The Man They Could Not Hang (1939)

La entrada de hoy será más ligera para mí y espero que una sorpresa para vosotros porque hoy hablaremos de una película no muy conocida en el cine de terror.
Como ya recordareis en mi crítica de La Momia, Boris Karloff el mismo hombre que grabó la imagen del Monstruo de Frankenstein empezaba a repetir papeles que seguían su comportamiento mudo y arisco, dejando ver muy poco sus habilidades hasta que Karl Freund le dirigió en 1932 como Imhotep, en donde pudimos ver a Karloff en un rol que le permitiese hablar y actuar llegando no solo a hipnotizar y derrochar carisma al público, sino también mostrar una atracción por su increíble y suave voz, la forma en la que denota cada linea para darle un significado especial que se corresponda con las actitudes y el modo de ver el mundo que tengan sus personajes.

Es cierto que su rol del Monstruo es memorable y muchas escenas también dependen de su reacción, sus expresiones y el estilo de comunicación más primitivo que pueda haber en sus manos y sus ojos, pero incluso la Universal Pictures se dio cuenta de su actuación y su desenvoltura con sus compañeros y directores, y en 1936 con una de las mejores secuelas de todos los tiempos Karloff tuvo la oportunidad de hacer que el Monstruo hablase. Algo merecidamente alabado por la época.

También se empezaron a rivalizarlo comercialmente con su conocido compañero Bela Lugosi, mostrándolos en más de una ocasión en films de terror que merecen ser hablados en el blog como The Black Cat (1934) o The Raven (1935).

El caso es que Boris Karloff mantuvo una imagen y una inspiración como modelo en las películas de terror y aquí la imagen del científico loco la vistió repetidas veces.
De todas ellas he escogido The Man They Could Not Hang (1939) porque me parece la mejor de todas en su repertorio, (Sí, es mejor que Black Friday gente, asumidlo) a parte de que la trama puede llamar aún la atención al público contemporáneo lo creáis o no, pero eso lo ahondaremos luego, antes vamos con la historia:

Boris Karloff interpreta al Doctor Henryk Savaard, quien junto a su colega Lang (Byron Foulger) están a punto de alcanzar uno de los mayores logros médicos de todos los tiempos, la reanimación de los muertos.

Suena a película de zombies, pero la trama se centra más bien en el logro médico, una investigación altruista, y no para usarlo como un método cruel con fines oscuros, es más, uno de sus alumnos de medicina, Bobby, está dispuesto a ser el sujeto para probar el experimento conociendo completamente todos los riesgos y viéndolo desde el gran plano para salvar vidas en operaciones complicadas o accidentes trágicos.

Savaard y Lang tratan de inducirle en un estado de muerte, no necesariamente privándole de su vida (gracias a la anestesia) para comprobar este supuesto corazón artificial.
Pero entonces en el peor de los momentos la policía llega advertidos de la estúpida novia del joven y enfermera del doctor, Betty, deteniendo a Savaard y el experimento, básicamente matando al joven.
La película empieza bien y continua mejor, en pleno juicio para llevar a Savaard a la silla eléctrica, con su hija Janet (Lorna Gray) y su futuro novio destrozados por ello; pero como ávido y adelantado en su campo Savaard vuelve de la muerte, resentido por todos aquellos que acabaron con él y su investigación sin poder llegar a defenderse justamente, planeando su venganza con una ominosa invitación a todos los miembros del jurado, el juez como el fiscal y la novia ignorante, a una peculiar mansión llena de trampas de la que solo nos queda preguntarnos quién saldrá con vida de ella.

La introducción a Savaard en su laboratorio, el desarrollo del juicio y la agonizante llegada a la casa-trampa del final divide la película en 3 escenarios bien ejecutados y cargados con un dramatismo y montaje perfectamente organizados gracias al director Nick Grinde.
Hay un sentimiento de camaradería y legítima convicción en que lo que están haciendo será una gran oportunidad de ayuda para todos, por lo que no estoy de acuerdo con muchos críticos y fans cuando ven a Savaard como un personaje con un ego y falta de humanidad durante su juicio, ¡no, eso es más la interpretación de un personaje que ya lo ha perdido todo y ya lo han etiquetado de criminal sin poder llegar a explicar el procedimiento de lo que lo ha llevado a "matar al joven estudiante"!
Por no hablar de que su abogado en una parte le pide que explique la importancia que supondría para la medicina su experimento, y la forma y la convicción de sus palabras aunque roce lo poético y teatral habla de una forma altruista y bella, propio del semblante de Karloff.
Es más, Savaard y Lang desde el principio tratan una vez más de hacer entender a Bobby los riesgos a los que se va adentrar, y una vez que le inducen la anestesia le dice a su ayudante que no deben olvidar que están a punto de tomar una vida humana e inocente, y que si no pueden volver a restablecerla como esperan, la ley y ellos habrán cometido un asesinato.
Esto marca también futura culpabilidad de la que se aprovechan en el juicio, y nada de ciega convicción que le separe de alguien prepotente y loco. Gran diálogo para lo que va marcando la trama.

Existe mucha fé y está filmado  de una manera a lo James Whale en Frankenstein (1931); dicho sea de paso, viendo la película ahora para todos los médicos como estudiantes o cirujanos tal vez seáis capaces de entender el lado científico de su investigación. Parece ser que Savaard trabaja en esa reanimación con un supuesto corazón artificial para una operación que se ejecuta a corazón abierto, algo que en esta época era visto más como ciencia ficción, ¿cómo os quedáis?

Me encanta el amasijo de tubos y pipetas que usa como corazón, le da algo no solo complicadamente médico, sino también mágico como la alquimia y exagerado a la vez que difícil de comprender para nosotros, pero que es cristal por como trabaja rápidamente para poder mantener con vida al experimento.

La escena del juicio es increíble, no solo por la libertad que permiten a Boris Karloff moverse por la sala dando sus ultimas palabras a los que le condenan, un monólogo dirigido al jurado como al fiscal brillantemente escrito donde les culpa no solo de matarle sino también de mandar a matar al único hombre que podría haber salvado la vida del muchacho como la de muchas e incontables personas (Llega a compararse con Sócrates y debo decir que me sentí emocionalmente sorprendido por el parecido y la situación que  ambos recorren por lo que crédito a Savaard y al guión).
Es un monólogo y un soliloquio actuado con sumo cuidado y emocionalmente aplastante en la trama que nos alinea en su lado de las cosas. Es una pena que no haya encontrado ningún video porque si hubiese una escena que quisiera que vierais, con Karloff a tope en uno de sus mejores momentos, era esta, hacen que nos importe su situación porque de antemano ya asumimos que el experimento podría haber funcionado si no se hubiesen entrometido, y porque directamente ya lo catalogan de lunático por haberlo matado como el comisario hace, a quien le piden su opinión en el estrado, un tío que de medicina ni pío, pero lo asegura como si su palabra fuese la de un académico más. Imbécil.
Hay breves escenas del jurado tratando de separar lo sucedido como si Savaard debe ser juzgado por la muerte de Bobby, teniendo en cuenta que fue un experimento y su implicación y permiso en ello, por lo que Savaard no es mandado directamente a la silla, hay una legítima lucha de hasta donde la justicia debe meterse en esta tragedia y de si pueden culparle.
Hay transiciones de periódicos  que abarcan el proceso y los días del juicio, que no estoy seguro de si vienen de esta película o no, si alguien lo sabe por favor corregidme.

-Always remember I offered you life, and you gave me death!

Es difícil ver a Savaard y a su hija aquí, le insultan, el fiscal le usa como modelo de un asesino científico que si se libra inspirará a otros a salvarse de la cárcel, le representa en el juicio como el foco de lo que no debe ser permitido ni a existir, es básicamente injusto e inhumano y mi morbosidad de espectador desea verle vengarse de este tío como de la policía, pese a que nunca estaría del lado de ninguno.

¿Cómo burla Savaard su condena para vengarse de ellos? No lo hace, básicamente deja ejecutarse para luego confiar en su asistente, donando su cuerpo para el estudio y así volver del más oscuro estado que uno ha podido cruzar.

No hay connotación religiosa al respecto en la trama (pese a ser propio de los años '30), pero está el sacerdote que le visita para darle la extrema unción, al que Savaard educadamente intercambia con él sensatas respuestas diciendo que no es merecedor de ello.
No dice explicitamente que no crea o que no exista Dios, pero lo enlaza con el interés de demostrar lo explicable y lo científico y que nunca ha cruzado esos términos para determinar si es creyente o no.
Combinando esto con la tranquilidad y la aceptación a morir, en su laboratorio se puede ver 2 veces que uno de los contenedores químicos que sirve para esterilizar el material, lleva grabado un pentagrama... no sé que decir, James Rolfe ya comentó en su video que tal vez haya algo de interés con el demonio por su parte, pero eso os lo dejo a vuestro criterio.

+It seems strange in such a good spirit Doctor.
-Strange that I should have no fear of dying? Well I have lived so long questioning the unknown  that this plunge into it's depths is only the last and perhaps the greatest of my experiments.
+Have you no faith? -As a scientist I'm afraid I am a professional skeptic who doubts everything- even the certainties.
+But do you not recognize the great truths? -I never found one that would bear analysis.
+Can't you conceive of a truth too great for the human mind? -Tonight, no, but tomorrow I may know better!

Conseguido Savaard entra en un estado de "¡Tenia razón!" y pura locura, abrazando ya el concepto de científico loco para ahora vengarse de los miembros del jurado y demás personas.
Pasan los meses y misteriosamente la prensa se da cuenta que varios miembros del jurado empiezan a desaparecer y otros a ser ahorcados en sus hogares, lo que ya se implementa cierta intranquilidad que ya presentaban cuando escuchaban cada uno en la radio la muerte del doctor.
Loco pero inteligente (en un estilo como El Joker) logra encerrar a sus invitados o mejor dicho prisioneros en su particular casa de los horrores. La reacción de todos al verlo de vuelta es genial, Boris Karloff saca esa sonrisa pura de cabrón mientras los demás se quedan atónitos aceptándolo como una especie de broma de mal gusto.

Hasta ahora no me había fijada en su aspecto pero en esta película está extremadamente pálido, sin duda intencionado por los maquilladores para que destaque del resto, con ennegrecidas ojeras y el pelo canoso ante un vestuario oscuro. Denota irónicamente más vida y jovialidad al resucitar que cuando estaba vivo con su hija y todo yendo redondo en el principio, básicamente está disfrutando el torturar a sus invitados que del tiempo que le vimos sensato y cuerdo.
Esta actitud y deleite es vital, porque luego inspiraría al arquetipo de los villanos de James Bond, genios del mal que ponen al 007 entre la vida y la muerta como Blofeld o Goldfinger, pero también demostrará en un futuro ser responsable también de 2 figuras importantes en el propio genero del terror.
En el transcurso de la noche dos de las moscas más gordas caen y la forma en la que mueren vuelven a enlazar al genial Savaard con estos dos villanos.
El primero es Phibes, un trágico villano de los años 70 interpretado por Vincent Price que en su misión de buscar retribución por la muerte de su mujer coincide con Savaard en vengarse de los irresponsables médicos que la atendieron, pero la forma en la que mata a un sujeto en la secuela Dr. Phibes Rises Again (1972) es un claro homenaje a Savaard.

