaje y lo trae a una época de esclavitud norteamericana del siglo XIX en el personaje de Django, un esclavo liberado por su futuro amigo, el doctor King Schultz.

Basicamente Shaft es "llamado" por el actual jefe de la mafia, Bumpy (Moses Gunn) para que le ayude a rescatar a su hija Marcy; al principio nuestro detective cree que el responsable fue una banda criminal callejera quien la secuestró para extorsionarle, pero como descubrimos por parte del duro y joven líder Ben Buford (Christopher Saint John) ellos no han tenido ninguna implicación puesto que sus movimientos y operaciones no pretenden dañar a los hermanos de color.
Shaft dándose cuenta que esto ha evolucionado en una lucha por el terreno de Harlem entre un nuevo grupo de mafias deberá ser intermediario entre Bumpy y Ben para rescatar a Marcy y que trabajen juntos para que esta guerra no suceda en pleno Harlem.
Mientras que Shaft debe también atender sus propios problemas puesto que la policía que ha estado siempre pendiente de detenerlo, ahora tienen un pretexto por la supuesta muerte accidental de uno de los hombres de Bumpy al ser defenestrado de su oficina, pero su amigo en el departamento, el teniente Vic Androzi (Charles Cioffi) tratará de ayudarlo, a pesar de que Shaft le mande al carajo y luego pida su ayuda en las maneras más esquizofrénicas que tienen.

Nueva York se ve genial aquí, puede que incluso mejor que en Taxi Driver y muchos saben que adoro todo en esa película. Créditos al director Gordon Parks a quien he llegado apreciar con el tiempo, crea el entorno de la gran ciudad y nuestro protagonista muy bien, tal vez de una forma única que aún no se había trabajado en el cine noir y que inspiraría a Frank Miller en Sin City o en sus cómics de Robocop.

La introducción optimista y el uso del día de la mañana y la noche de la última escena pretende enlazar la actitud de Shaft con el de Nueva York como si ambos fueran representaciones de esos entornos. Y no necesariamente Shaft es el típico deprimido que va por callejones bajo la lluvia. Es alegre, precavido e imperfecto, con una moral admirable, como Nueva York.

La fotografia también es el fuerte de Parks, o eso me hace pensar él, dirige y tiene un estupendo grupo para probar la cámara en la ciudad y poder acostumbrar todo ese color en el resto de edificios y personajes, tan solo mirad la casa de Shaft, la de su "novia" o la del propio Bumpy.

Taxi Driver hizo eso en como la ciudad cambia a Travis al sumergirse en lo peor de lo peor de Nueva York, pero eso era más un drama y un estudio del personaje que cine noir.
El intro es una de las mejores escenas de la historia del cine en general... lo digo en super-serio Shaft probablemente con las grabaciones de toda Nueva York y paseando por Times Square mientras su canción suena es lo más típico de los '70 que uno pueda tener. Créditos en rojo brillante, el personaje entendiéndose con el entorno cual genial detective privado, personajes con también cierta genialidad como el ciego y tartamudo que vende periódicos soltando chispas que aportan la risa del momento.
Y hablando de la canción...

La letra basicamente caracteriza el personaje, y la película ofrece al Shaft que anuncian con el coro y el cantante, no otro que Isaac Hayes su autor, quien se lleva casa el Oscar a Mejor Canción Original, y ¡bien merecido de hecho! Con gran humildad hace un trabajo para este intro que es simplemente magnifico, el ritmo, el tono, la música, la propia escenografía y Shaft cruzando la calle como cualquier neoyorquino, una memorable escena que persigue a todos al imaginario colectivo y se enlaza con la figura también del blaxplotation.

Su escritor Ernest Tidyman asiste en el guión pero no ayuda mucho a construir un mayor peso en la historia que en su libro, también es sorprendente de ver que este es un caso en el que alguien con talento como Parks y Roundtree aprovechan para crear algo diferente y superior al material original.
Pero no pretendo dar ningún golpe bajo al creador, es solo que también toca dar crédito a quien hace al personaje crecer hasta el punto popular y que todo el mundo conocemos, algo como cuando Rob Liefeld creó a Deadpool, tremendo personaje pero que ha evolucionado más allá de las intenciones del creador.

El aire detectivesco es lo suficientemente cambiado para que se haga destacar de tantas otras películas del género, tan solo mirad la escena en la que Shaft pasa por "El Bar sin nombre" y con la calma y tranquilidad que representa se queda atendiendo en la barra a dos sospechosos hombres que miran su apartamento, y sin sudar gota los detiene y se lleva a una mujer que no ha parado de echarle el ojo.
Es increíble, el modo en que Shaft toma la ventaja es distinta e invita a nosotros a esperar el jaque mate pero con humor e intención de reír, y eso es lo mejor en lo que hace la película, disfrutar del trayecto hasta el clímax para salvar a la hija de Bumpy. Eso sí, es agrio ver que luego uno de esos hombres le escupa y este le reviente la cara de golpe con un botellazo, pero se salva con lo que dice de que en Harlem son generosos al ofrecer 2 toallas al agente que ahora debe atenderles en el furgón.

¿Volvemos de nuevo con la lista de Shaft para ver si cumple todo lo que su canción dejó claro de su persona? Venga va, que la primera fue divertida:

• ¿Es Shaft ese negro detective privado de ébano que es una máquina sexual con todas las mujeres? "Damn Right"!

FUCK! HE'S NOT EVEN TRYING IT!!😨

• ¿Es un hombre capaz de arriesgar su vida por sus hermanos? ¡Un tremendo sí! No solo consigue que Bumpy y Ben trabajen juntos y formen una tregua, también se pone del lado de ambos para ver cuál es el mayor beneficio de los hermanos de color y la policía, y cómo encontrar una solución pero sin dañar a inocentes, lo cual puede que se vaya de las manos con el tío que voló por su ventana, pero eyy es Shaft, probablemente para él fuese un lunes. Y si no fuese suficiente, siguen habiendo escenas en donde demuestra tener buen corazón y no ha sido sustituido por crueldad y dureza que presenta en su trabajo, por eso es tan sonriente y amable como genial, tan solo mirad la escena con el camarero homosexual que es dueño del bar y al que no arrincona como prejuicio, o del chico que parece perdido pero Shaft le ayuda en lo que puede.

• ¿Es Shaft un "gato" que no saldrá huyendo cuando hay peligro por doquier? Claro que sí, Shaft es valiente y calculador, parte de ello se puede comprobar en todas las escenas de acción de la película en donde se le ve siempre adelantado, desde el asalto a su despacho, su encuentro con Ben y su grupo, y el asalto final planeado con un estilo Ocean's Eleven en donde rescatan a la hija de Bumpy.

