Something Wicked This Way Comes (1983)

Ha pasado algún tiempo desde que escribí, pero como ya os dije, he vuelto para poder daros mi opinión y analizar películas que tal vez hayáis o no visto una vez más; dicho esto, comencemos con una historia de fondo.

Walt Disney Pictures, compañía que todos conocemos y queremos, últimamente ha estado muy ocupada con la adquisición de otras compañías como Star Wars, haciendo éxitos como El Despertar de la Fuerza, o de Marvel provocando una total oleada de películas de superheroes que probablemente no conocíamos pero que ahora mantienen nuestro interés.
Sin olvidar futuras secuelas que también Pixar va a realizar desde este verano.

Sí, es una buena época de éxitos para Disney, se la merecen de todas formas, ya que nos han regalado grandes clásicos inolvidables; pero desafortunadamente también quieren que nos olvidemos de algunos de ellos.

Tristemente los '80 han sido la contra de lo que es Disney hoy en día, cierto que tomaban riesgos, pero algunas películas nunca llegaron a tener la presencia que otras han dilapidado en éxitos con valores nostálgicos, y de no ser porque en el '89 La Sirenita hizo su aparición, es muy probable que hubiese desaparecido la compañía.
Os hablo de esto porque existen una serie de películas fantásticas hechas por Disney que el público y la propia casa rechazaron fuertemente, a pesar de lo innovadoras y adelantadas que eran, pero que hoy en día están volviendo a ser valoradas con otros ojos.

Introducimos Something Wicked This Way Comes o El Carnaval de las Tinieblas.
Basada en la novela de Ray Bradbury (Que os recomiendo) quien también escribió el guión, es un experimento-desafío de terror fantástico que debido a las complicaciones no llegó a recuperar parte del dinero de su realización ni a gustar al público en general.
Disney ha insistido en hacer olvidar al público esta película negándole un 2º lanzamiento en DVD o en convertirlo a Blu-Ray, todo por la idea de su fracaso o de que esto no se acerca a la idea original de la producción.
Pero, ¿es algo que vale la pena de ver, y por qué la compañía la "coloca" en una lista negra personal?
Antes de nada comencemos con la trama: 

La historia sigue a los jóvenes Will Halloway (Vidal Peterson) y su amigo Jim Nightshade (Shawn Carson) sobre como empezaron el otoño con la llegada de un misterioso hombre que anunciaba la desgracia de la casa de Jim juzgando el viento...
Aceptando las propuestas de seguridad de quien parecía solo un vendedor de pararrayos, Jim y Will se meten en líos como los niños que son, y pasan buenos ratos con su padre, Charles Halloway (Jason Robards) un bibliotecario de edad avanzada que a pesar de todo quiere mantener una mejor relación con su hijo, pese a sus complejos y motivos personales con su vejez.
Pero una noche de oscuras intenciones y secuestros "fúnebres" llegan al pueblo de Greentown, junto con una curiosa y extraña feria de la que Jim y Will son testigos de su construcción durante la oscuridad.
Se trata del "Dark's Pandemonium Carnival" del intrigante Mr. Dark (Jonathan Price) del cual el pueblo disfruta de su presencia, pero es trabajo de Jim, Will, y finalmente de Charles, evitar los verdaderos propósitos del carnaval, los que parecen ser descubrir nuestros más profundos deseos... y aprovecharse de ellos.

"¿Por qué no montais en estos maravillosos corceles más adelante? Aceptad estas entradas, y no os decepcionareis"

Analizar la razón de su fracaso en la época no es fácil, pero para eso hay que entender por qué es así desde la atmósfera proyectada, nivel de terror, y como no, sus personajes.