No es la misma muerte la de arriba, precisamente he cogido una imagen de una de las más raras y bizarras que Phibes comete, la similar que traza como la de Savaard es un pincho venenoso que se inyecta cuando cogen el teléfono, en este caso el director del jurado que llevaba el receso.

Pero mientras que Phibes comparte una motivación, una lista de asesinatos personales, y muertes exageradas, el segundo personaje es el que comparte la idea de la muerte, la vuelta al mundo de los vivos, y enseñar a todos los sujetos de la lección que aprendió junto al look de Savaard.
Si no lo habéis adivinado, estoy hablando de nada más y nada menos que de Jigsaw de la saga "gore" de Saw (2004), claro que James Wan creció y se inspiró en The Abominable Dr. Pibes (1971) junto las explícitas muertes en su película, pero a partir de la entrega en la que conocemos los orígenes de Jigsaw, el muñeco, su familia, y su motivación, vemos también como Wan rinde tributo a The Man They Could Not Hang y por eso creo que aún puede tener cierto atractivo para el público actual ver esta película, y ver como las brillantes ideas tienden a inspirar otros trabajos y con el tiempo volver a ser recontadas.
Savaard inspiró las muertes exageradas y comportamientos de villanos de cómic y de James Bond, y luego abrió camino a uno de los mejores papeles de Vincent Price, para más tarde inspirar a un joven director a hacer una de las películas de terror más conocidos del 2000, para bien y para mal.

Llegaría hasta decir que el rostro y la expresión de Tobin Bell son similares a los de Savaard en su pelo y demás características.

Aún con todo lo bueno, existen partes que podrían haberse pulido mejor como la relación entre Savaard y su hija, sobretodo el gran rol que llega a tener entorno al final, prácticamente llenándose de valor para así poder salvar a todo el mundo, no solo a los invitados, a su novio, y a ella misma, sino también a su padre para que recuerde el motivo de su experimento y el propósito de todo esto.
Es una pena, sobretodo porque Lorna Gray es aceptable en un rol ya de corta y pega. Pero es importante como la voz de la razón que Savaard ya ha perdido, y realmente crees en su figura como padre.

También hay mucha inexactitud y falta de explicación respecto al final, lo que es raro, ¿son exactos y precisos en el ambiente científico y judicial, pero no a la hora de narrar el impacto en la trama tras esto? Con esto me refiero a la presencia de su asistente, ¿dónde está Lang, qué ha pasado con él, fue el responsable de las muertes de los otros culpables o qué?
Parece que tratan de implicar que con el tiempo ambos separaron sus caminos y que Savaard lo mató como señal de que ha perdido el juicio, pero me cuesta muchísimo creerlo, Savaard no está tan ciego de castigar a los que lo mataron hasta al punto de acabar con los que nunca dejaron de apoyarlo, ni siquiera él ha caído tan bajo.
La falta de explicación, y todo lo que tratan de descubrir los invitados como el público va por esa idea, junto que vimos a Lang perplejo cuando el material clave reventó para traer a Savaard de nuevo a la vida y eso le dejó con la impresión de que este es un experimento imposible de repetirse.
No lo sé, simplemente hay algo aquí que ignoran y aunque la trama parece no necesitarlo ni sus personajes, podría haber funcionado como un ejemplo de diferenciarse del personaje de Karloff.

Una vez más, créditos al encargado de la cinematografía de esta película, Benjamin Kline, desgraciadamente no destaca mucho su trabajo más que episodios de Los Tres Chiflados, pero aquí pone la cámara a grabar en sets bellamente construidos como la mansión y el juzgado, agregan fuerza y aprisionamiento en los personajes aún teniendo un espacio grande.
¡Toda una tragedia no ver de fondo a Moe o a Curly muriendo exageradamente por Savaard mientras Larry toca el violín! ¡YO HABRIA PAGADO POR ESO!
Es impresionante todo lo que se puede lograr con un serial limitado de serie B como este, después de todo no está producido por grandes competidores o estudios con el monopolio del terror como la Universal Pictures, fue hecho por Columbia.
A decir verdad, la conexión con Columbia Pictures, el tema de Savaard como científico loco, y el mundo en respuesta a su trama recuerda una vez más al tema del cliché, ahora juntándose con los tempranos arquetipos de villanos de serial como Fu Manchu, o en el caso de Columbia los villanos originales que creaban los viejos seriales de Batman.

The Man They Could Not Hang  es un ejemplo del cine de científico loco tan popular en la época y el más apropiado de todos, cierto que no llega a abrazar todas sus características y esta no es la mejor en la que Karloff actuaría como se vio en 1944 en House of Frankenstein, con una de sus mejores interpretaciones y abrazando por completo la locura y falta de humanidad de este arquetipo.
Considero también importante por lo que creará en el futuro, villanos a los que inspirar, duologias inigualables, y un nuevo nacimiento de terror que puede hacer que los fanes de la saga de Saw (2004) se interesen por explorar de dónde vienen cada idea y aquellas historias que les influencian.
Como siempre digo, las grandes ideas tienden repetirse en distintas formas, y aquí tenéis mi ejemplo.

OK, esto está hecho, espero que os haya gustado, y siento mucho si no he podido poner clips de la película, pero os dejo en el enlace del título la película completamente libre de derechos en Dailymotion.
Esa es otra cosa que me encanta de estas películas de Karloff, la duración es muy corta para lo que estamos acostumbrados, aquí 1h y 4 minutos, ¿no es un chollo?
En fin, para los entusiasmados no os preocupéis, algún día abordaremos a Dr. Phibes, después de todo es una de las mejores películas de Vincent Price y soy un gran fan.
En cuanto a Saw... sí, eso será más difícil, aún hay cierto murmullo negativo por el "gore" y su fama de "torture porn" y necesito tiempo y motivación para saber cómo traer la historia a vosotros lectores.
Espero que os haya gustado esta pequeña aportación, y una vez más gracias por leerlo.
¡Ya nos veremos!

First Blood (1982)

Aquí en Under The 12 Scripts hemos hablado de los modestos orígenes de Sylvester Stallone y como ha estado aprendiendo en el mundo del cine después de sus éxitos con Rocky, y sus dos continuaciones demostrando no solo ser un actor bastante notable, también un guionista con habilidades que resultan novedosas para un nuevo público y críticos de cine.

Hoy comentaremos uno de sus más que conocidos trabajos, uno que realmente le pone en un estado de depresión a decir verdad, la historia de Rambo aunque entre en el cine de acción siempre ha sido una historia muy seria para SLY debido a los acontecimientos que le siguieron a los veteranos de la guerra de Vietnam tras volver a su patria, y tristemente John Rambo es una representación directa del resultado de la sociedad americana.
Una película que aunque siga a un personaje ficticio, desarrolla un comentario y una crítica social muy resonante en su salida, y toma una gran consideración de riesgos entorno a la historia y el cómo no la exploran en el propio territorio de Vietnam en comparación con futuras películas que toman la idea como en Forrest Gump, Salvar al soldado Ryan o El Pianista, o La Lista de Schindler.
No es que llegue First Blood a la altura o vaya en un camino similar, pero es una comparación que señalo en orden de dar crédito a la historia que cuentan, alejada del foco de guerra, y más bien en una lucha interior.

Hay un total de 4 películas en la saga pero la más establecida en su mensaje y el personaje es esta,

First Blood, también conocido como Rambo: Acorralado o traducido directamente al título en Sudamérica, Rambo: primera sangre. Esta no es una cinta en donde la prioridad y la dirección van dirigidas a la acción típica de los años '80 o hasta cuantas explosiones podemos meter en el metraje, sino al estudio de nuestro protagonista, John Rambo (Tal vez por eso Stallone se apuntó al proyecto) un trastocado veterano que está pasando dificultades y vagabundea por todo el país, y cuando llega al pequeño y apacible pueblo de Hope, el Sheriff y la policía local le hacen pasar por un mal rato que le llevan a la paranoia completa en donde escalará en una guerra entre un solo hombre  y toda la fuerza de la autoridad, no solo luchando en armamento sino también en combate.

SLY y Ted Kotcheff.

Creo que la introducción al personaje es una escena tremendamente infravalorada; la pausa, la cortina negra, la exitosa música de Jerry Goldsmith que pronto se asociará con la soledad de Rambo bajando la colina, ("It's a Long Road") más la repentina melodía de alegría y confort en un entorno digno de retirarse con la risa de los niños, el verde del campo y el agua azul y cristalina crean implícitamente lo que busca nuestro personaje, lo que realmente espera de su país, nada más claro tras ver la sonrisa grabada.
Pero esa es la tragedia de Rambo, su pasado no le dejará vivir esto porque no fue entrenado para vivir en paz, su vida nunca fue fácil y no lo será tampoco ahora.
Destacado trabajo el de nuestro director Ted Kotcheff quien estuvo disponible a dirigir la película desde 1976, pero la espera se nota que lo ayudó a asimilar la ambientación de la historia y el tono gracias luego a Stallone.
No hay mucho en su resumen, pero establece una técnica y dirección muy similar al que en un futuro Stallone crea, ofrece momentos de buena cinematografía durante el principio y el final del metraje, al igual que otras escenas como Rambo junto al fuego, caminando por la carretera o en situación de estrés y peligro; llena por completo la pantalla de propósito y significado en el hombre en cuestión como aquí con la visita a Delmar.

Esta es una escena legítimamente trágica y Sylvester Stallone expresa de forma natural todo tipo de  emociones, ilusión, ingenua alegría y optimismo, para luego transformarlo en una profunda expresión de sorpresa, tristeza, represión de sus sentimientos,  y puro dolor.
Las noticias de Delmar hablan por si solas, la música y la distancia que se toma toda la presencia de la cámara, el dejar la foto con la viuda. El espectador instintivamente siente su vacío, y en lo que está latiendo ahora su cuerpo durante TODA la película.
La importancia de la escena es fundamental en lo que pronto se está construyendo en la psicosis emocional del personaje, y también para darnos una idea de quién es y en quién se convertirá poco a poco al llegar al "apacible" pueblo.