Aparte de nuestro genial protagonista (aunque asquerosamente cornudo, ¡yickes!) el reparto es condenadamente bueno, con personajes que aunque breves también comparten cierto estilo y buenas lineas. Ya he hablado antes de el ciego que es un cachondo mental, pero también tenemos a una mujer que pone en su sitio al personaje de Ben cuando Shaft le pone a vivir en una casa donde no le busquen, esta película está llena de personajes duros que están a la altura de lo que Shaft les requiere y endereza su historia, pero también se hace más aplicable y entretenido para el espectador por la química que segregan. Y que también Gordon Parks hace que formes parte de ella, aunque no seas parte de la comunidad afroamericana.
Dato curioso, puede que la actuación de Moses Gunn como el jefe Bumpy sea "extraña", pero refleja bastante bien el tipo de persona fría que no muestra escrúpulos ni sentimientos en su trabajo, para luego demostrar esas emociones por la situación de su hija.
Bumpy también tiene un escenario bastante exótico en comparación con los pobres escenarios que deben ahorrar en la película, (aparte de la casa de nuestro detective) tiene objetos curiosos y hasta en más de una ocasión se comunica con un teléfono de principios del siglo XX, ni siquiera sabia que esas cosas podrían funcionar con una toma de corriente más amplia.

Ésta es más inferior, pero también se nota que la actuación de Moses llega a inspirar a otros que se ponen en un personaje similar, más ejemplificado en el actor Michael Clarke Duncan en su también "extraña" pero sorprendente genial interpretación de Wilson Fisk en la mediocre Daredevil (2003), también ahí un mafioso que en la dirección vuelven a homenajear a Bumpy por como la cámara decide grabarlo.

La última escena de la película que es el rescate es una de las escenas de acción tipo Ocean's Eleven en donde tiene un plan que requiere de precisión, tiempo, disfraces y coordinación de Shaft, los hombres de Ben Buford y los recursos de Bumpy para evitar esta guerra de bandas.
¿El resultado? Una escena de acción que cierra la película sin ninguna baja, es genial también ver al director filmar el escenario con tensión y silencio para luego ver la tranquila puesta en escena de la policía llegar, un Shaft cachondeandose de Vic, y luego verle partir como cuando le vimos por primera vez en la mañana, con genialidad y esa absoluta confianza que deberíamos tener al menos una vez en la vida.
A pesar de eso, esta última escena no tiene tanto impacto como lo estoy contando.
Soy consciente de que edulcoro mucho de lo que uno esperaría de esta película, pero Shaft al final no es TAN grande en acción o comentario social, pero igualmente es importante para el público estadounidense y el crédito que se le ha dado sigue siendo merecedor.
Roundtree y Parks se entienden, crean al personaje y el entorno que vive de una forma especial para el estilo detectivesco y "noir" junto al blackexplotation. ¡Así que gracias a todo el equipo que trajo esta entretenida y grande película y por demostrar una vez más el valor e influencia del cine independiente!

En resumen, Shaft engloba todo un entretenimiento muy logrado, aquí no veremos largas charlas sobre los prejuicios o la idea de que la sociedad norteamericana solo podrá mejorar si consiguen trabajar sin estas contrariedades. No se trata de eso, pero sin embargo el fuerte sentimiento e inspiración que captó y que sigue llamando la atención lo hacen pensar así.
No voy a negarlo, parte del mensaje uno lo puede buscar como el público en 1971, y es innegable que la influencia que ha suscitado en directores como Quentin Tarantino o el propio Spike Lee están en sus trabajos, junto con el actor Samuel L. Jackson cuando interpretó en un pseudo-remake al personaje en el año 2000 (No la he visto aún por si me preguntáis).

Gracias señor Parks por inspirar actores y todo el público que necesitaba una dosis de confianza y optimismo en EEUU, respondió con una película digna de ver, y su dirección también es de aprender en la Academia de Cine.

Es el perfecto ejemplo de blackexplotation en la historia del cine, y el desencadenante que tenemos ahora en contar historias de diversidad racial, con directores, guionistas y grandes producciones que señalen esa implicación bien recibida por parte del público.
Ya hablé en su momento en mi crítica de Black Panther (2018) y es un ejemplo de esa recibida diversidad, también podríamos decir que Creed (2015) pretende contar la historia de Adonis con ese aire, pero no pondría la mano en el fuego. También tenemos a Jordan Peele con las geniales Get Out y US, la primera ya analizada.
El resultado puede también ser mediocre en general como ha sucedido con The Green Book, pero quien se lleva el primer premio es sin lugar a dudas BlackKKlansman con Spike Lee por fin recibiendo un Óscar bien merecido.

BlackKKlansman de todas vuelve a recuperar el estilo de las blackexplotation con una comedia que no entorpece una historia real, pero que sigue otra vez la idea de representación del hombre negro en un entorno positivo, en este caso el oficial Ron Stallworth siendo el primer policía negro de la ciudad de Colorado Springs en 1979.
Esto es lo más cercano que tenemos a un ejemplo del subgénero a día de hoy, actualizado y con un premio a Mejor Guión Adaptado. Conque Hollywood... ¡poneos las pilas de una vez!

No he visto las secuelas así que no tengo ninguna opinión al respecto, pero si queréis también otra recomendación de medio contemporáneo de esta linea, también tenéis la excelente serie de Netflix Luke Cage, este superhéroe de Marvel fue conocido en los cómics como Power-Man y prácticamente su entorno en Harlem, su disfraz, y el estilo de sus historias eran un homenaje al cine de explotación como Shaft, llegando a trabajar también con Puño de Hierro, otro elemento del blackexplotation que es el compañero caucásico que no consiente los prejuicios raciales hacia su compañero, aunque aquí presentaban legítima amistad y compañerismo.

La serie gira también en torno a tramas más adultas, violencia y atracción sexual típica, sumado a un orgullo afroamericano por todas las calles de Harlem, pero se le une a eso los escenarios y clubs nocturnos junto con una música de 10/10.
Ver a Luke de guardián del barrio, buscando a chivatos y chorizos vuelve a traer a la mente a John Shaft.
Toda la serie es un homenaje al subgénero, conque echadle un vistazo si estáis interesados.

En fin, esto es todo por hoy, nos vemos en la próxima entrada.
Una vez más gracias por vuestro interés y recomendaciones, ahora si me disculpáis me esperan horas de intensa concentración para poder olvidarme de la canción de este genio de Hayes...