Supongo que empezaré con las actuaciones de los niños; Vidal Peterson y Shawn Carson, ocupan un puesto joven en su rol que se adapta muy bien en sus actuaciones, deseos, problemas, etc.
Actúan cuando tienen que ser los niños que son; hay un reflejo de la infancia curiosa de cada uno llevada con mucho realismo.
Pero cuando toca sentir el miedo, el peligro, la inseguridad y la preocupación, vaya si es real; aún no entenderé como llegaron a esas reacciones un par de jóvenes en su primera película, pero sin pensarlo que llegaron a controlarlas en todas esas escenas.
A pesar de todo, creo que la relación entre Will y su padre podía haberse profundizado un poco más después del trato y cuidado que había en cada toma.

Se emplean varias escenas bastante bien llevadas; y a falta de una palabra mejor, muy paternales, pero el problema es que no se asienta del todo la reacción de Vidal Peterson.
No sé si es que es muy joven, o es que pido demasiado, pero una vez más estoy siendo quisquilloso con algo que Disney no ha trabajado en mucho tiempo; la relación distanciada entre un anciano padre y su joven hijo. Y esta llevado perfectamente.

Will y Jim charlando con Tom Furia.

Hablando de padres, vamos con uno de los mejores actores de esa época, Jason Robards.
Ni siquiera sé como darle justicia a este hombre porque me quedo corto de palabras, no hay ningún minuto en el que deje de interpretar a Charles bajo la presión y preocupación que el personaje refleja.
Como ya mencioné, las escenas en las que comparte una charla con su hijo son increíbles por su parte.
Cierto que su voz puede llegar a ser un poco monótona, pero lo compensa bastante con su presencia y sus reacciones en las mejores escenas de miedo y tensión... ¡Sí, hablo de ESA ESCENA!

En resumen, Jason interpreta un papel no muy visto en cines que lleva cierta dificultad adaptarlo, sobre todo si se trata de Disney, una compañía que jamas nos haría cuestionarnos la confianza de nuestros padres; pero que así se ve, como un personaje atormentado por su pasado con su hijo, y que hasta la imagen en la que se agarran de la mano caminando, relaja una atmósfera tan cargada como esta (Charles es un personaje del que es difícil no compadecerse).

Sorprendentemente el ambiente que recrea la película es bastante bueno y profesional, se toman su tiempo en dejar sentado cosas como el inicio de la película, que recrea unos títulos de créditos misteriosos y aterradores para luego saltar a una bella introducción de la historia, rodeada del otoño con unos buenos colores.Definitivamente series antológicas como Are you afraid of the dark? o Tales from the Crypt han sido inspiradas en recrear una similar atmósfera de las ideas de Bradbury.
Esta siendo elegante con el proceso podríamos decir.
Sé que suena algo apresurado, pero no, calzó bastante bien en una primera impresión desde luego.
Y respecto al momento en el que la historia avanza, la atmósfera se enfría y oscurece todo de repente llevándola a un nivel que no llegan a sobrepasar, pero que en todo momento deja al espectador con más por esa sensación de peligro, conspiración, y soledad en el pueblo.

¿Cómo decirlo de una manera más entendible?
En una película de terror es común la presencia de zonas exclusivas que producen claustrofobia, oscuras y peligrosas en donde el protagonista debe alejarse del lugar, monstruo, etc.

Sorprendentemente Pesadilla en Elm Street combina tanto "Slash" como una lenta construcción del ambiente de un terror cognitivo, lo que concuerda con la importancia de crear una atmósfera.

Durante esta época al igual que ahora, la idea del tema paranormal y misterio como fondo de miedo no persistía tanto, así que lo lanzaban de golpe sin prepararlo de una manera lenta y trabajada.
Something Wicked This Way Comes prepara esa oscura atmósfera ante el peligro que rodea para asustarte en el momento más indicado y siguiendo a nuestros jóvenes protagonistas y sus miedos proyectados con sombras y focos de luz controlados con una música siniestra.
Pero en el centro de todo esto, la neblina atmósfera, el frío, el misterio y la oscuridad es solo una extensión del verdadero peligro que es Mr. Dark.