Su entrada en Hope y su detención es... interesante, a la par que injusta y es uno de esos momentos en el que no importe si eres nuevo o no en la película, te obligan a escoger un lado y no hay quien se libre de quedar como un hipócrita.
Personalmente me siento más relacionado con Rambo, tristemente veo en él muchas características muy similares, ambos sufrimos de depresión a raíz de trágicos eventos y comparto su soledad y deseo de que me dejen a mi aire sin que me molesten, y de que si no me causan problemas yo tampoco me meto en ellos. ¡Pero tampoco es que me deje llevar por mis impulsos e ira para pagarlos sobre mis atacantes! Esto es un caso evidente de que nuestras vidas no son comparables con la que ha vivido y por eso la película trata de querer que simpatizamos en Rambo y en lo que sufre, para poder luego juzgarlo en todo First Blood.

Sheriff Teasle es más complicado, esta es la cosa, a primeras es el cretino de la película, el estereotipado que merece todo castigo que se le caerá encima (Desde el árbol seco en Silly Symphonies de Walt Disney, hasta Biff Tanen en Regreso al Futuro, el más soso cliché jamas morirá...), pero hay más de este hombre en los primeros minutos. Se le ve conforme, tranquilo, disfrutando de la mañana, charlando con Rambo de una manera civilizada cuando le recoge.
Es solo otro pedazo de personaje que cuida que las cosas sean tranquilas e iguales para todos; pero sus prioridades rozan a prejuicios no solo ante Rambo, ¡sino también ante todo personaje que se parezca a él! Lo considera un vagabundo, un muerto de hambre que busca limosnas en un pueblo que tiene una imagen pulcra y familiar que no puede permitirse tener a un andrajoso y sucio hombre entre sus lugares, negándole ir a una cafeteria o un hostal, y dejándolo advertido y forzosamente a la salida para el próximo pueblo a kilómetros.
¡Eso es cruel y propio de un hijo de perra! Crédito a Brian Dennehy por supuesto, realmente hizo que me creyera que odiaría tanto a un personaje, tanto que si hubiera estado en 1982 viendo First Blood en el cine, habría escupido sin reparo a la pantalla.

Esto es también prueba de que están trabajando con un buen guión, y la implicación de Stallone en cambios muy significativos, en especial para darnos una situación en la que es difícil escoger un bando, y un conflicto que cae en malentendido o prejuicio pero que sigue dejando al espectador sin saber qué lado apoyar y decide ser testigo de los actos de Teasle y sus consecuencias.

Usa su autoridad inexcusablemente y su forma de juzgar están fuera de lugar (Y eso es una pequeña prueba de lo horrible que representa el líder en el cuerpo, este es el sheriff, el resto de miembros van por el mismo camino) es patéticamente injusto, pero a pesar de todo, no puedo decir que se mereciera el final que Rambo le da.
Existe una escena en el que Teasle le rebate a un compañero de Rambo que nada excusa su comportamiento simplemente por haber sufrido en Vietnam, ya que él también ha sufrido a costa de la guerra; y sinceramente... no me lo trago. Eso hace que pierda toda simpatía por él ya que obliga de manera oficial ante la Guardia Nacional, el ejercito y a nosotros el público, que ya ha tenido experiencia con el trato de veteranos en su vida, o que él también forma parte del mismo grupo ¡y no, no es que esté equivocado, pero es un farol de mil narices que nos haga creer que habría evitado todo esto de haber sabido su experiencia militar!

Es más, voy a compartiros algo que creo al ver la película por tercera vez.
Teasle durante el trayecto en el coche lleva las riendas de la conversación y escuchándolo atentamente me atrevo a decir que Teasle SABIA que John Rambo podría haber sido un veterano de guerra. No nos hagamos ciegos, aunque la película no lo exprese directamente se leer entre lineas, por no decir (Y esto lo he visto yo mismo) que en EEUU es muy común desde los '60-'80 y más ahora después de Irak y Afganistán, la notoria presencia de veteranos sin hogar que no se les permitió volver a reintegrarse civilmente.

Rambo o Acorralado va hablar de que la guerra de Vietnam provocó más daños que victorias, pese a las razones militares que tengan para justificar su presencia, y el pueblo estadounidense dando la espalda su implicación en ella, llegando muchos a modo de protesta a escupir a los combatientes a su vuelta.
Está bien condenar la propia guerra, como el autor David Morrel deja claro, y no es el mismo caso que la Segunda Guerra Mundial en donde una colaboración entre países ponen fin a una ideología asesina, pero este es uno de los más horribles casos en la historia americana y ese trato no acaba en Vietnam porque también el público les trae la guerra también a su entorno, negándoles trabajo, criticando a aquellos que también han sufrido sin saber que muchos de ellos son capaces de estar enfermos mentalmente, como John Rambo.

Basicamente cuando estalla deja claro este punto, pero no saltemos aún al final.

Una vez es detenido por "no obedecer a la autoridad y vagabundeo",  Teasle le humilla, y el resto del cuerpo lo llevan al extremo, con Dave Kern (Bill McKinney) llegando prácticamente a torturarlo para demostrar prácticamente hombría y dureza en contraste con este veterano de guerra una vez que conocen que tiene historial militar.
Kern demuestra un prejuicio directo de lo que hemos hablado y no es de extrañar que toda esta situación, el dolor, la humillación, el que le hayan  quitado a Rambo su cuchillo de caza (Probablemente  su ultimo recuerdo y objeto en memoria de su vida en guerra con sus compañeros) despierten en Rambo recuerdos de cuando fue capturado y torturado por el Vietcong, llegando escapar de todo el cuerpo de hombres, robar una moto y refugiarse en el bosque.
¡Ahora es cuando la película empieza a ser ese desenfrenado festival de acción imparable tan asociado con Sylvester Stallone!

Viendo la escena de su captura y el como se interpone con la comisaría y las torturas, es sencillo decir que John Rambo sufre de PTSD, o Síndrome de estrés postraumático, ocasionada mayoritariamente en soldados, trabajadores de obras o incluso en empleos locales como bomberos o policías. Rambo es perseguido mentalmente por estos recuerdos y los revive una y otra vez, provocándole angustia de una intensidad casi imparable.
Normalmente la recuperación es algo natural, pero en casos de eventos más graves son constantes y casi irreparables al enlazarse con estado de depresión.
Un estado de estrés incluso letal de acuerdo a estudios en 1983; tan solo leed las historias que Wes Craven cuenta sobre de donde se inspiró para hacer Pesadilla en Elm Street (1984).
Tristemente la película no aborda directamente el tema de la misma manera que Taxi Driver con Travis, tampoco llegan a comentar el hecho de este problema mental, ambas películas deciden representar los síntomas más comunes que los veteranos de la guerra de Vietnam tenia de PTSD, pero no el hecho de que no están operando bajo un 100% del control natural que tienen.

Recientemente llega a mí como ejemplo la exitosa serie de animación Steven Universe de Rebecca Sugar, prueba de que incluso una serie dirigida a un público joven y adolescente puede profundizar y hablar del PTSD en personajes que al igual que Rambo actúan trágicamente con dolor y profundo trauma; allí en el personaje de Lapis Lazuli prisionera en una guerra en la que no participaba, pero que demuestran de que aunque irreparable puede descansar y desahogarse en el consuelo de un amigo en este caso el personaje conductor que va siguiendo el público, la solución está en hablar e importar que te escuchen y cómo te ayuden, ¡gran trabajo Rebecca! Más de lo que diría del sector en América en donde ni identificaban este problema o tenían interés por remediarlo.

Diría que es muy común esta actitud, sobre todo en la América de Reagan, donde la idea de mantener el bienestar público de este sector tan minoritario es costoso e innecesario a gran escala, y esta atención no fue correctamente diagnosticada o tratada.
¡Pedazo de cabrón, pero eso es otra historia!

"It's Grand Theft Auto the video game The Movie"
No soy el primero en decir este chiste pero dejándolo de lado, mirad la expresión de SLY aquí, claramente pone a Rambo en un estado de tensión, no actúa conscientemente en su huida y parece más enfadado que preocupado por huir o qué ha hecho.

Otra cosa que da a First Blood más características y ofrece en su historia es Rambo una vez la gota ha colmado el vaso, en vez de seguir la dirección típica de peleas y combates Rambo se oculta en el bosque del cual se mueve y se camufla con naturalidad y decide afrontar al corrupto y matón cuerpo de policía por medio de sigilo, silencio, delicadas trampas para inmovilizar y hacer que pierdan ventaja en el terreno pese a estar fuertemente armados en comparación con Rambo.
Una ventaja que ha permanecido intacta en el cine hasta la llegada de Ted Kotcheff que la filma con la máxima veracidad posible; es más me atrevería a decir que hay algún que otro momento en que el camuflaje llega a engañar al espectador (al menos a éste debo decir).

Otra cosa que dice mucho sobre el personaje es que aunque parezca que se haya vuelto duro y loco, nuestro protagonista no ha ido completamente violento, una vez que acecha y pilla a Teasle por sorpresa le pide que dejen de perseguirlo, que no usen como excusa su abuso de control sobre un detenido y no pongan su huida como otro motivo para una detención teniendo en cuenta el dolor por el que ahora ambos han llegado.
Es aquí cuando Teasle empieza a camuflar sobre los demás actos que hace Rambo para excusar su captura, Teasle está más por demostrar quien manda en esta jurisdicción sin importar el pasado del sujeto o lo que hayan hecho sus hombres, como si tuviera que demostrar algo.
Así debió de sentirse también Kern, aunque más ambicioso y lleno de ira; y su muerte es tremendamente estúpida pero que no quita seriedad al asunto, Teasle ahora tiene un motivo de peso para perseguirlo y acabar con él, a pesar de que Kern es responsable con el Sheriff de parte de lo que ha sucedido.

La implicación de la Guardia Nacional toma las riendas para ira de Teasle que no deja de malograr a John Rambo hasta que aparece el único personaje que sale en su defensa y en su ayuda, el coronel Sam Trautman interpretado por el genial Richard Crenna, lo digo en serio, su aportación como mediador en la trama para el público y la situación de Rambo, prueba cierta fuerza y justicia, es la voz de la razón en un momento en el que incluso la policía y el resto de la Guardia parecen haber perdido la cabeza en la caza de un solo hombre.

Su posición no solo le da algunas de las mejores lineas de toda la película, sino que también llega a relacionarse con Rambo en momentos de tensión brillantemente filmadas. Tan solo ved la escena en la que Trautman consigue hablar con John por la radio, como se ponen al día por la muerte de Delmar y el resto del comando, quedando ya solo Rambo y su deprimente vida.