¡AH!, ¿¡QUÉ HAN ANUNCIADO LA VUELTA DEL PERSONAJE CON TRES GENERACIONES DE SHAFT EN LA HISTORIA?!

The Man They Could Not Hang (1939)

La entrada de hoy será más ligera para mí y espero que una sorpresa para vosotros porque hoy hablaremos de una película no muy conocida en el cine de terror.
Como ya recordareis en mi crítica de La Momia, Boris Karloff el mismo hombre que grabó la imagen del Monstruo de Frankenstein empezaba a repetir papeles que seguían su comportamiento mudo y arisco, dejando ver muy poco sus habilidades hasta que Karl Freund le dirigió en 1932 como Imhotep, en donde pudimos ver a Karloff en un rol que le permitiese hablar y actuar llegando no solo a hipnotizar y derrochar carisma al público, sino también mostrar una atracción por su increíble y suave voz, la forma en la que denota cada linea para darle un significado especial que se corresponda con las actitudes y el modo de ver el mundo que tengan sus personajes.

Es cierto que su rol del Monstruo es memorable y muchas escenas también dependen de su reacción, sus expresiones y el estilo de comunicación más primitivo que pueda haber en sus manos y sus ojos, pero incluso la Universal Pictures se dio cuenta de su actuación y su desenvoltura con sus compañeros y directores, y en 1936 con una de las mejores secuelas de todos los tiempos Karloff tuvo la oportunidad de hacer que el Monstruo hablase. Algo merecidamente alabado por la época.

También se empezaron a rivalizarlo comercialmente con su conocido compañero Bela Lugosi, mostrándolos en más de una ocasión en films de terror que merecen ser hablados en el blog como The Black Cat (1934) o The Raven (1935).

El caso es que Boris Karloff mantuvo una imagen y una inspiración como modelo en las películas de terror y aquí la imagen del científico loco la vistió repetidas veces.
De todas ellas he escogido The Man They Could Not Hang (1939) porque me parece la mejor de todas en su repertorio, (Sí, es mejor que Black Friday gente, asumidlo) a parte de que la trama puede llamar aún la atención al público contemporáneo lo creáis o no, pero eso lo ahondaremos luego, antes vamos con la historia:

Boris Karloff interpreta al Doctor Henryk Savaard, quien junto a su colega Lang (Byron Foulger) están a punto de alcanzar uno de los mayores logros médicos de todos los tiempos, la reanimación de los muertos.

Suena a película de zombies, pero la trama se centra más bien en el logro médico, una investigación altruista, y no para usarlo como un método cruel con fines oscuros, es más, uno de sus alumnos de medicina, Bobby, está dispuesto a ser el sujeto para probar el experimento conociendo completamente todos los riesgos y viéndolo desde el gran plano para salvar vidas en operaciones complicadas o accidentes trágicos.

Savaard y Lang tratan de inducirle en un estado de muerte, no necesariamente privándole de su vida (gracias a la anestesia) para comprobar este supuesto corazón artificial.
Pero entonces en el peor de los momentos la policía llega advertidos de la estúpida novia del joven y enfermera del doctor, Betty, deteniendo a Savaard y el experimento, básicamente matando al joven.
La película empieza bien y continua mejor, en pleno juicio para llevar a Savaard a la silla eléctrica, con su hija Janet (Lorna Gray) y su futuro novio destrozados por ello; pero como ávido y adelantado en su campo Savaard vuelve de la muerte, resentido por todos aquellos que acabaron con él y su investigación sin poder llegar a defenderse justamente, planeando su venganza con una ominosa invitación a todos los miembros del jurado, el juez como el fiscal y la novia ignorante, a una peculiar mansión llena de trampas de la que solo nos queda preguntarnos quién saldrá con vida de ella.

La introducción a Savaard en su laboratorio, el desarrollo del juicio y la agonizante llegada a la casa-trampa del final divide la película en 3 escenarios bien ejecutados y cargados con un dramatismo y montaje perfectamente organizados gracias al director Nick Grinde.
Hay un sentimiento de camaradería y legítima convicción en que lo que están haciendo será una gran oportunidad de ayuda para todos, por lo que no estoy de acuerdo con muchos críticos y fans cuando ven a Savaard como un personaje con un ego y falta de humanidad durante su juicio, ¡no, eso es más la interpretación de un personaje que ya lo ha perdido todo y ya lo han etiquetado de criminal sin poder llegar a explicar el procedimiento de lo que lo ha llevado a "matar al joven estudiante"!
Por no hablar de que su abogado en una parte le pide que explique la importancia que supondría para la medicina su experimento, y la forma y la convicción de sus palabras aunque roce lo poético y teatral habla de una forma altruista y bella, propio del semblante de Karloff.
Es más, Savaard y Lang desde el principio tratan una vez más de hacer entender a Bobby los riesgos a los que se va adentrar, y una vez que le inducen la anestesia le dice a su ayudante que no deben olvidar que están a punto de tomar una vida humana e inocente, y que si no pueden volver a restablecerla como esperan, la ley y ellos habrán cometido un asesinato.
Esto marca también futura culpabilidad de la que se aprovechan en el juicio, y nada de ciega convicción que le separe de alguien prepotente y loco. Gran diálogo para lo que va marcando la trama.

Existe mucha fé y está filmado  de una manera a lo James Whale en Frankenstein (1931); dicho sea de paso, viendo la película ahora para todos los médicos como estudiantes o cirujanos tal vez seáis capaces de entender el lado científico de su investigación. Parece ser que Savaard trabaja en esa reanimación con un supuesto corazón artificial para una operación que se ejecuta a corazón abierto, algo que en esta época era visto más como ciencia ficción, ¿cómo os quedáis?

Me encanta el amasijo de tubos y pipetas que usa como corazón, le da algo no solo complicadamente médico, sino también mágico como la alquimia y exagerado a la vez que difícil de comprender para nosotros, pero que es cristal por como trabaja rápidamente para poder mantener con vida al experimento.