Impresionante, sencillamente la sombra y la tensión en esta escena son impresionantes.

Jonathan Price como Dark es una de las mejores cosas de la película, que aunque se le vea elegante por su forma de vestir y andar, muestra cierta maldad cada vez que habla; como si no pudiera evitar siempre el asustar alguien. Y logra siempre mostrar una balanza en su actuación y su compostura.
Su actuación rodea al personaje de lo que es, aclara bastante bien los temas de los que habla, como los dice y como quiere expresarlos.
Diciendo esto, Dark como personaje tal vez esta rodeado de demasiado misterio, y algunas de las preguntas nunca son respondidas entorno a su área de tortura, niebla y deseo, junto con Pam Grier (Estupenda también, pero con cortas apariciones que aún agregan tensión y miedo a los niños).

Un personaje con una mirada profunda que provoca miedo... ya lo veréis

Pero a raíz de esto se desvela lo que en mi opinión es la razón del fracaso del proyecto, una débil resolución.
Recapitulemos qué tiene Something Wicked This Way Comes en lo que destaca,
es una película de Walt Disney Pictures dedicada a explorar el miedo al público relativamente joven siguiendo las aventuras de nuestros protagonista. En esta situación nada puede salvarlos del terror que Mr. Dark les provoca, raptando al pueblo y a sus almas, aprovechándose de nuestros deseos, quien tiene en el punto de mira a Will y a Jim tras descubrir su secreto, y nadie podrá ayudarlos, ni siquiera "el pobre anciano bibliotecario que vive las vidas de otros" (que ser más despreciable).

Dejando claro la motivación de la historia y el cómo se desarrolla, ya se percibe el problema principal, ¿cómo acaba una historia como ésta, y cuánto dura? No sabría decir, la verdad...
La premisa empieza prósperamente; la calidez, la nostalgia, al igual que las actuaciones están construyendo también esa atmósfera cotidiana y de miedo, pero su resolución es muy generalizada, con poco desarrollo y algo decepcionante en este "género" de terror.

Cualquiera diria que es algo inevitable en una película de terror, pero hablamos de una película de miedo de Disney que es DEMASIADO para los niños, pero con un final insatisfactorio para cualquier fan del género o mayor de edad.
No hay ninguna duda de que la falta de detalles fue consecuencia de un fuerte frenado de Disney al director Jack Clayton como a Ray Bradbury para poder ajustarlo con el espíritu familiar y alejarse de la tormenta.

Puede que alguno le sorprenda si ha visto al final, pero verdaderamente a mí me gustó, sí, creo que fue agradable y cálido después de todo, pero no me mal entendáis, yo también quiero respuestas a lo no resuelto, como ¿qué ocurrió con Tom Furia al final? ¿De verdad el horror a terminado? ¿La feria acaba de...?
Todo esas cosas, no hay equilibrio entre la idea de lo que recibirás como de las limitaciones de hasta cuánto vamos a ver; cierto que hay una crueldad por la que asustarse, junto con el ambiente, pero la parte final no desemboca en lo que debería haber sido el terror de una feria satánica.

ESTE es un ejemplo; demasiado para los niños y para la imagen de Disney, pero eso es todo...

Una vez más siento que esta bien para mí, tal vez lo miro con otro punto de vista que en el momento de su salida.
La luz del sol, la lluvia en la calle, se siente como algo nostálgico para mí que contacta para bien, a pesar de no resolver nada de lo que me involucre anteriormente.
Continuemos.

Dark sigue siendo un mensajero del mal, o el propio demonio que no se detiene aún en mantener el terror, aún sin gore o slasher, tratando partes como adultas y oscuras, pero que con la falta de resolución la hace también lenta en proceso, y algo difícil de ver para los niños.
Pero para ser sinceros, lo que es su última escena es un perfecto trabajo de efectos prácticos que sin duda asustará a los más pequeños, se trata de algo visto hoy en día, pero no lo ejecutan de una misma manera que en otras películas.
Digamos que es distinto al final de Indiana Jones En busca del Arca Perdida y La Última Cruzada, pero con un mismo aire, solo que un estilo más "vivo" y perturbador.