Pero hay algo que incluso Trautman FRACASA en percibir, tanto como si fuese una representación del ejercito norteamericano, y es que subestiman a sus hombres.
Trautman nos comenta que Rambo no es un simple "Boina Verde", es el último miembro de un escuadrón entrenado para ser el mejor en el campo de terreno enemigo, la perfección en reflejos, comando, combate e insuperable condición.
Y sí, suena bien verdad, un orgullo para muchos, pero, ¿qué hay de Rambo como persona?
¿De verdad esperaban que después de haber sido capturado, torturado, y haber matado a incontables soldados no presentara remordimientos?
¿Qué de vuelta a su vida civil no le importaría lo que los demás "creen" que ha hecho en nombre de su país? ¿Qué la violencia o la adrenalina de la batalla no le afectaría a su vuelta, hasta el grado en que lucharía contra todo un cuerpo de policía de pueblo que no tienen ninguna oportunidad contra él?

Rambo es olvidado incluso por el ejercito, una vez que su cometido ha terminado no expresan intención o participación en ayudar a casos como él a ser reinsertados de nuevo a la sociedad o a que consigan un trabajo, y pese a todo, Trautman es ignorante de los golpes que la ha dado la vida incluso a su buen amigo. Y ya nada le podrá encaminar para no retribuir el "primer trazo de sangre" a Teasle, sobretodo cuando empiezan atacarle con armas automáticas e incluso con un lanzagranadas, dandole por muerto al derrumbarse sobre él un túnel abandonado, hecho que vuelve a reforzar el PTSD.

Entorno al desenlace, Rambo aprovecha de la presencia de la guardia y se prepara con todo su armamento para ir a por Teasle, quien una vez que sabe que su mendigo sigue vivo decide tomar la situación para satisfacer sus ganas de matarlo que antes le habían privado, planeando atacarlo desde la comisaría en una posición que le aventaja.
Teasle ya ha pasado todo radio de cordura, es consciente de todo lo que ha vivido Rambo gracias Trautman, se le ha explicado por uno de los novatos de la policía la ida de olla que Kern tuvo con él, como se desfogó torturándole y la certificación del piloto del helicóptero de que su muerte fue más bien causada por un accidente al sobreevolar terreno no asegurable, pero nada parece entrarle en la mollera, ni siquiera culpa propia por lo que ha desencadenado, es literalmente el ejemplo del adulto que cree tener la razón y quiere hacer las cosas a su modo.
Una vez más y ante una silenciosa escena pero al mismo tiempo en tensión por la oscuridad y la ausencia de personas, Rambo y Teasle se enfrentan en un tiroteo que se amalgama una vez más a una atmósfera difícil de describir, una ambiente que cierra esta pequeña historia de John Rambo en First Blood.

Normalmente suelo ver Acorralado en su doblaje en castellano, con Ricardo Solans doblando sin errores a SLY y ¿Arsenio Corsellas? a Richard Crenna, y aunque hacen un trabajo igualmente de bueno durante la película, el diálogo final pertenece a Stallone, no es equiparable como se hizo en Rocky y aquí el doblaje en español no llega a captar del todo este trágico momento.

Tras verlo en conjunto ESTA es la escena que más destaca para mí y muchos otros, y uno de los diálogos más dramáticos y bellamente realizados por Sylvester Stallone hasta la llegada de Rocky Balboa en 2006 (o incluso la supera, es digno de debate).
Es una de las mejores escenas del cine no solo por lo que simboliza para muchos veteranos y el personaje, sino también porque Rambo finaliza el estudio de su personaje explotando y desahogando su vida en manos de su único amigo y nosotros, el público, los testigos de su trayecto hasta este acorralamiento físico y emocional.
No es algo común ver en este tipo de películas en donde un destacado actor de acción se reduce a su más débil estado y llora ante otra figura adulta, pero Rambo no teme ir a ese paso.
Y sinceramente, me encanta mucho más al verlo enlazado con el final, es una escena capaz de tocar el alma del más frío de todos los espectadores, y Stallone se lleva un premio por ello.

First Blood es de igual acción como emocional, prepara a su personaje en un viaje que será difícil de ignorar para muchos espectadores. Stallone es increíble, uno de sus mejores papeles aunque no se volviese a captar de nuevo la estela que Rambo sigue aquí.
A diferencia de la novela de David Morrel en donde el personaje se suicida, Stallone y el director Ted Kotcheff entienden que en la gran pantalla el personaje tiene más peso y su desarrollo no llegaba al mismo punto que el personaje original, pero yo abogo más por este cambio, morir es fácil en cualquier obra, pero crear drama, construirlo durante todo el trayecto para hacer que conectemos con él y sintamos su situación hasta el punto de llorar y que no sintamos otra cosa que pena o lástima, eso es difícil y esto es lo que obra y consigue esta película.

Hay diferencias muy notables respecto al libro, y aquí os dejo un video de CineFix para los que desean saber más sobre el libro y su versión del personaje.

Al contrario que Rocky, un personaje que simboliza que los sueños merecen la pena de seguir y en donde lo que importa no es solo ganar, sino también llevar tu cuerpo y tus deseos al límite por hacer lo mejor que puedas e inspirar a otros como un modelo a seguir; Rambo es exactamente lo contrario, aquí el caso de una persona que necesita que lo ayudemos, darle espacio, entender su situación y evitar que evolucione en una persona perjudicial para él mismo; simboliza un personaje que necesita de nuestro apoyo para salir de su mundo de trauma y tortura, y debemos aspirar a eso, ayudar en todo lo posible para que salgan de ese oscuro rincón por si mismos. y que finalmente pasen página.

Esto es lo que para mí simboliza John Rambo una vez que Stallone le interpreta, y debido a eso First Blood es una de las mejores películas hechas, tal vez no disponga de grandes escenarios o un presupuesto de millones con actores de talla A, pero menos es más, la historia es bastante directa con un escenario natural y modesto que lo hace ser más realista hasta que todo explota por el gusto de la acción, pero hay sitio para ser serios y demostrar un comentario social necesario y problemático en EEUU.

Me gustaría poder decir más y seguir analizando pero esta es una película que recae más en emociones y la actuación en la historia y lo dicho es más que suficiente.
Incluso Stallone al principio no lo vio como la influyente película que es hoy en día, de acuerdo al documental Inferno en donde expresa que los grandes trabajos siempre están en el ojo del huracán, el primer corte sin editar fue horrible para él, sobretodo en sus diálogos llegando a catalogarla como un pequeño milagro que no esperaba recibir del público.

Espero que os haya gustado, si sois fans de Rambo decidme qué os ha parecido esta entrada o si queréis también que hablemos de alguna de sus continuaciones junto con más sugerencias.
Gracias a todos y nos vemos en la próxima entrada, ¡pasad un buen día!

Superman: The Movie (1978)

2018 se suponía que seria un año en el que me centraría en celebrar varios aniversarios de muchas películas que pudiese analizar pero al mismo tiempo celebrar el recorrido de lo que ha supuesto no solo como fenómeno cultural, sino también como obra del cine ante nosotros, el público.

He fallado en analizar El planeta de los simios.

He fallado en criticar 2001: Odisea en el espacio.

No he podido abordar el recorrido de todo el MCU con su modesto inicio en Iron-Man.

Y casi no consigo poner la entrada de Halloween a tiempo. Vamos que fracaso tras fracaso tras rotundo montón de borradores que me persiguen, así sin más.

¡Pero vaya si me niego a pasar después de todo esto el hablar del cuadragésimo aniversario de Superman (1978) conque hagamos ojos que no ven al hecho de que debería hacer una crítica navideña y hablemos antes del personaje en cuestión!

Superman de 1978 es la primera adaptación del personaje en un largometraje, dirigida por Richard Donner y producida por Warner Bross. En los años 40-50 ya hubo actores que interpretaron al Hombre de Acero en los seriales de la época y la televisión como George Reeves, pero esta es su primera adaptación de gran producción y celebres actores ante un director de notoria reputación en esta productora.

Este año también se celebra 80 años desde la creación del gran boy scout del cielo; y también la salida del número #1000 de Action Comics la serie regular en la que comenzó a aparecer desde 1938.

El numero #1 presentó al Hombre de Acero a manos de Jerry Siegel y Joe Shuster sus indiscutibles creadores, quienes vieron la doble identidad del personaje igual de participativa que su lucha por la justicia, el crimen, y el modo de vida americano, con la icónica portada que demuestra la fuerza que le mueve en tal humilde idea.

Jeje, ¡chupate esa Butch, 80 años y tu viejo coche siempre ira al monte del desguace!

Desde entonces el personaje ha evolucionado de una manera impensable, nadie jamas habría previsto en lo que se convertiría en el resto del mundo y en la propia industria del tebeo.

Y menos sus creadores pero eso es otro tema legal.

Muchas personas y lectores de cómics tienden a insultar a Superman o a infravalorar su contribución como figura popular en el medio como en la mente colectiva; pero Superman conforma el origen de las características de los superhéroes como el tributo a los disfraces de inmigrantes circenses, habilidades excepcionales y similares a la mitología griega, y la distinción de los oscuros héroes Pulp, sin olvidar su historia de este ser ajeno a nuestro planeta y que aún así le convierte en el personaje más humano por como caló en su momento el concepto de inmigrante que lucha por el modo ejemplar de vida americana que toda persona tiene derecho a vivir.

Una auténtica imagen inspiradora para muchos en su momento y una de las razones por las que admiro al personaje y le tengo en gran estima, es puro símbolo y ejemplo.

Su símbolo en el pecho la S ahora es una imagen reconocida por todos, producto de incontables mercaderías, y un temprano uso de simbolismo en el mundo de los cómics y mercado americano.

Durante años fui más inclinado de pequeño por otros superhéroes, pero siempre encontré distintos medios que me dieron a conocer a Superman y todo lo que lo hace especial en su historia; disfruté como loco con las 2 primeras películas y con mis hermanos cuando emitían en TVE, La 2 Lois & Clark: Las nuevas aventuras de Superman, y como no, La Serie Animada creada por los mismos que trajeron Batman TAS.

Más tarde puse fin a esto con la salida de Smalville serie que decide seguir la vida adolescente de Clark Kent hasta que se traslade a Metropolis para convertirse en Superman.

Más alla de los cómics con los que muchos crecieron y estas series, parte de la inspiración del personaje y lo que le mueve hoy en día es ésta película al entenderlo junto con la justicia que le hace Richard Donner en la historia, tanto que no teme en afirmar el eslogan publicitario de la película: 

"Creerás que un hombre pueda volar"

Por cierto, este poster es perfecto, simple pero impresionante por el uso de los colores y el espacio que le dan las nubes.

A primera vista podríais decir que Donner no hizo "mucho" en esta película y que ese sentimiento que parece abrazar todo el público con esta historia es algo pobre, ridículo y nada del otro mundo.