La escena del juicio es increíble, no solo por la libertad que permiten a Boris Karloff moverse por la sala dando sus ultimas palabras a los que le condenan, un monólogo dirigido al jurado como al fiscal brillantemente escrito donde les culpa no solo de matarle sino también de mandar a matar al único hombre que podría haber salvado la vida del muchacho como la de muchas e incontables personas (Llega a compararse con Sócrates y debo decir que me sentí emocionalmente sorprendido por el parecido y la situación que  ambos recorren por lo que crédito a Savaard y al guión).
Es un monólogo y un soliloquio actuado con sumo cuidado y emocionalmente aplastante en la trama que nos alinea en su lado de las cosas. Es una pena que no haya encontrado ningún video porque si hubiese una escena que quisiera que vierais, con Karloff a tope en uno de sus mejores momentos, era esta, hacen que nos importe su situación porque de antemano ya asumimos que el experimento podría haber funcionado si no se hubiesen entrometido, y porque directamente ya lo catalogan de lunático por haberlo matado como el comisario hace, a quien le piden su opinión en el estrado, un tío que de medicina ni pío, pero lo asegura como si su palabra fuese la de un académico más. Imbécil.
Hay breves escenas del jurado tratando de separar lo sucedido como si Savaard debe ser juzgado por la muerte de Bobby, teniendo en cuenta que fue un experimento y su implicación y permiso en ello, por lo que Savaard no es mandado directamente a la silla, hay una legítima lucha de hasta donde la justicia debe meterse en esta tragedia y de si pueden culparle.
Hay transiciones de periódicos  que abarcan el proceso y los días del juicio, que no estoy seguro de si vienen de esta película o no, si alguien lo sabe por favor corregidme.

-Always remember I offered you life, and you gave me death!

Es difícil ver a Savaard y a su hija aquí, le insultan, el fiscal le usa como modelo de un asesino científico que si se libra inspirará a otros a salvarse de la cárcel, le representa en el juicio como el foco de lo que no debe ser permitido ni a existir, es básicamente injusto e inhumano y mi morbosidad de espectador desea verle vengarse de este tío como de la policía, pese a que nunca estaría del lado de ninguno.

¿Cómo burla Savaard su condena para vengarse de ellos? No lo hace, básicamente deja ejecutarse para luego confiar en su asistente, donando su cuerpo para el estudio y así volver del más oscuro estado que uno ha podido cruzar.

No hay connotación religiosa al respecto en la trama (pese a ser propio de los años '30), pero está el sacerdote que le visita para darle la extrema unción, al que Savaard educadamente intercambia con él sensatas respuestas diciendo que no es merecedor de ello.
No dice explicitamente que no crea o que no exista Dios, pero lo enlaza con el interés de demostrar lo explicable y lo científico y que nunca ha cruzado esos términos para determinar si es creyente o no.
Combinando esto con la tranquilidad y la aceptación a morir, en su laboratorio se puede ver 2 veces que uno de los contenedores químicos que sirve para esterilizar el material, lleva grabado un pentagrama... no sé que decir, James Rolfe ya comentó en su video que tal vez haya algo de interés con el demonio por su parte, pero eso os lo dejo a vuestro criterio.

+It seems strange in such a good spirit Doctor.
-Strange that I should have no fear of dying? Well I have lived so long questioning the unknown  that this plunge into it's depths is only the last and perhaps the greatest of my experiments.
+Have you no faith? -As a scientist I'm afraid I am a professional skeptic who doubts everything- even the certainties.
+But do you not recognize the great truths? -I never found one that would bear analysis.
+Can't you conceive of a truth too great for the human mind? -Tonight, no, but tomorrow I may know better!

Conseguido Savaard entra en un estado de "¡Tenia razón!" y pura locura, abrazando ya el concepto de científico loco para ahora vengarse de los miembros del jurado y demás personas.
Pasan los meses y misteriosamente la prensa se da cuenta que varios miembros del jurado empiezan a desaparecer y otros a ser ahorcados en sus hogares, lo que ya se implementa cierta intranquilidad que ya presentaban cuando escuchaban cada uno en la radio la muerte del doctor.
Loco pero inteligente (en un estilo como El Joker) logra encerrar a sus invitados o mejor dicho prisioneros en su particular casa de los horrores. La reacción de todos al verlo de vuelta es genial, Boris Karloff saca esa sonrisa pura de cabrón mientras los demás se quedan atónitos aceptándolo como una especie de broma de mal gusto.

Hasta ahora no me había fijada en su aspecto pero en esta película está extremadamente pálido, sin duda intencionado por los maquilladores para que destaque del resto, con ennegrecidas ojeras y el pelo canoso ante un vestuario oscuro. Denota irónicamente más vida y jovialidad al resucitar que cuando estaba vivo con su hija y todo yendo redondo en el principio, básicamente está disfrutando el torturar a sus invitados que del tiempo que le vimos sensato y cuerdo.
Esta actitud y deleite es vital, porque luego inspiraría al arquetipo de los villanos de James Bond, genios del mal que ponen al 007 entre la vida y la muerta como Blofeld o Goldfinger, pero también demostrará en un futuro ser responsable también de 2 figuras importantes en el propio genero del terror.
En el transcurso de la noche dos de las moscas más gordas caen y la forma en la que mueren vuelven a enlazar al genial Savaard con estos dos villanos.
El primero es Phibes, un trágico villano de los años 70 interpretado por Vincent Price que en su misión de buscar retribución por la muerte de su mujer coincide con Savaard en vengarse de los irresponsables médicos que la atendieron, pero la forma en la que mata a un sujeto en la secuela Dr. Phibes Rises Again (1972) es un claro homenaje a Savaard.

No es la misma muerte la de arriba, precisamente he cogido una imagen de una de las más raras y bizarras que Phibes comete, la similar que traza como la de Savaard es un pincho venenoso que se inyecta cuando cogen el teléfono, en este caso el director del jurado que llevaba el receso.

Pero mientras que Phibes comparte una motivación, una lista de asesinatos personales, y muertes exageradas, el segundo personaje es el que comparte la idea de la muerte, la vuelta al mundo de los vivos, y enseñar a todos los sujetos de la lección que aprendió junto al look de Savaard.
Si no lo habéis adivinado, estoy hablando de nada más y nada menos que de Jigsaw de la saga "gore" de Saw (2004), claro que James Wan creció y se inspiró en The Abominable Dr. Pibes (1971) junto las explícitas muertes en su película, pero a partir de la entrega en la que conocemos los orígenes de Jigsaw, el muñeco, su familia, y su motivación, vemos también como Wan rinde tributo a The Man They Could Not Hang y por eso creo que aún puede tener cierto atractivo para el público actual ver esta película, y ver como las brillantes ideas tienden a inspirar otros trabajos y con el tiempo volver a ser recontadas.
Savaard inspiró las muertes exageradas y comportamientos de villanos de cómic y de James Bond, y luego abrió camino a uno de los mejores papeles de Vincent Price, para más tarde inspirar a un joven director a hacer una de las películas de terror más conocidos del 2000, para bien y para mal.