Viéndola de nuevo, en especial el final, debo decir que ha envejecido algo mal algunos efectos que han tratado, y sí, es un problema en la película cuando lo enlazan con la parte que obviamente Disney quería ponerlo a la fuerza en el guión.

Pero una vez más, es única, atrevida, oscura y disfrutaba mucho al verla, me ENCANTA como intenta Ray Bradbury adaptar la historia de su libro en un guión controlado aún por una compañía familiar que aspiraba a ser oscura durante casi diez años.

Bradbury fue un gran escritor y guionista, y esta debe ser la única película que he visto que haya captado el espíritu y la atmósfera del libro original totalmente en una adaptación cinematográfica.
Ray Bradbury solía decir que con los años empezaba a ver más una carta de cariño a su padre, que la preparación del miedo ante los niños.
En cierta parte es verdad, pero también la forma en que lo cuenta y se ve proyectada tanto la historia como la atmósfera me hace recordar ciertos elementos a las 3 primeras películas de Harry Potter, al fijarnos en la oscuridad, el propio peligro en los protagonistas, una figura adulta malévola que solo los niños pueden detener... Sí que se parecen bastante en espíritu y escenarios, ¡y curiosamente esas tres películas también captaron el espíritu y la magia de los libros, al igual que los desafíos y el entorno!
Los bosques, la niebla, el peligro... incluso la agradable música compuesta por James Horner se parecen bastante.
Algo a favor que tal vez hará que se conecte más fácilmente con otras generaciones para ver y apreciar.

Ray Bradbury con la oportunidad de ver el set para la película

Something Wicked This Way Comes es una buena película para experimentar miedo y terror como un niño, y que cobra en un significado especial al verla con otra edad.
A pesar de su fracaso en la época debido a la lentitud de la historia, junto a su débil final y resolución que la convierten en algo excesivo para los más pequeños, como de aburrido e insuficiente para adultos, es bastante interesante y efectivo.

Las actuaciones son perfectas, la atmósfera aunque lenta es efectiva, los personajes son increíbles, en especial Jonathan Price y Jason Robards, Charles sigue haciendo de esta película un gran soporte cuando es tentado por el propio demonio a enmendar su error de viejo, y sigue siendo una de las escenas más tensas y trabajadas que haya visto en una película de Disney.

Gran actor, gran película, gran persona.
Sin duda una de sus actuaciones más difíciles, pero más gratificante de ver.

Ya ni siquiera se que más decir, me he quedado ya sin palabras.
Si eres fan del cine de terror de hoy en día, en donde lo paranormal se graba con cámara, o películas sangrientas como estilo Saw, esta no es de las tuyas (¡Disney nunca te dejaría ver algo así!).
Pero si eres fan del suspense, cierta intriga y misterio que te rodea en un viaje que se construye en la oscuridad de un terror no muy común, esto es lo que buscabas.

Cuantas más opiniones mejor, así que si tenéis algo que decir sobre cine de terror, o de esta en particular, ya sabéis, dejad un comentario. Y si al igual que yo te interesa saber más sobre esta época oscura de Disney, tranquilo, porque volveré con otro análisis acerca de la que se considera LA MEJOR PELÍCULA DE MIEDO DE DISNEY... en algún momento (Es bastante difícil de encontrar).

Os dejo recordándoos que nunca hay que decir nuestros mayores deseos en voz alta, porque nunca se sabe quien puede estar escuchando en un oscuro rincón...
También quería finalizar diciendo esto:
Gracias a todos mis compañeros por animarme de nuevo a escribir, os lo agradezco mucho.

Se acerca una tormenta que ni siquiera Tom Furia podrá detener...