Estas opiniones (que he escuchado en varias ocasiones de mis amigos, sí lo sé...) necesitan ver la evolución y lo que representa y vive el personaje, y aunque es una historia que hemos escuchado miles de veces, no hay nada de malo por ver cómo lo afronta su primera adaptación a la gran pantalla.

¡Así que preparaos! Y veamos a Clark Kent entrar en Metrópolis para comenzar su primera aventura, amistades y sacrificios que van a saltar a su nueva vida como...¡Superman!

Que esta imagen de Renacimiento sirva como resumen de la vida e historia del personaje ya que voy a tirar de que conozcáis el concepto popular del personaje; y sino, bueno, Moises con aliens, dicho está.

¿Por qué no empezamos con lo malo de la película y así nos lo quitamos de encima?

Marlon Brando como Jor-El es como ver a un filósofo leer a Platón, no hay nada del tipo de actuación por el que es conocido, se ve que tampoco quiso poner mucho más de su voz y expresión en la película lo que daña parte del principio cuando lo ves en comparación de la apasionada y motivada actuación de Terence Stamp como el desterrado General Zod a la Zona Fantasma.

Y es una pena, el guión tiene muy buenas lineas que le corresponde entonarlas como se merece; pero no dura mucho puesto que absorbe parte de la secuencia de Krypton explotando.

Algo positivo, ¡Krypton se ve genial en esta película, me encanta la idea de un planeta cristalino y tan frágil como se ve (Esto inspirará al nuevo estilo de la Fortaleza de Soledad en los cómics), y el como se escala su destrucción en un frenesí y gigantesco motor para la introducción que comparte al espectador para el final similar en California! Por no hablar de la escena del juicio, una muy popular con maquetas bastante impresionantes y efectos que no paran de homenajear con los años.

Ver a Jor-El con el resto del consejo juzgar a Zod es un tenso momento que emplea gran iluminación y sombra, tensión, y un uso de la cámara bastante similar al que Richard Donner se enfocó en The Omen (1976) específicamente cuando va mostrando los ojos y temor del grupo ante la Zona Fantasma y Zod escalando más su voz en rabia hasta acabar en un intranquilo silencio que a toque de trompeta acecha sus destinos.

Y se suma a esa tensión la amenaza del consejo a Jor-El de sus intentos de advertencia y de como correrá el mismo destino que ellos si continua propagando el supuesto fin del mundo.

Ironicamente se agrega al drama de que aunque hayamos presenciado un destierro bastante memorable en el cine, esto podría haber supuesto la salvación total de la especie; pero como se ve solo Kal-El sobrevive de esa asombrosa explosión que no tiene nada que envidiar de la de 1977 con Star Wars. La explosión de colores y ver la nave surcar todos los distintos cuerpos celestes es un regalo para la vista, ¡toda una envidia para los que la vieron en su momento en el cine!

A esto se le compagina luego la vida de Clark en Smalville y los Kent.

Siiiiii, en el momento los padres de Clark fueron más desarrollados en los números de Superboy, por lo que aquí hay una idea superficial de ellos y del pueblo de Kansas, a lo que el resultado (por difícil de creer) es muy mediocre en comparación con el resto del film y futuros trabajos.

No sabría explicarlo pero su relación no se explica con palabras sino con muy breves escenas, pero crédito a Donner por dar esa sensación de 3 historias como si fuesen tres películas distintas. Ademas de eso, los Kent son geniales.

Cierto que verle marginado de sus compañeros es aburrido y nada nuevo de lo que ya nos hayan contado pero se volverá significativo al ver como eso "crea" la timidez y tartamudeo del personaje una vez adulto junto con su reprimida vida social. Más tarde su retiro en la Fortaleza de Soledad también moldeará más su fuerte convicción por el bien y su empatía y optimismo, conque el director como el actor son conscientes de que el personaje va evolucionando ante un motivo y causa, pequeñas intenciones pero ahí están, ocultas en tropos y clichés sosamente conocidos (Una vez más, mirad La Guerra de las Galaxias y comparad la frustración de Luke con la de este joven Clark Kent) y otros profundamente filosóficos y morales en señal de deseo y respeto a ambos padres.

Dicho esto, hay bastante drama y legítima tristeza en su partida, al contrario que Luke, aquí Clark lamenta mucho la necesidad de dejar a su madre para saber quién es, y se siente ante esa silenciosa actuación, miedo y grabación en un espacio grande y vacío para ser el hogar de nuestro protagonista.

No soy fan del adolescente y confuso Clark Kent, no le veo y a la vista parece que solo Tom Welling fue el único que nació para ese especifico rol, pero aquí es soso, débil y apagado, al menos hasta que le vemos movido por la muerte de su padre y tratando de encontrarse a si mismo (irónicamente encontrando la Fortaleza de Soledad, una genial escena para la voz de Brando que eleva la fantasía de la historia de Superman).

Para el momento la muerte de Jonathan Kent no se volvió en algo controvertido como en 2013, mientras que Donner lo prepara y suelta varios incentivos de su imprevista partida, esto crea un legítimo punto trágico de soledad, devastación y confusión por su identidad que esperábamos en el personaje, volviendo de nuevo a ese sobresaliente rail que salva las escenas en Smalville.

Jonathan Kent fue interpretado por Glenn Ford en una agradable actuación y también conmovedora, mucho más de lo que puedo decir de Marlon Brando por lo que mi sorpresa se torna entorno a él en esta maleable primera media hora.

Es digno de acreditar por la sinceridad en la que creé en el papel de su hijo en la Tierra, y vaya si acertó de lleno.

Esta introducción al menos crea un propósito (Que es más de lo que puedo decir de otras historias) y también construye cierto tipo de relato narrativo, comienza la historia de la misma manera que Walt Disney presentaba los primeros largometrajes de cuentos de hadas, salvo que aquí con la perspectiva de cualquier joven espectador preparándose para leer un relato popular, un cómic y sus ilustraciones que así reconoce Metrópolis, el Daily Planet y finalmente Krypton y su destino.

Es más el propio Brando habla por primera vez diciendo: "Esto no es fantasía". Tan solo una prueba más de lo indicado que era Richard Donner en la dirección para trasladar esta enorme historia como un relato de la misma magnitud que El Mago de Oz (1939) u otros clásicos, pero sin que interfiera su admiración por el personaje.

Y... ya está. Lo sé, algo curioso, no hay mucho más que tambalee la historia y la dañe en conjunto,  (Hay aún dos cosas más durante el final de la película, pero personalmente no las considero graves y las defenderé después) agradecemos a Richard Donner y a Tom Mankiewicz durante la revisión del guión, sin dudarlo confirmo que sin su intervención esta película habría ido en una dirección MUY DIFERENTE, con un sentido cómico y desentonado de Serie B al que se le verá más cercano en futuras e inferiores secuelas.

Tom, Marlon Brando, Donner y el productor Pierre Spengler, uno de los pocos que se presentó a trabajar e informar a Donner.

Eso no quiere decir que en esta cinta no haya un humor infantil o intencionado, no intento menospreciar ese sentido del humor, pero Donner encuentra el momento y su sitio en la historia, sabe como crear puntuales momentos sin distraer la trama (Otis y Luthor en traje de baño), sabe como enlazar también un humor con el optimismo del personaje para la película y no llegar a ser una distracción innecesaria ("¿Tú me tienes? ¡¿Pero quien te tiene a ti?!), y también y con mejor crédito, sabe emplear también humor en sí mismo con la historia y nosotros, un ejemplo:

El público y Clark Kent son los únicos que saben de la doble identidad con Superman, así Donner juega con la gracia en escenas como el ladrón del callejón.

Pero más allá del tono, su capacidad de reírse de sí misma y mantener la importancia de su historia en el film, tenemos a cada personaje participando en un conflicto moral durante el climático final en California, desde Jimmy Olsen hasta el propio Superman.

Luego plantearemos varias preguntas hasta ese momento en el que Kal-El debe de tomar una de las decisiones más fundamentales de su presencia en la Tierra, así que vayamos con Metrópolis. 

Las primeras apariciones del grupo periodístico en el Daily Planet son perfectas como anillo al dedo, con Jimmy (Marc McClure) molestando con la cámara a todos los reporteros desde el temperamental jefe Perry White (Jackie Cooper) hasta la única que le recibe con una irresistible sonrisa de jovialidad en su entorno de trabajo, la sensacional Lois Lane interpretada brillantemente por Margot Kidder.

Margot era antes reconocida en su papel en la película de terror Black Christmas (1974), pero hey, soy yo el loco del cine de horror y sé por contrato estas cosas. Su actuación mejora destacadamente aquí, dejándonos ver parte de una Lois Lane familiar pero a la vez nueva por conocer, llegando no solo a ser atractiva a ojos de Clark por estas razones, sino también a nosotros el público.

El personaje es bastante sólido de por sí y hacen que nos impliquemos en ella y esa admiración por Superman, y tolerancia pero también respeto por Clark.

Hay mucha belleza en Lois y Margot y es bastante profundo y versátil su proyección en la pantalla, puede que no sea la mejor, pero Lois siempre va evolucionando y Donner y Margot al menos establecen y encajan a la excelente reportera en su historia.

La química que hay también entre los actores ayudó muchísimo en la realidad y admiración en los personajes, puesto que bueno, Reeve y Kidder sentían gran admiración también entre ellos como se puede ver cuando defendieron a Donner por su despido.

No tiene nada de malo por ejemplo como Judy Garland interpretó a Dorothy pese al personaje abarcar más tristeza en los libros de "El Mago de Oz" y aunque no tuviese la edad exacta, siguió mostrando inocencia y un comportamiento que sigue siendo perfecto para el público.

Eso es lo que sucede con Margot Kidder y Lois Lane en esta película, con la excepción de que Lois no es Dorothy.

Lois es un personaje difícil de plasmar a primera vista, es joven, sagaz y muy dedicada a su trabajo, con lo que es capaz de hacer lo que sea por una exclusiva siendo por definición para muchos la damisela en apuros de Superman en innumerables ocasiones. Pero Lois Lane no llega a confirmar ese estereotipado puesto que siempre ha sabido luchar en todo entorno posible por conseguir la verdad y darla a la luz, llegando en más de una ocasión a ayudar a su héroe.

Ella es una mujer que nunca se ha puesto al estándar femenino de su época, y aunque aquí se presente ese lado entorno al final, Margot Kidder desarrolla un lado que muchos nunca hemos tenido en cuenta.

Su lado entusiasta, su deseo por conocer todo y explorar más allá cualquier explicación para plasmarlo en la realidad de un periódico, su lado blando y permisivo con Clark, el lado que disfruta de la búsqueda de esa información que no pasa de largo, la satisfacción de explorar esa especie de ardiente deseo que cobra en la forma de Superman. Un ser que le salvó la vida.