Llegaría hasta decir que el rostro y la expresión de Tobin Bell son similares a los de Savaard en su pelo y demás características.

Aún con todo lo bueno, existen partes que podrían haberse pulido mejor como la relación entre Savaard y su hija, sobretodo el gran rol que llega a tener entorno al final, prácticamente llenándose de valor para así poder salvar a todo el mundo, no solo a los invitados, a su novio, y a ella misma, sino también a su padre para que recuerde el motivo de su experimento y el propósito de todo esto.
Es una pena, sobretodo porque Lorna Gray es aceptable en un rol ya de corta y pega. Pero es importante como la voz de la razón que Savaard ya ha perdido, y realmente crees en su figura como padre.

También hay mucha inexactitud y falta de explicación respecto al final, lo que es raro, ¿son exactos y precisos en el ambiente científico y judicial, pero no a la hora de narrar el impacto en la trama tras esto? Con esto me refiero a la presencia de su asistente, ¿dónde está Lang, qué ha pasado con él, fue el responsable de las muertes de los otros culpables o qué?
Parece que tratan de implicar que con el tiempo ambos separaron sus caminos y que Savaard lo mató como señal de que ha perdido el juicio, pero me cuesta muchísimo creerlo, Savaard no está tan ciego de castigar a los que lo mataron hasta al punto de acabar con los que nunca dejaron de apoyarlo, ni siquiera él ha caído tan bajo.
La falta de explicación, y todo lo que tratan de descubrir los invitados como el público va por esa idea, junto que vimos a Lang perplejo cuando el material clave reventó para traer a Savaard de nuevo a la vida y eso le dejó con la impresión de que este es un experimento imposible de repetirse.
No lo sé, simplemente hay algo aquí que ignoran y aunque la trama parece no necesitarlo ni sus personajes, podría haber funcionado como un ejemplo de diferenciarse del personaje de Karloff.

Una vez más, créditos al encargado de la cinematografía de esta película, Benjamin Kline, desgraciadamente no destaca mucho su trabajo más que episodios de Los Tres Chiflados, pero aquí pone la cámara a grabar en sets bellamente construidos como la mansión y el juzgado, agregan fuerza y aprisionamiento en los personajes aún teniendo un espacio grande.
¡Toda una tragedia no ver de fondo a Moe o a Curly muriendo exageradamente por Savaard mientras Larry toca el violín! ¡YO HABRIA PAGADO POR ESO!
Es impresionante todo lo que se puede lograr con un serial limitado de serie B como este, después de todo no está producido por grandes competidores o estudios con el monopolio del terror como la Universal Pictures, fue hecho por Columbia.
A decir verdad, la conexión con Columbia Pictures, el tema de Savaard como científico loco, y el mundo en respuesta a su trama recuerda una vez más al tema del cliché, ahora juntándose con los tempranos arquetipos de villanos de serial como Fu Manchu, o en el caso de Columbia los villanos originales que creaban los viejos seriales de Batman.

The Man They Could Not Hang  es un ejemplo del cine de científico loco tan popular en la época y el más apropiado de todos, cierto que no llega a abrazar todas sus características y esta no es la mejor en la que Karloff actuaría como se vio en 1944 en House of Frankenstein, con una de sus mejores interpretaciones y abrazando por completo la locura y falta de humanidad de este arquetipo.
Considero también importante por lo que creará en el futuro, villanos a los que inspirar, duologias inigualables, y un nuevo nacimiento de terror que puede hacer que los fanes de la saga de Saw (2004) se interesen por explorar de dónde vienen cada idea y aquellas historias que les influencian.
Como siempre digo, las grandes ideas tienden repetirse en distintas formas, y aquí tenéis mi ejemplo.

OK, esto está hecho, espero que os haya gustado, y siento mucho si no he podido poner clips de la película, pero os dejo en el enlace del título la película completamente libre de derechos en Dailymotion.
Esa es otra cosa que me encanta de estas películas de Karloff, la duración es muy corta para lo que estamos acostumbrados, aquí 1h y 4 minutos, ¿no es un chollo?
En fin, para los entusiasmados no os preocupéis, algún día abordaremos a Dr. Phibes, después de todo es una de las mejores películas de Vincent Price y soy un gran fan.
En cuanto a Saw... sí, eso será más difícil, aún hay cierto murmullo negativo por el "gore" y su fama de "torture porn" y necesito tiempo y motivación para saber cómo traer la historia a vosotros lectores.
Espero que os haya gustado esta pequeña aportación, y una vez más gracias por leerlo.
¡Ya nos veremos!

First Blood (1982)

Aquí en Under The 12 Scripts hemos hablado de los modestos orígenes de Sylvester Stallone y como ha estado aprendiendo en el mundo del cine después de sus éxitos con Rocky, y sus dos continuaciones demostrando no solo ser un actor bastante notable, también un guionista con habilidades que resultan novedosas para un nuevo público y críticos de cine.

Hoy comentaremos uno de sus más que conocidos trabajos, uno que realmente le pone en un estado de depresión a decir verdad, la historia de Rambo aunque entre en el cine de acción siempre ha sido una historia muy seria para SLY debido a los acontecimientos que le siguieron a los veteranos de la guerra de Vietnam tras volver a su patria, y tristemente John Rambo es una representación directa del resultado de la sociedad americana.
Una película que aunque siga a un personaje ficticio, desarrolla un comentario y una crítica social muy resonante en su salida, y toma una gran consideración de riesgos entorno a la historia y el cómo no la exploran en el propio territorio de Vietnam en comparación con futuras películas que toman la idea como en Forrest Gump, Salvar al soldado Ryan o El Pianista, o La Lista de Schindler.
No es que llegue First Blood a la altura o vaya en un camino similar, pero es una comparación que señalo en orden de dar crédito a la historia que cuentan, alejada del foco de guerra, y más bien en una lucha interior.

Hay un total de 4 películas en la saga pero la más establecida en su mensaje y el personaje es esta,

First Blood, también conocido como Rambo: Acorralado o traducido directamente al título en Sudamérica, Rambo: primera sangre. Esta no es una cinta en donde la prioridad y la dirección van dirigidas a la acción típica de los años '80 o hasta cuantas explosiones podemos meter en el metraje, sino al estudio de nuestro protagonista, John Rambo (Tal vez por eso Stallone se apuntó al proyecto) un trastocado veterano que está pasando dificultades y vagabundea por todo el país, y cuando llega al pequeño y apacible pueblo de Hope, el Sheriff y la policía local le hacen pasar por un mal rato que le llevan a la paranoia completa en donde escalará en una guerra entre un solo hombre  y toda la fuerza de la autoridad, no solo luchando en armamento sino también en combate.