Birdman Or (The Unexpected Virtue Of Ignorance) (2014)

Birdman o (La Inesperada Virtud de la Ignorancia) es la reconocida Mejor Película del 2014, dirigida y co-escrita por el mexicano Alejandro González Iñarritu, el cual ofrece una representación de una gran variedad de temas que están implicados con complejos personajes, impresionantes escenarios, una incansable cantidad de detalles y excelente música que se ata y se convierte, en lo que es la opinión de esta persona, un gran intento de ser el siguiente Ciudadano Kane.

Pocas películas han conseguido lo que Birdman ha hecho a través de un guión tan difícil de proyectar en la gran pantalla, algo que vale la pena de ver y recordar durante mucho tiempo; es más, para algunos les llega a recordar porque aman tanto el cine, los actores, e historias como estas.
Es sin lugar a dudas una película difícil de analizar, pero en honor a mi posible última crítica, debo dar lo mejor de mí con esta cinta.

No tiene sentido empezar sin decir que si estas interesado o has pensado en ver esta película, ve, ni te lo pienses, te absorberá en un breve periodo de tiempo y será lo mejor que hayas puesto en la televisión en el día de hoy!
Dicho esto comencemos con la historia:

La película empieza (Después de una frase reveladora) con nuestro protagonista Riggan Thomson (Michael Keaton) practicando en los ensayos de su obra de teatro en Broadway, una adaptación que ha escrito, dirige y protagoniza. Después de una serie de complicaciones se revela la antigua carrera de Riggan como un actor de Hollywood que solía interpretar el papel de un superhéroe, Birdman, y de sus intenciones de reinventar su nombre al lado de su productor y amigo Jake (Zack Galifianakis), actores como Laura (Andrea Riseborough), Lesley (Naomi Watts); pero también de problemas y tormentos como su hija Sam (Emma Stone) y del actor de reemplazo Mike Shiner (Edward Norton), un metódico actor que no es lo que parecía ser.

Hasta el día del estreno Riggan sufre de sus voces del pasado, problemas sin resolver y demás percances que le obligarán a dar lo que ningún actor antes había logrado en el escenario.

La mayoría de críticos comenzarían con los puntos positivos de cada película y en el caso de que presentará, sus defectos y problemas; yo voy hacer algo diferente con esta película.
No hay duda de que presenta detalles e ideas que aseguraban un fracaso en la salida, pero de forma impresionante consiguen convertirlos en los puntos fuertes que la identifican y la convierten en el éxito que es. Así que de forma rápida:

-Normalmente el uso de una toma en cada secuencia es algo que no se emplea con mucha regularidad, ya que tiende a prolongar una escena demasiado tiempo, los actores no pueden mantener las expresiones y recordar las lineas, y es complicado poder expresar algo de una forma clara ya que si el foco sigue a un personaje, evita ver las acciones de los demás si no están en contacto con el que observamos continuamente, no se usa en movimiento por su dificultad, y entonces, al público no le interesaba tanto.
Por no hablar de lo innecesario que seria poner personajes que ni siquiera aparecieran en la historia completa.
Birdman echa por tierra todos esos argumentos que acabo de decir.

Iñarritu engaña perfectamente al público haciéndole creer que está grabado en una única toma, pero inteligentemente usa varias técnicas para hacer cortes y descansos; aún así siguen siendo tomas más largas de las normales, lo que han obligado a los actores a memorizar y expresar sus lineas muy rápidas pero aún con sentimiento. Por alguna razón, los ha obligado a adaptarse a un nuevo método que ha hecho que mejoren sus actuaciones con el tiempo que les correspondían.

Al prolongarlo, la secuencia se encuentra en continuo movimiento, lo que la ata para ver los escenarios del Saint James junto con una tensión por los acontecimientos de la historia.
Una nueva forma de presión para los actores a mejorar en sus formas de proyectar lo que siente y cómo en la gran pantalla.