Por eso cobra tanto drama y tragedia su destino, puesto que el personaje más vivo de toda esta historia muere persiguiendo todos esos propósitos, y Superman protector de la humanidad y ser compasivo que valora las vidas ante todo la falla; y así es como sentimos su pérdida.

Con tanto poder y fuerza de voluntad en una sola persona, hay cosas que no puede cumplir, y ahora quiero que nos preguntemos:

1. ¿Qué hace a Superman justificar su declaración?

2. ¿Por qué Superman DEBE desafiar el deseo de su padre?

3. ¿Por qué es importante que Clark Kent sea Clark Kent?

Entorno a la primera hora y cuarto de la película (Que goza de un buen ritmo y expectación ante todo) Superman hace su primera aparición volando por Metrópolis para ir al rescate de Lois Lane y el helicóptero, ayudar a la policía ante un ladrón de joyas, salvando la vida de personas como de animales, y finalmente evitando más crímenes que se cometen cerca de la costa durante la noche.

Metrópolis se queda sin habla por su presencia. (¡ABRAN PASO AL MEJOR CHISTE DE LA PELICULA!)

Al igual que Lois y más tarde un molesto y escandalizado Lex Luthor, vemos al mundo del cine expandirse ante su presencia, siendo ahora Metrópolis un entorno incluso más pequeño de lo que era cuando vimos Krypton y Smalville.

Durante especulaciones, asombros, y duras críticas y raros intereses por parte de Perry; Superman le da a Lois la oportunidad de entrevistarlo y así el mundo conozca a su nuevo protector y justiciero.

Jor-El discrepa o al menos su mente artificial de los problemas que supondría en su vida y en la de los humanos; a pesar de que acepta que su hijo use su sobrehumana condición para ayudar, ve peligroso que interfiera en la humanidad:

"Eres prácticamente invencible y eso te encontrará enemigos que intentaran aprovecharse de ello hiriendo a los que amas" o "Si vives ayudando las 28 horas al día cambiarás el concepto de ayuda que ofreces y entonces te pondrás a ti y a ellos en peligro".

¡ESO ES UN BUEN EFECTO! Simple, pero se siente algo ajeno a lo que debiera para nosotros ser una realidad o vida artificial

Así en una romántica escena vemos a Superman y Lois hablando de Krypton, sus poderes, sus defectos respecto al plomo, y algún que otro chiste "rosa" que aseguró el puesto de Margot Kidder.

Y eso me lleva por fin a hablar sobre la actuación de Christopher Reeve y... ¿puedo decir algo que nadie haya dicho? Realmente no mucho, sin duda es Superman, no existe un momento que no demuestre su actitud ante su compromiso y el optimismo y bondad que refleja en cada escena como cuando salva a Lois y le pide que no desconfíe después de esta experiencia en volver a volar puesto que es el medio más seguro que existe y todo eso.

En Smalville puede vérsele teniendo un breve amor protector a los animales y en Metrópolis ya ha evolucionado a la preocupación por toda la humanidad.

Como Superman, no tiene miedo en mostrar todos aquellos aspectos que lo glorifican como personaje (De los que con los años otros se han avergonzado o han categorizado como femenino y nada realista) no tiene miedo de mostrar sonrisa, salvar gatos de los arboles, decir que está aquí  para defender la verdad, la justicia y el modo de vida americano, siendo la primera interpretación del personaje que puede definirse como BUENO, y me refiero al propio sentimiento no a una calificación.

Christopher Reeve entiende a su manera pero también globalmente el concepto del personaje y lo plasma más allá de lo filosófico. Como él dijo, ve su actuación y su representación como el lado bueno y necesario de un amigo, una mano que siempre ayuda con corazón.

Eso le hace para mí el mejor actor para interpretarlo y gracias a Donner por escogerlo de entre grandes actores y casting.

Conociendo tantos superhéroes con más cualidades y puede que incluso más grandes poderes, Superman destaca en lo que fue desde el principio para Siegel y Shuster. Una representación, una promesa a la humanidad, y no solo EEUU.

Richard Donner deja que el personaje sea una representación sincera de EL PERSONAJE, una representación popular y conocida por el público americano, y la hace grande sin que entorpezca los recientes sentimientos de patetismo ante un superhéroe que se ve movido por amor, optimismo, humildad e incluso cierto sentido de la justicia y la moralidad.

El Hombre de Acero demuestra cariño y preocupación cuando Luthor amenaza falsamente con una bomba de gas letal a Metrópolis, cuando cumple su palabra a miss Teschmacher, cuando pone parte de su nómina a su madre, cuando se abre oficialmente al Daily Planet para demostrar que no tiene nada que ocultar en sus intenciones.

Pero también su interpretación como Clark Kent es única y creo que el como maneja Reeve la dualidad del personaje y el como permite Richard Donner que se ajuste y luego guiñe al público cuando nadie ve en la trama conforman también lo importante que es para Clark que mantenga su identidad humana y la desarrollen con cierto humor meta-linguístico.

Mirad el final de la entrevista la diferencia en la actuación de Christopher Reeve cuando recoge a Lois como Clark, durante un momento parece dudar de enseñarle ambas identidades, se encorva, se quita las gafas dejando ver al héroe, pero vuelve de nuevo con el tartamudeo la voz débil el pelo engrasado con las gafas y el sombrero y su figura algo abultada e inclinada.

Pero ese cambio demuestra una gran versatilidad por parte de Reeve que creo que es ¡perfecta!

Yendo rápidos a la parte técnica y prueba de la actuación es cuando Superman y Lois deciden volar por la noche.

Es mi escena favorita de toda la película, y una de las mejores que justifica el eslogan de este hombre que vuela, los efectos que realizan ya sean el cableado son buenos, pero hay algo más que la hace legítima, un duro trabajo que es una de las lecciones de este efecto que nos ofrece Zoran Perisic y su sistema Zoptic.

La música es sublime a manos de John Williams y sin dudarlo que aquí tenemos algunos de sus mejores trabajos; es más, Donner y algunos productores llegaron a llorar por como creó el ahora conocido tema de Superman. Ese enérgico murmullo que luego explota en trompeta y triunfo también ha inspirado futuras composiciones como a Shirley Walker en las series animadas y a Danny Elfman en Batman (1989). Pero es la suave música de cuerda la que me capta en esta escena junto con el bello monólogo interno que Margot Kidder recita sobre como Lois acepta este tipo de ilusión que tendría de niña; por algo se les ve antes identificados como Peter Pan y Wendy.

Como diría Donner, la referencia indica que estos dos van a compartir una experiencia dulce, honesta y real, tal y como Wendy y Peter tuvieron.

Pero si algo he aprendido es que en toda historia, todo momento alto de mayor logro y felicidad, debe bajar a su más dramática y oscura situación.

Hay mucho que tenemos cubrir si vamos a hablar de los aspectos morales y éticos de la película, puesto que Richard Donner puso bastante pensamiento e intención en la construcción del personaje conque enlazaremos esta fantástica escena como prueba de lo que Clark Kent cree, y el trágico error que ha cometido. Empezamos:

1. ¿Qué hace a Superman justificar su declaración?

Durante la entrevista Superman menciona a Lois Lane que luchará por Metrópolis ante los ya dichos ideales que no comprometerá, y aunque Lois y él comparten discrepancias y chistes, El Hombre de Acero le asegura que él nunca miente. Esto es más que una respuesta a algo insustancial, es una fuerte declaración basada en la ética que según él sigue.

Pero eso no es cierto, ¿verdad? Superman miente al decirlo como Superman, él es Clark Kent ante todo, pero cree firmemente esto que siente la necesidad de decírselo a Lois sin ningún compromiso.

Naturalmente es humano (Sí lo sé, pero para él es un cumplido) ha errado en ello, pero ahora Clark deberá afrontar las consecuencias que Jor-El le advirtió, con Luthor determinando su debilidad y su ingenuidad.

Frederick Nietzsche y su concepto del Übermensch sirven aquí como justificación de la moralidad y nuestro concepto del Hombre de Acero.

Como muchos sabréis el filósofo alemán define este "superhombre" como el futuro ser (La acepción del género es neutral, ¡brillante!) que no necesita un sistema de valores y ética más que el suyo, un nuevo hombre sin ninguna religión que lo ate, que todo lo que realice será "bueno" y siguiendo la realidad junto con sus sentimientos primarios o pasiones, ira o incluso deseos.

De excepcional físico y fuerza, e inspirador como un futuro sueño, una nueva meta.

Es más "über" significa por encima, un individuo que declara ser superior en todos los aspectos.

Erróneamente se ha clasificado a Superman como la perfecta figura de Nietzsche, pero negando esto solo confirmamos porqué es tan especial y humano. E incluso superior a tal figura.

Clark Kent es imperfecto, es nervioso, ordinario, sin mucho gancho para entablar una relación social; su identidad secreta es la parodia de un dios ante los seres humanos. Pero eso no es algo malo.

Superman no obra en todo lo que hace como bien, como nosotros también debe tomar decisiones que no importa la que sean puede repercutir en hechos negativos o dañinos, y él es consciente de ello, mientras que el Übermensch no le importa o no lo vería así.

El Übermensch transciende la ley, Superman no, representa la ley o al menos una parte de ella en una interminable batalla y por lo tanto su ética es nuestra ética a la hora de defendernos o representarnos.

El Übermensch se considera una meta, pero no nos representa ya que son sus actos los que nos obliga a la mayoría a adaptarnos a su modo de vista, un modo de conducta ajeno al nuestro e incluso injusto y cruel. Así, Superman mantiene actos humanos y un compromiso como los de un policía o un bombero, pero es su poder y su conexión y enseñanza como Clark Kent lo que asegura que está aquí para obrar bien y disposición de lo que afirma a Lois.

Dr. Manhattan de Watchmen es un más exacto ejemplo del "superhombre" del mundo de los cómics, claramente por su tremendo distanciamiento de la humanidad y actos casi de dioses griegos, tanto buenos como malos. Sobretodo malos.

(Quisiera dejar como pretexto la conocida escena de Kill Bill vol. 2 con David Carradine, una genial escena que muestra como este degenerado personaje incluso cae en una mala interpretación de uno de sus personajes favoritos, entendiéndolo al principio pero fracasando al final. Gran escena de Tarantino.)

Pero en la ciencia ficción o estas historias no hay mejor ejemplo para relacionarlo que Khan Noonien Singh de Star Trek. Khan fue creado genéticamente como un ser superior con muchos otros para liderar el resto del planeta, un ser humano al que dotaron de excepcional físico, mente, y un terrible concepto de logro y amoralidad ante los demás seres inferiores. Es cortés, es un líder nato, pero ante un gran poder hay una gran ambición y Khan tras ser rescatado y en deuda con sus salvadores del Enterprise, toma el mando de la nave por la fuerza para despertar a sus hermanos y hermanas y colonizar de nuevo un planeta ante su cruel punto de vista.