SLY y Ted Kotcheff.

Creo que la introducción al personaje es una escena tremendamente infravalorada; la pausa, la cortina negra, la exitosa música de Jerry Goldsmith que pronto se asociará con la soledad de Rambo bajando la colina, ("It's a Long Road") más la repentina melodía de alegría y confort en un entorno digno de retirarse con la risa de los niños, el verde del campo y el agua azul y cristalina crean implícitamente lo que busca nuestro personaje, lo que realmente espera de su país, nada más claro tras ver la sonrisa grabada.
Pero esa es la tragedia de Rambo, su pasado no le dejará vivir esto porque no fue entrenado para vivir en paz, su vida nunca fue fácil y no lo será tampoco ahora.
Destacado trabajo el de nuestro director Ted Kotcheff quien estuvo disponible a dirigir la película desde 1976, pero la espera se nota que lo ayudó a asimilar la ambientación de la historia y el tono gracias luego a Stallone.
No hay mucho en su resumen, pero establece una técnica y dirección muy similar al que en un futuro Stallone crea, ofrece momentos de buena cinematografía durante el principio y el final del metraje, al igual que otras escenas como Rambo junto al fuego, caminando por la carretera o en situación de estrés y peligro; llena por completo la pantalla de propósito y significado en el hombre en cuestión como aquí con la visita a Delmar.

Esta es una escena legítimamente trágica y Sylvester Stallone expresa de forma natural todo tipo de  emociones, ilusión, ingenua alegría y optimismo, para luego transformarlo en una profunda expresión de sorpresa, tristeza, represión de sus sentimientos,  y puro dolor.
Las noticias de Delmar hablan por si solas, la música y la distancia que se toma toda la presencia de la cámara, el dejar la foto con la viuda. El espectador instintivamente siente su vacío, y en lo que está latiendo ahora su cuerpo durante TODA la película.
La importancia de la escena es fundamental en lo que pronto se está construyendo en la psicosis emocional del personaje, y también para darnos una idea de quién es y en quién se convertirá poco a poco al llegar al "apacible" pueblo.

Su entrada en Hope y su detención es... interesante, a la par que injusta y es uno de esos momentos en el que no importe si eres nuevo o no en la película, te obligan a escoger un lado y no hay quien se libre de quedar como un hipócrita.
Personalmente me siento más relacionado con Rambo, tristemente veo en él muchas características muy similares, ambos sufrimos de depresión a raíz de trágicos eventos y comparto su soledad y deseo de que me dejen a mi aire sin que me molesten, y de que si no me causan problemas yo tampoco me meto en ellos. ¡Pero tampoco es que me deje llevar por mis impulsos e ira para pagarlos sobre mis atacantes! Esto es un caso evidente de que nuestras vidas no son comparables con la que ha vivido y por eso la película trata de querer que simpatizamos en Rambo y en lo que sufre, para poder luego juzgarlo en todo First Blood.

Sheriff Teasle es más complicado, esta es la cosa, a primeras es el cretino de la película, el estereotipado que merece todo castigo que se le caerá encima (Desde el árbol seco en Silly Symphonies de Walt Disney, hasta Biff Tanen en Regreso al Futuro, el más soso cliché jamas morirá...), pero hay más de este hombre en los primeros minutos. Se le ve conforme, tranquilo, disfrutando de la mañana, charlando con Rambo de una manera civilizada cuando le recoge.
Es solo otro pedazo de personaje que cuida que las cosas sean tranquilas e iguales para todos; pero sus prioridades rozan a prejuicios no solo ante Rambo, ¡sino también ante todo personaje que se parezca a él! Lo considera un vagabundo, un muerto de hambre que busca limosnas en un pueblo que tiene una imagen pulcra y familiar que no puede permitirse tener a un andrajoso y sucio hombre entre sus lugares, negándole ir a una cafeteria o un hostal, y dejándolo advertido y forzosamente a la salida para el próximo pueblo a kilómetros.
¡Eso es cruel y propio de un hijo de perra! Crédito a Brian Dennehy por supuesto, realmente hizo que me creyera que odiaría tanto a un personaje, tanto que si hubiera estado en 1982 viendo First Blood en el cine, habría escupido sin reparo a la pantalla.

Esto es también prueba de que están trabajando con un buen guión, y la implicación de Stallone en cambios muy significativos, en especial para darnos una situación en la que es difícil escoger un bando, y un conflicto que cae en malentendido o prejuicio pero que sigue dejando al espectador sin saber qué lado apoyar y decide ser testigo de los actos de Teasle y sus consecuencias.

Usa su autoridad inexcusablemente y su forma de juzgar están fuera de lugar (Y eso es una pequeña prueba de lo horrible que representa el líder en el cuerpo, este es el sheriff, el resto de miembros van por el mismo camino) es patéticamente injusto, pero a pesar de todo, no puedo decir que se mereciera el final que Rambo le da.
Existe una escena en el que Teasle le rebate a un compañero de Rambo que nada excusa su comportamiento simplemente por haber sufrido en Vietnam, ya que él también ha sufrido a costa de la guerra; y sinceramente... no me lo trago. Eso hace que pierda toda simpatía por él ya que obliga de manera oficial ante la Guardia Nacional, el ejercito y a nosotros el público, que ya ha tenido experiencia con el trato de veteranos en su vida, o que él también forma parte del mismo grupo ¡y no, no es que esté equivocado, pero es un farol de mil narices que nos haga creer que habría evitado todo esto de haber sabido su experiencia militar!

Es más, voy a compartiros algo que creo al ver la película por tercera vez.
Teasle durante el trayecto en el coche lleva las riendas de la conversación y escuchándolo atentamente me atrevo a decir que Teasle SABIA que John Rambo podría haber sido un veterano de guerra. No nos hagamos ciegos, aunque la película no lo exprese directamente se leer entre lineas, por no decir (Y esto lo he visto yo mismo) que en EEUU es muy común desde los '60-'80 y más ahora después de Irak y Afganistán, la notoria presencia de veteranos sin hogar que no se les permitió volver a reintegrarse civilmente.

Rambo o Acorralado va hablar de que la guerra de Vietnam provocó más daños que victorias, pese a las razones militares que tengan para justificar su presencia, y el pueblo estadounidense dando la espalda su implicación en ella, llegando muchos a modo de protesta a escupir a los combatientes a su vuelta.
Está bien condenar la propia guerra, como el autor David Morrel deja claro, y no es el mismo caso que la Segunda Guerra Mundial en donde una colaboración entre países ponen fin a una ideología asesina, pero este es uno de los más horribles casos en la historia americana y ese trato no acaba en Vietnam porque también el público les trae la guerra también a su entorno, negándoles trabajo, criticando a aquellos que también han sufrido sin saber que muchos de ellos son capaces de estar enfermos mentalmente, como John Rambo.