Saint James Theatre- Brodway

Pero dicho esto muchos os preguntareis ¿de qué va la película?

Tecnicamente la gran impresión en los trailers o en los periódicos dirían que va sobre la recuperación de la fama; pero para todos los que la vimos notamos que expresaba algo mucho más que eso.
Birdman habla sobre una gran cantidad de temas que están desarrollados en esas largas tomas, pero de manera que se pueden entender; esta película trata de el mundo del cine, de existencia, de vivir tu propia vida, de dualidades, de la base de como hacer una crítica, de la importancia de los valores familiares, de saber quién eres o quién puedes llegar a ser, etc.

Como habréis entendido, esta película tiene una gran variedad de temas que da a escoger al espectador, porque no hay que olvidar que esta es una forma de arte visual que permite observar distintos puntos de vista.

Iñarritu tuvo la oportunidad de comentar en Anatomy of a Scene del New York Times una de las mejores escenas de la película, en donde Edward Norton como Mike se presenta a Riggan en un primer ensayo.
En esa escena se ve lo metódico que es Mike en el escenario, tanto que por ello cree que se ve en el derecho de incluso dirigir y cuestionar a su propio director; pero en una manera elegante, desapercibida y que no llega a ofenderle.
Se ve como un incentivo para otro futuro tema.

Como ya comenté, en muchos puntos de vista hay una gran cantidad de temas distintos, pero incluso dicho esto, cualquiera pensaría entonces que la película está completamente desenfocada de la principal historia de Riggan y demás.
Ahí entra mi valoración de los actores, absolutamente todos estuvieron fantásticos en pantalla al lograr increíbles respuestas a este tipo de guiones y temas que consiguen relacionar con nuestro protagonista, por el hecho de que cuando aparecierón con él se implicaron totalmente.

Tomad como 3 ejemplos las siguientes escenas; una expresa lo importante que también es esta obra para Shiner, juzgando no solo a Riggan, sino también la dureza que muchos actores de Hollywood tienen en un escenario como el teatro, demostrando que aquí estan en un terreno que no conocen y que no merecen menospreciar, ni siquiera a quienes lo integran.
Y sí, se puede sentir como una frase vacía del imbécil que ya ha arruinado un preestreno, pero creo que todo el mundo podrá apreciar la importancia que le da, aunque sienta que lo tiene todo bajo control (Ademas, es una escena graciosa que gana puntos por la batería).

La siguientes escenas son de mis favoritas que abordan temas aún más importantes.
En esta vemos como Riggan encara a la despreciable crítica Tabitha, quien no se retrata ni se ve como una mala persona, pero asegura que sin haber visto la obra aún, en el momento que se levante de su asiento destrozará la carrera de Riggan por haber osado adaptar una obra sublime en uno de los mejores teatros de Broadway.
Así sin más, cuidando el detalle, vemos en la escena un tema de crítica que habla de como hoy en día no tiene en cuenta ningún verdadero esfuerzo ni comprensión al escribirlo; viendo que básicamente lo que escribe la mayoría son etiquetas o frases inteligentes para una portada en un DVD o en un periódico.
No hay esfuerzo, no hay trabajo, y la crítica puede destrozar vidas y sueños con unas pocas palabras y etiquetas.
Pero lo peor de todo... no les cuesta nada hacerlo así... una escena llena de dolor.

La última y con la que de verdad comparto más sentimiento, es básicamente la escena en la que Emma Stone como Sam le echa encara a su padre el objetivo de la obra.
No solo es brillante como ha explotado todo esto en una escena de secuencia como esta, sino por la tensión que se presenta a Riggan, y porque aquí observo el verdadero tema de la película, la forma de ser respetado una vez más.

En general, hay muchas escenas bien realizadas, editadas de una forma inteligente, y llenas de muchos temas y significados que se tienen en cuenta, pero nunca llegando a olvidar la historia principal.
Es más, muchas de ellas llegan a darles otra identidad a los personajes.