Bones como médico de la nave ha estado supervisando su despertar y en un inesperado momento, Khan instantáneamente le pone entre la vida y la muerte, y en una de las mejores escenas de la serie, Bones le responde con fuerza y sin miedo, y este valora su coraje.

Este ejemplo para los que lo conocen es perfecto como antítesis de lo que se supone que define a Superman, y justifica su lucha por la verdad y la justicia, porque al contrario que Khan, Superman ve a la humanidad como parte de ella, no como un ajeno ser superior para controlarlo o gobernarlo; eso nunca ha sido siquiera el objetivo que Jor-El hubiese querido que tuviese.

Ve sus poderes como un legado para compartir, en este caso para bien para luchar por nosotros, y decide usar esos medios de una forma muy altruista en una empresa que nunca se verá comprometida; y si eso sucediera, no os gustaría ver a ese Superman (Lord Superman o Injustice Superman) pero eso es otra historia.

Lex Luthor también encaja en ese mismo concepto y resulta en uno de los villanos más sorprendentes de todo el imaginario colectivo, puede que incluso más que El Joker.

Mientras que Khan es el Übermensch, Luthor pretende serlo inconscientemente.

En los cómics, más que en las adaptaciones, Luthor es un personaje que no puede concebir la deidad que llega a ser Kal-El, o al menos de forma privada, detesta como puede llegar a entorpecer sus medios y cuestionables procesos en los que ha llegado a situarse, y su intención es exponer a Superman como una figura falsa, a lo que el superhéroe le cuesta poder incriminarlo de delitos y participaciones en ellos.

Gene Hackman interpreta un filosófico y adelantado a su época Luthor, que se aísla del mundo bajo tierra porque al contrario que Superman, desea mantenerse oculto por todo lo que debe esconder, su capital, sus operaciones y su plan final, entre ellas sus intenciones hasta el clímax.

Una vez más este Übermensch seguirá sus mas instintos de ira y retribución por su padre para acrecentar su poder, aunque este supuesto hombre no siga siquiera vivo para verlo. ¡Vaya, Luthor está más roto de lo que yo creía en esta película!

Hackman interpreta bastante bien a este calculador y culto villano, puede que sea para muchos ridículo en cierto grado, pero eso no lo hace menor a la amenaza que representa, sobretodo por esa búsqueda del poder que su padre le enseñó.

Su primer acto es nada más ni menos que matar a un detective sin ninguna implicación moral, y como da a entender al público y al inepto de Otis (Ned Beatty)  que esta no es la primera vez.

Luthor es un hombre tremendamente sólo y al contrario que Clark en su juventud, no necesita la compañía de nadie para encontrar un sentido en su vida. Lo más cercano son sus ayudantes, pero Luthor solo los usa o está con ellos por el mero placer de demostrar su inteligencia y enseñarlos.

Miss Teschmacher (Valerie Perrine) es una mujer que para la época se la consideraría el canon de belleza femenina que todos los hombres desean, al menos respecto al físico.

Es bella, contestona y de gran carácter, pero Luthor no ve nada de eso en ella, o al menos no de la forma en que Clark Kent vería a Lois Lane por ejemplo, porque para Luthor solo el conocimiento y el poder es lo más vital en su subterráneo mundo.

Un perfecto Übermensch en contraste.

De primeras Luthor ve el traslado de una serie de misiles militares como una gran oportunidad para acrecentar su poder y como enseñanza en su infancia, tomará los medios para lanzar uno de ellos en la falla de San Andreas en donde seísmos provocarán una inundación en todo el estado de California.

Lois está en ese momento realizando un reportaje acerca de la súbita compra de todos esos terrenos por un anónimo magnate; esas tierras son la nueva forma de gobierno que Lex Luthor planea obtener a costa de vidas que no significan nada para él. 

Tengo que admitir que yo también pensé en su idea como un punto flojo pero ahora veo la amenaza de lo que supone, y la enfermiza curiosidad de Luthor para poner a prueba al Último Hijo de Krypton una última vez de sus capacidades. La forma en que Hackman suelta esa ultima linea es francamente inquietante por como de sincera y calmada es.

Es una pena que no tuvieran más escenas juntos, parte del interés de estos dos es la relación que crean cuando hablan entre ellos, cuando sus dos valores y modos de pensar chocan en una incómoda mirada. Una vez más dejo un clip de La Serie Animada para reflejar ese punto en concreto, gran escena:

Como dice la perfecta voz de Clancy Brown como Luthor, por qué limitarse a solo controlar Metrópolis cuando existe una oportunidad incluso más grande todavía.

Superman se verá en una encrucijada de la que dependerá la vida de muchos y deberá tomar una decisión crítica que le llevará a su mayor caída.

2. ¿Por qué Superman DEBE desafiar el deseo de su padre?

Kal-El ignoró a su padre cuando le aconsejó no dar información sobre quién es, Luthor en respuesta obtiene su kryptonita, debilitándolo y así conseguir su retorcido plan en marcha.

Pero Luthor dos pasos por delante determina de que en caso de que pudiese liberarse o los efectos de la piedra no fuesen suficientes (No ha llegado a probarlos antes, puesto que este es su primer encuentro, pero ya he mencionado eso como algo desaprovechado) ha puesto otro misil en una dirección completamente aleatorio, argumentando de que incluso en su estado y su velocidad seria incapaz de parar la trayectoria de ambos misiles. El misil sorpresa va directo a Hackensack Nueva Jersey, y como vemos luego Miss Teschmacher le pide a Lex detenerlo puesto que su madre vive allí, pero Lex no muestra compasión, solo irritabilidad en su punto triunfante.

Es aquí en donde Superman debe afrontar las consecuencias de esa pequeña decisión y meterse en un dilema moral.

Miss Teschmacher le suplica que vaya primero a por el misil de Nueva Jersey y así le quitará la kryptonita, y aunque Superman trata de hacerla entender que debe ir antes a por el de California, en donde la catástrofe será mayor, ella le pide que le de su palabra en base a lo que dijo en la entrevista de que Superman NO MIENTE. Se ve comprometido y en deuda con su salvadora, y ahora Superman está en la situación de escoger y afrontar las consecuencias de sus palabras.

El Hombre del Mañana está a punto de hacer un acto moral de gran peso, y ha tomado la decisión de cumplir su palabra, lo que puede atacar a su reconocida ética, la ética son las cuestiones morales que tomamos cada uno de nosotros en la dirección de lo que sentimos que es lo correcto.

Una vez más, Superman no es definido por sus habilidades, su fuerza o su capacidad para volar, no, desde que fue creado este ficticio personaje siempre ha sido caracterizado por realizar el BIEN.

Superman es pura bondad, pero ¿qué ocurre cuando alguien tan lleno de simpatía y buena voluntad es comprometido por lo peor del mundo? ¿Dónde cae Clark Kent cuando esto sucede y su ética se vea responsable del caos compartido en California?

Bueno, de acuerdo a la explicación de la filosofía ética, trata de lo que deberíamos hacer para mantener una buena vida en todo el espectro emocional, sobretodo teniendo en cuenta las diferencias culturales y religiosas; una normativa sistemática ética por así decirlo.

Un estandarte moral para todos, lo que se convierte Superman en un ser no ajeno a esto.

La virtud ética se propone más bien en dictar menos un seguimiento de reglas en ir a un buen hábito y sano modo de vida; en contexto religioso como los cristianos sus preguntas ante el dilema de los misiles irían a "¿Qué haría Jesús?".

Superman cumple todo esto bajo un deber ético y por esto mismo decide desafiar la memoria de su padre, no por gusto sino por su correcto sentido de la moralidad.

El deber ético pone al hombre y sus obligaciones en que la correcta decisión está en la acción en si misma, así Superman se siente alineado con Miss Teschmacher y sufre las consecuencias, yendo a parar a una consecuencia ética de la que Jor-El le advirtió.

Pero ni siquiera él podría haber sabido en qué hubiese crecido la participación de su hijo.

La destrucción de California es un eco de la de Krypton, hecha con la mejor intención y realidad posible, puede que incluso mejor puesto que Donner toma parte del clímax para mostrar la repercusión del misil a modo estatal, luego cortando a Lois atrapada en el coche, y a Jimmy Olsen en la presa. Está editado de forma colosal y se siente todo ese mundo a punto de romperse en pedazos.

Crédito también a Jimmy en la película, ya que en esta escena pone en contexto por qué Clark Kent debe ser Superman en este mundo de ficción. Jimmy es ahora un personaje como nosotros y en un intento bastante heroico intenta a su modo detener la liberación de la presa; pero el cometido de Jimmy es débil, e insignificante y solo Superman es capaz de hacerlo al contrario que cualquiera de nosotros.

Carece de los medios, el poder y los conocimientos, y por ello Jimmy no debe sentirse responsable en no haber podido ayudar a salvar California.

Immanuel Kant explica que la situación o la capacidad de poder hacer algo por otros o por nosotros mismos implica la obligación y la responsabilidad de dicha acción ("Ought implies can") esto también lleva a preguntas más revoltosas y que sin duda llegan a cobrar más forma en futuras entregas, pero esto sigue manteniendo la actitud del superhéroe y lo qué puede hacer y decide hacer con tal poder. En este caso la culpabilidad está en el área de nuestro protagonista, y en un futuro también lo estarán en Zod y su grupo.

Como hemos dicho y a pesar de todo, Superman falla, no se sabe hasta cuantas personas habrán muerto y cómo se verá California y las demás ciudades, pero nada puede indicar una señal y magnitud de este desastre que el que vea a Lois muerta.

La union de este resultado llevan a Superman a algo que su deber y virtud ética no pueden resolver como hemos explicado, un dilema moral, que no trata de situarnos en escoger entre una mala y buena decisión, sino en un momento en el que un agente moral se enfrenta a una paradoja ética en el que no importa lo que se haga, se incumplirá un importante valor ético de lo correcto.

Y en uno de los arranques más dramáticos que se hayan visto en el cine, Superman grita al cielo y vuela con ira y tristeza revirtiendo el giro y el tiempo del planeta para evitar ambos misiles y salvar California, sus gentes, Jimmy y a Lois. La música es increíble, y Donner también lleva la desolación grabando el entorno, y la actuación de Reeve es bastante trágica y apropiadamente desgarradora en lo que cabe en la historia.

En pensamiento popular se ha criticado este punto de "viajar" en el tiempo, pero la gente que lo etiqueta de ridícula y sin sentido aún no entienden de que Superman sigue siendo un personaje ficticio de cómic, un medio que en la Era de Plata exageraban y añadían ridiculeces con tal de dar variedad a la historia del número, desde kryptonianos saliendo de varitas incas, perros con poderes, hasta el poder de lanzar arcoíris de los dedos... Y no estoy bromeando, eso último sucedió.