Basicamente cuando estalla deja claro este punto, pero no saltemos aún al final.

Una vez es detenido por "no obedecer a la autoridad y vagabundeo",  Teasle le humilla, y el resto del cuerpo lo llevan al extremo, con Dave Kern (Bill McKinney) llegando prácticamente a torturarlo para demostrar prácticamente hombría y dureza en contraste con este veterano de guerra una vez que conocen que tiene historial militar.
Kern demuestra un prejuicio directo de lo que hemos hablado y no es de extrañar que toda esta situación, el dolor, la humillación, el que le hayan  quitado a Rambo su cuchillo de caza (Probablemente  su ultimo recuerdo y objeto en memoria de su vida en guerra con sus compañeros) despierten en Rambo recuerdos de cuando fue capturado y torturado por el Vietcong, llegando escapar de todo el cuerpo de hombres, robar una moto y refugiarse en el bosque.
¡Ahora es cuando la película empieza a ser ese desenfrenado festival de acción imparable tan asociado con Sylvester Stallone!

Viendo la escena de su captura y el como se interpone con la comisaría y las torturas, es sencillo decir que John Rambo sufre de PTSD, o Síndrome de estrés postraumático, ocasionada mayoritariamente en soldados, trabajadores de obras o incluso en empleos locales como bomberos o policías. Rambo es perseguido mentalmente por estos recuerdos y los revive una y otra vez, provocándole angustia de una intensidad casi imparable.
Normalmente la recuperación es algo natural, pero en casos de eventos más graves son constantes y casi irreparables al enlazarse con estado de depresión.
Un estado de estrés incluso letal de acuerdo a estudios en 1983; tan solo leed las historias que Wes Craven cuenta sobre de donde se inspiró para hacer Pesadilla en Elm Street (1984).
Tristemente la película no aborda directamente el tema de la misma manera que Taxi Driver con Travis, tampoco llegan a comentar el hecho de este problema mental, ambas películas deciden representar los síntomas más comunes que los veteranos de la guerra de Vietnam tenia de PTSD, pero no el hecho de que no están operando bajo un 100% del control natural que tienen.

Recientemente llega a mí como ejemplo la exitosa serie de animación Steven Universe de Rebecca Sugar, prueba de que incluso una serie dirigida a un público joven y adolescente puede profundizar y hablar del PTSD en personajes que al igual que Rambo actúan trágicamente con dolor y profundo trauma; allí en el personaje de Lapis Lazuli prisionera en una guerra en la que no participaba, pero que demuestran de que aunque irreparable puede descansar y desahogarse en el consuelo de un amigo en este caso el personaje conductor que va siguiendo el público, la solución está en hablar e importar que te escuchen y cómo te ayuden, ¡gran trabajo Rebecca! Más de lo que diría del sector en América en donde ni identificaban este problema o tenían interés por remediarlo.

Diría que es muy común esta actitud, sobre todo en la América de Reagan, donde la idea de mantener el bienestar público de este sector tan minoritario es costoso e innecesario a gran escala, y esta atención no fue correctamente diagnosticada o tratada.
¡Pedazo de cabrón, pero eso es otra historia!

"It's Grand Theft Auto the video game The Movie"
No soy el primero en decir este chiste pero dejándolo de lado, mirad la expresión de SLY aquí, claramente pone a Rambo en un estado de tensión, no actúa conscientemente en su huida y parece más enfadado que preocupado por huir o qué ha hecho.

Otra cosa que da a First Blood más características y ofrece en su historia es Rambo una vez la gota ha colmado el vaso, en vez de seguir la dirección típica de peleas y combates Rambo se oculta en el bosque del cual se mueve y se camufla con naturalidad y decide afrontar al corrupto y matón cuerpo de policía por medio de sigilo, silencio, delicadas trampas para inmovilizar y hacer que pierdan ventaja en el terreno pese a estar fuertemente armados en comparación con Rambo.
Una ventaja que ha permanecido intacta en el cine hasta la llegada de Ted Kotcheff que la filma con la máxima veracidad posible; es más me atrevería a decir que hay algún que otro momento en que el camuflaje llega a engañar al espectador (al menos a éste debo decir).

Otra cosa que dice mucho sobre el personaje es que aunque parezca que se haya vuelto duro y loco, nuestro protagonista no ha ido completamente violento, una vez que acecha y pilla a Teasle por sorpresa le pide que dejen de perseguirlo, que no usen como excusa su abuso de control sobre un detenido y no pongan su huida como otro motivo para una detención teniendo en cuenta el dolor por el que ahora ambos han llegado.
Es aquí cuando Teasle empieza a camuflar sobre los demás actos que hace Rambo para excusar su captura, Teasle está más por demostrar quien manda en esta jurisdicción sin importar el pasado del sujeto o lo que hayan hecho sus hombres, como si tuviera que demostrar algo.
Así debió de sentirse también Kern, aunque más ambicioso y lleno de ira; y su muerte es tremendamente estúpida pero que no quita seriedad al asunto, Teasle ahora tiene un motivo de peso para perseguirlo y acabar con él, a pesar de que Kern es responsable con el Sheriff de parte de lo que ha sucedido.

La implicación de la Guardia Nacional toma las riendas para ira de Teasle que no deja de malograr a John Rambo hasta que aparece el único personaje que sale en su defensa y en su ayuda, el coronel Sam Trautman interpretado por el genial Richard Crenna, lo digo en serio, su aportación como mediador en la trama para el público y la situación de Rambo, prueba cierta fuerza y justicia, es la voz de la razón en un momento en el que incluso la policía y el resto de la Guardia parecen haber perdido la cabeza en la caza de un solo hombre.

Su posición no solo le da algunas de las mejores lineas de toda la película, sino que también llega a relacionarse con Rambo en momentos de tensión brillantemente filmadas. Tan solo ved la escena en la que Trautman consigue hablar con John por la radio, como se ponen al día por la muerte de Delmar y el resto del comando, quedando ya solo Rambo y su deprimente vida.