No podría dejar una crítica como esta sin hablar del increíble Antonio Sanchez, el encargado de la música en la película, que solo es una batería.
Se siente cada escena llena de tensión con la forma de tocarlo, prolonga demasiado la impaciencia, y lo domina de una manera única.
Es una de las cosas más confusas que se han hecho, pero que como resultado funciona desde muchos niveles distintos, haciéndola una técnica única en este siglo.

Si os gusta la música, tocar la batería, o incluso cualquier cosa relacionada con esta técnica, os recomiendo esta entrevista que realizan.

Entonces, Birdman es una película que proyecta un uso innovador de técnicas cinematográficas, un uso de música totalmente tensa, personajes complejos que se enlazan en una historia brillante.
Pero dicho todo esto, aún queda hablar de lo mejor de la película, lo que ha sido creado a partir de las pesadillas de Iñarritu, el protagonista Riggan Thomson.

Incluso antes de ver el trailer de la película consideraba a Keaton un buen actor tras verlo en Beetlejuice, Batman e incluso en el remake de Robocop este hombre se mantiene en una actuación solida.
Teniendo en cuenta esto, creo que ya imaginareis mi reacción al ver al personaje que interpretaría tras el trailer... literalmente quedé en shock tras ver por donde iría la historia, dejadme poneros al tanto.

La idea de que Riggan antes interpretase a un superhéroe, junto con la última interpretación en el '92 de Michael Keaton como el caballero oscuro está demasiado enlazado con su vida.
Debido a esto, mucha gente considera que el personaje como el propio actor son solo el reflejo de un espejo, y que la película pierde parte en la creación de un personaje desde cero.

¡Que gran error! Tim Burton comentó en una entrevista que Michael tenía una extraña forma de ponerse en el papel de cada personaje, que cada paso para comprenderlo e interpretarlo lo hacían ver distinto, como cada actor metódico hace.
Si observais bien, la actuación como Riggan es muy diferente de lo que es su persona, creando desde cero sus experiencias con el mundo del cine y sus similitudes con el personaje para aprovechar un personaje universal en el que nos podamos identificar, y del cual no se relaciona con el actor.


Prueba de esto está en las escenas entre padre e hija, e incluso con su antigua esposa.
Sin embargo la actuación se ve diferente cuando el "joven Birdman" acecha a Riggan; tenemos una serie de expresiones bien llevadas y demás, pero ahí sale en pantalla algo que muchos encontrareis confusos.
Michael Keaton realiza de lejos su mejor actuación en la vida, totalmente merecida esa nominación al Oscar, y sin entrar en mucha discusión, debió haberlo ganado; realmente su actuación es más solida al lado de Emma Stone ya que expresan más tensión y realismo su relación. Hay tanto dolor en ella.

Como sabréis, cada escena en la que Riggan está solo y escucha sus voces da lugar a unas extrañas tomas, ¿cómo de raras? Bueno, Riggan tiene superpoderes...
Sí, muchos salieron decepcionados después del tiempo que se empleó poniendo esto, en especial tras enlazarlo con el final de la película. Pero lo creáis o no, eso es lo que prueba la razón de porque Birdman fue la Mejor Película del 2014.

Tras poner una serie de escenas que no sabrías explicar si son o no reales, y ver el resultado del final de la película, dejan claro que esto era y se sentía como una experiencia.
La experiencia de ver la vida de Riggan hasta el día del estreno, y determinar tras una brillante escena final, qué fue lo que vio Sam, y el por qué sonríe, dejándonos distintas formas de interpretar la experiencia con está película, y que así decidamos el final.

Y sí, hablemos del final de Birdman. Sin hacer mucho spoiler diré que no necesita explicación, es una de las pocas películas que técnicamente no necesita explicar que ocurrió tras el estreno o el resultado en la vida de Riggan, y sinceramente no necesito ni quiero saberlo, me llenó todas mis expectativas.