El caso es que el medio es exagerado y lleno de fantasía, y así es el concepto del superhéroe, pero el hecho de que esta escena no lo sea a mi juicio es una vez más el director en sí, Richard Donner, quien durante toda la película traslada los eventos como reales, verosímiles en nuestro aspecto emocional y una vez más lo dirige con esa intención, pero también le añade un aspecto de dilema y prohibición en el ángulo padre e hijo. Con Jor-El reconociendo que Kal-El tiene ese poder para no emplearlo en alterar la vida en la Tierra. Años después esto se arreglaría diciendo en los cómics de "The Flash" que la capacidad de viajar en el tiempo ante la velocidad que recorre se debe a un poder del mundo de DC conocido como Fuerza de Velocidad.

Pero volvamos al tema en cuestión.

La razón de que Superman deba desafiar a su padre la hemos explicado, pero quería daros un seguimiento de lo que supondría no hacerlo, ha tomado una decisión que ahora lo aleja de la última voluntad de su padre y comete un error humano finalmente. Salvando vidas, pero ignorando el último deseo y respeto de su salvador. Jor-El quería que Kal-El inspirará y fuese un símbolo para los humanos y ayudarlos, y no interferir en el curso de la vida humana abusando sus casi divinos poderes de una forma como es evitar la muerte de miles. Clark ahora actúa ante el pensamiento del "utilitarismo" el pensamiento ético que critica que moralmente la acción más beneficiosa que vaya a repercutir tiene mayor peso que aquel que cae negativamente en un aspecto. En contradicción con las enseñanzas de su padre, Jonathan Kent su padre humano, habló antes de que Clark debe estar aquí por un motivo único que solo él puede cumplir (Viajar en el tiempo para salvar vidas, o ser un ejemplo para nosotros en este caso); así cambia la historia y su curso.

En su mente se implica que no romper su promesa era menos importante que el bien mayor de salvar todas esas vidas, y Richard Donner ofrece sin darnos descanso una vez más gran magnitud en este acto y en como repercute en Superman y Lois cuando vuelven a verse ahora sanos y salvos.

Volviendo al Utilitarismo, se toman en serio la decisión de un agente que en cuestión de decisiones por el bien mayor sepa totalmente y sin error; debido a esto el mayor error de este pensamiento ético recae en quién dejamos al cargo de estas elecciones. Ya en el pasado ha llevado algunos de los caminos más oscuros de la historia y muchos lo han utilizado injustificadamente para explotar a una minoría y hacer a la mayoría más estable y más beneficiosa de ello.

Así que en cierto modo la confianza no llega a recaer en el propio sistema de elección hablado, sino también en el actor, el agente moral con buen juicio; y Superman en esta película como en los cómics es percibido como un agente moralmente bueno que ejercita ese juicio correctamente y siempre.

La película acaba prácticamente con él arreglando todo lo que se ha cometido, Clark vuelve de nuevo con su nueva vida, Superman deja en la cárcel a Lex y Otis, y vuela finalmente hasta el público dejándonos una historia perfecta, pero nuestro pensamiento no acaba aquí sin duda.

Hay mucho sacrificio, responsabilidad y desafío, pero algo que Superman hace como película que generará esa inspiración y profundo tema en futuras adaptaciones es su vulnerabilidad, es su identidad, y por ello preguntémonos para acabar:

3. ¿Por qué es importante que Clark Kent sea Clark Kent?

Jor-El ya explicó el posible daño de que Superman actuase constantemente en defensa, pero la explicación sorprendentemente está relacionado una vez más con la religión, en particular la razón por la que Dios permite el mal.

Si Superman continuamente estuviese trabajando de manera constante sufriría de un problema a largo plazo y se desconectaría de la humanidad, llevando su cometido a un punto en el que nosotros los hombres perdemos el libre albedrío y la oportunidad de decidir si debemos hacer algo o no, ya sea para bien o mal.

Guionistas y escritores de cómics ya han narrado historias en las que Superman llega a tales extremos, pero en particular a nuestra pregunta, todo escritor del personaje debe entender este detalle.

Superman necesita ser Clark Kent y él desea serlo.

No importa si pueda ser egoísta o no, Clark Kent necesita estar conectado con el mundo y poner en práctica también los valores con los que se ha criado en Kansas. Su identidad no es falsa, es una prueba de vulnerabilidad y fuerza que justifica toda convicción y pensamiento moral del personaje, porque es humano y desea serlo, pero al mismo tiempo toma su legado de Krypton sin miedo ni intención de ignorarlo y emplea ambos ideales en el mejor propósito y encomiable objetivo.

Superman actua normalmente ante un deber positivo, en donde es consciente que tiene la capacidad para ayudar al mundo y no usar o abusar de sus poderes en terribles actos, pero tampoco desperdiciarlos u ocultarlos, puesto que reconoce que debe de haber un propósito para emplearlos mientras esté en la Tierra. Algo que en especial le enseñó su padre humano.

Pero eso sigue sin responder de manera definitiva a la pregunta ¿verdad?

Está claro que no siempre es el gran boy scout, a veces es Clark Kent, reportero del Daily Planet, una función que está al alcance de todos nosotros; pero solo ÉL puede ser Superman y solo ÉL puede cambiar el mundo de esa manera. ¿Por qué debe de mantener una identidad?

¿No salvaría innumerables vidas si renunciara a la suya en pos del bien mayor? Sí, preguntas que normalmente saltan a nuestra mente cuando hablamos del personaje, incluso sabiendo lo mínimo sobre sus historias.

Como hemos mencionado en ese mundo, y el nuestro estoy seguro, habrá un público que responda a esto a que no solo no puede interpretar este rol, sino que tampoco debería moralmente en respeto a la teodicea (Esta es la rama filosófica que explica el argumento de por qué Dios permite el mal).

Similarmente si Superman participara en esto perderíamos nuestra libertad gradualmente y nuestra habilidad y progreso en una mejoría como la especia humana.

Sé que en base del utilitarismo y la balanza de las cosas buenas que salen a cambio es algo para muchos insatisfactorio al comparar el mundo sin su presencia. Pero el hecho de que constantemente se le prive de interactuar es el mismo resultado de lo que crea en un bombero o un policía que poco a poco pierde esa misma conexión, un daño psicológico y moral que pone en compromiso su labor y protección.

Por eso y ante todo argumento realista, Superman tiene derecho a una doble vida, tanto de forma egoísta para él, como de manera razonable ante el propio hombre en sí.

Cuando el público vuelve a criticar al personaje diciendo que es difícil de relacionar  y situar alguien tan extremadamente optimista y lleno de esperanza en nuestro día a día se alejan mucho de la forma de ver que tenían del mundo Siegel y Shuster, 2 personas legítimamente rotas y con un gran peso desde su infancia, y más durante la Segunda Guerra Mundial.

Decir que es demasiado poderoso e imaginativo irónicamente nos hacen ser Lex Luthor.

Y aunque sea cierto la cantidad de poderes que presenta (A pesar de otros superhéroes con incluso más grandes e impresionantes poderes) incluso él se puede ver expuesto a kryptonita, un fragmento letal de su hogar o reales amenazas del mundo como monstruos inteligentes de oscuros propósitos o magia incluso, un tema desconocido para el héroe en cuestión.

Así que en cierta manera y cuando todo va a su actitud y su personalidad y nos dirigimos a ello como "imposible de relacionar", dice mucho de nosotros y nos sitúa en algunas de las peores palabras que Luthor expone, pero no realistas en ningún momento.

Luthor representa algunas de las peores cualidades "humanas" y su carencia por la vida y falta de empatía es otro ejemplo en esta película y del contraste con  El Hombre del Mañana.

Existen figuras de inmensa bondad y deseo de esparcir el bien y la moral y la ética, ya sean ficticias o reales, ya sean históricas o religiosas, ya sean personales o familiares.

Superman como personaje es un superhéroe completamente bueno que evoluciona y tiende a relacionarse con todos los lectores en base a esos ideales e historias que participan, por eso ha durado más de 80 años. Porque llama a lo mejor de cada uno de nosotros en la mayoría de sus apariciones y mejores obras, un tema que no muchos ahondaron en su día y que en el presente muchos se avergüenzan sin reparo.

Este ser de gran bondad es ideal a la hora de admirar, porque existen peores personajes que aquel que desea solo obrar bien en el mundo, y Superman (1978) lo clava sin problema alguno.

Finalmente demos créditos en un aplauso para celebrar el aniversario a los grandes actores que nos han traído la definitiva película del superhéroe, Christopher Reeve y Margot Kidder junto con Gene Hackman y el director Richard Donner por incluir una extensa historia de origen y desarrollo no solo emocional sino filosófico y también con destacados efectos prácticos que mantienen una historia versátil en base de las emociones y actitudes de personajes que por un momento nos hacen olvidarnos de su ficción. Y de eso están hechas algunas de las mejores películas del mundo, de su capacidad de relacionarnos en ese mundo y formar parte de ello a modo de entretenimiento, y los temas filosóficos ayudan a crear una reacción más que gigante al espectador.

Superman (1978) es también un importante proyecto que aparte de hacer justicia al gran icono americano devuelve el merecido reconocimiento a sus creadores y ahora son apropiadamente acreditados por sus inspiraciones, historias, creación y biografía.

Los estándares de los inmigrantes judíos que plasmaron y su situación en un nuevo país, por fin y gracias a esta película siempre van a ser recordados desde ese momento, y es todo un gran honor porque Siegel y Shuster son dos de los más dedicados guionistas de la época dorada del cómic junto a Bill Finger, Jack Kirby y Stan Lee.

No queda mucho más que decir de Superman (1978), es algo más que una película de superhéroes, es también una obra de estudio en la cinematografía, en el estilo de guión en la historia, como estudio de la construcción de un protagonista, pero también es una entretenida película que decide conectar con todo lo bueno que pueda presentar el espectador por el personaje en sí.

Sorprendentes actuaciones y una historia sin igual que ha influenciado incluso a los más éxitos taquilleros de los 2000 a mostrar temas humanos y morales, de paternidad y sacrificio.

Esta es la película de superhéroes que más ha influido en el cine, incluso más allá de su subgénero.

Espero que sea posible que veáis esta cinta de la misma manera que yo y muchas otras personas que se unieron conmigo en esto en concreto, y también os inspire a ver más allá y entrar en la filosofía y el análisis del film como me ha creado como espectador.

Os deseo a todos una feliz nochevieja y también que hayáis pasado una buenas vacaciones.

2019 será un año lleno de problemas pero también de buenos momentos, y el blog estará pendiente de cumplir su parte aunque sea pequeña. ¡Hasta la próxima!