Pero hay algo que incluso Trautman FRACASA en percibir, tanto como si fuese una representación del ejercito norteamericano, y es que subestiman a sus hombres.
Trautman nos comenta que Rambo no es un simple "Boina Verde", es el último miembro de un escuadrón entrenado para ser el mejor en el campo de terreno enemigo, la perfección en reflejos, comando, combate e insuperable condición.
Y sí, suena bien verdad, un orgullo para muchos, pero, ¿qué hay de Rambo como persona?
¿De verdad esperaban que después de haber sido capturado, torturado, y haber matado a incontables soldados no presentara remordimientos?
¿Qué de vuelta a su vida civil no le importaría lo que los demás "creen" que ha hecho en nombre de su país? ¿Qué la violencia o la adrenalina de la batalla no le afectaría a su vuelta, hasta el grado en que lucharía contra todo un cuerpo de policía de pueblo que no tienen ninguna oportunidad contra él?

Rambo es olvidado incluso por el ejercito, una vez que su cometido ha terminado no expresan intención o participación en ayudar a casos como él a ser reinsertados de nuevo a la sociedad o a que consigan un trabajo, y pese a todo, Trautman es ignorante de los golpes que la ha dado la vida incluso a su buen amigo. Y ya nada le podrá encaminar para no retribuir el "primer trazo de sangre" a Teasle, sobretodo cuando empiezan atacarle con armas automáticas e incluso con un lanzagranadas, dandole por muerto al derrumbarse sobre él un túnel abandonado, hecho que vuelve a reforzar el PTSD.

Entorno al desenlace, Rambo aprovecha de la presencia de la guardia y se prepara con todo su armamento para ir a por Teasle, quien una vez que sabe que su mendigo sigue vivo decide tomar la situación para satisfacer sus ganas de matarlo que antes le habían privado, planeando atacarlo desde la comisaría en una posición que le aventaja.
Teasle ya ha pasado todo radio de cordura, es consciente de todo lo que ha vivido Rambo gracias Trautman, se le ha explicado por uno de los novatos de la policía la ida de olla que Kern tuvo con él, como se desfogó torturándole y la certificación del piloto del helicóptero de que su muerte fue más bien causada por un accidente al sobreevolar terreno no asegurable, pero nada parece entrarle en la mollera, ni siquiera culpa propia por lo que ha desencadenado, es literalmente el ejemplo del adulto que cree tener la razón y quiere hacer las cosas a su modo.
Una vez más y ante una silenciosa escena pero al mismo tiempo en tensión por la oscuridad y la ausencia de personas, Rambo y Teasle se enfrentan en un tiroteo que se amalgama una vez más a una atmósfera difícil de describir, una ambiente que cierra esta pequeña historia de John Rambo en First Blood.

Normalmente suelo ver Acorralado en su doblaje en castellano, con Ricardo Solans doblando sin errores a SLY y ¿Arsenio Corsellas? a Richard Crenna, y aunque hacen un trabajo igualmente de bueno durante la película, el diálogo final pertenece a Stallone, no es equiparable como se hizo en Rocky y aquí el doblaje en español no llega a captar del todo este trágico momento.

Tras verlo en conjunto ESTA es la escena que más destaca para mí y muchos otros, y uno de los diálogos más dramáticos y bellamente realizados por Sylvester Stallone hasta la llegada de Rocky Balboa en 2006 (o incluso la supera, es digno de debate).
Es una de las mejores escenas del cine no solo por lo que simboliza para muchos veteranos y el personaje, sino también porque Rambo finaliza el estudio de su personaje explotando y desahogando su vida en manos de su único amigo y nosotros, el público, los testigos de su trayecto hasta este acorralamiento físico y emocional.
No es algo común ver en este tipo de películas en donde un destacado actor de acción se reduce a su más débil estado y llora ante otra figura adulta, pero Rambo no teme ir a ese paso.
Y sinceramente, me encanta mucho más al verlo enlazado con el final, es una escena capaz de tocar el alma del más frío de todos los espectadores, y Stallone se lleva un premio por ello.

First Blood es de igual acción como emocional, prepara a su personaje en un viaje que será difícil de ignorar para muchos espectadores. Stallone es increíble, uno de sus mejores papeles aunque no se volviese a captar de nuevo la estela que Rambo sigue aquí.
A diferencia de la novela de David Morrel en donde el personaje se suicida, Stallone y el director Ted Kotcheff entienden que en la gran pantalla el personaje tiene más peso y su desarrollo no llegaba al mismo punto que el personaje original, pero yo abogo más por este cambio, morir es fácil en cualquier obra, pero crear drama, construirlo durante todo el trayecto para hacer que conectemos con él y sintamos su situación hasta el punto de llorar y que no sintamos otra cosa que pena o lástima, eso es difícil y esto es lo que obra y consigue esta película.

Hay diferencias muy notables respecto al libro, y aquí os dejo un video de CineFix para los que desean saber más sobre el libro y su versión del personaje.

Al contrario que Rocky, un personaje que simboliza que los sueños merecen la pena de seguir y en donde lo que importa no es solo ganar, sino también llevar tu cuerpo y tus deseos al límite por hacer lo mejor que puedas e inspirar a otros como un modelo a seguir; Rambo es exactamente lo contrario, aquí el caso de una persona que necesita que lo ayudemos, darle espacio, entender su situación y evitar que evolucione en una persona perjudicial para él mismo; simboliza un personaje que necesita de nuestro apoyo para salir de su mundo de trauma y tortura, y debemos aspirar a eso, ayudar en todo lo posible para que salgan de ese oscuro rincón por si mismos. y que finalmente pasen página.

Esto es lo que para mí simboliza John Rambo una vez que Stallone le interpreta, y debido a eso First Blood es una de las mejores películas hechas, tal vez no disponga de grandes escenarios o un presupuesto de millones con actores de talla A, pero menos es más, la historia es bastante directa con un escenario natural y modesto que lo hace ser más realista hasta que todo explota por el gusto de la acción, pero hay sitio para ser serios y demostrar un comentario social necesario y problemático en EEUU.

Me gustaría poder decir más y seguir analizando pero esta es una película que recae más en emociones y la actuación en la historia y lo dicho es más que suficiente.
Incluso Stallone al principio no lo vio como la influyente película que es hoy en día, de acuerdo al documental Inferno en donde expresa que los grandes trabajos siempre están en el ojo del huracán, el primer corte sin editar fue horrible para él, sobretodo en sus diálogos llegando a catalogarla como un pequeño milagro que no esperaba recibir del público.

Espero que os haya gustado, si sois fans de Rambo decidme qué os ha parecido esta entrada o si queréis también que hablemos de alguna de sus continuaciones junto con más sugerencias.
Gracias a todos y nos vemos en la próxima entrada, ¡pasad un buen día!