Pero analizándolo como muchos me pediríais, diría que es solo una metáfora del éxito gracias a la Inesperada Virtud de la Ignorancia de Riggan. Nada malo ocurrió después de eso.

En resumen, Birdman o (La Inesperada Virtud de la Ignorancia) es una experiencia visual de la que es imposible escapar. Es una de las pocas películas que considero perfectas por la falta de errores que tiene, y su implicación de crear un personaje famoso en la búsqueda de respeto y ser validado ante el mundo.
Un personaje que me recuerda a mi primer año en la universidad, por la representación de sus acciones.
Actores de primera talla ante la cámara, junto con uno de los mejores directores que México ha creado.
Al público le encantó, a la Academia le recordó las bases del cine y los actores, y a mi me acompañó hasta el final de este blog.

Ya no hay nada más que tenga que contar, he sido un charlatán y un cabildero desde que he abierto este blog para expresarme con vosotros.
No creo que vuelva hasta encontrar esa razón para que siga ínvolucrándome en el cine, lo que podría tardar incluso años o tan solo hasta el verano.
Pero quién sabe, tal vez vuelva a escribir en cuanto encuentre lo que busco.

Expresar tus gustos, mostrar tus habilidades, explotar tu creatividad...
Ultimamente he estado leyendo y escuchando como internet sufre de gente que está prohibiendo el derecho a hacerlo, porque tu forma de expresar puede dañar a cualquier persona, y eso no es moralmente correcto.

Supongo que en señal de protesta por la violación del "Fair Use" debería de seguir escribiendo sobre cine... pero estoy cansado gente, y no quiero seguir con esto.

Así que, si realmente disfrutas o has disfrutado de mis análisis, y buscas tu propia voz para darte a conocer, adelante, te animo diciendo que un gran artista puede venir de cualquier sitio.
Muchas gracias por vuestro interés, espero que volváis a saber de mi. Hasta la próxima.

Labyrinth (1986)

Dentro del laberinto o Labyrinth es una de las muchas películas populares e icónicas de los '80 que cuenta con la colaboración de Jim Henson como director, creador de Los Muppets o Los Teleñecos, junto con George Lucas como productor al lado de Terry Jones (Monty Python) como guionista; y como no, protagonizado por el fallecido David Bowie.
Labyrinth es considerada por muchos una película de culto muy reconocida que combina temas de misterio, magia, entretenimiento, fantasía e incluso fondos oscuros con el objetivo también de ofrecer dudas o miedo al público más joven; pero atendiendo a los límites que ellos pueden tener.
Dicho esto, se ve como una mejor versión de The Dark Crystal otro proyecto menos conocido en donde Henson no llegó a equilibrar el miedo y el entretenimiento; pero eso es otra historia.

Al igual que con otras críticas y análisis intentaré dejar mi nostalgia a un lado y juzgarla por lo que es y lo que trata de ser la propia película. Pero en el fondo dejará el mismo resultado que tengo por ella, una apreciación de un buen trabajo a manos del marionetista más querido del mundo, en donde trata un mensaje que muchos han pasado por alto, ¡pero aquí estoy yo para analizar!

Es inevitable que lo diga, pero como muchos entenderéis esta crítica no viene de la nada ni ha surgido por algo que haya planeado. El 10 de enero de este año David Bowie falleció por cáncer de hígado, sé que muchos han rendido homenaje y han hablado de las increíbles acciones que ha hecho un músico como él, y aunque yo no haya tenido una oportunidad para decir lo que significaba para mí, o lo que pienso de él, sabed que comparto también el sentimiento de tristeza, tal vez por razones muy distintas, pero igualmente deseaba hacer esto después de terminar varios asuntos.

Sé que algunos también esperarán algo sobre Alan Rickmann; al final de esta crítica publicaré algo que os concierna sobre una cosa en especial. Pero si estáis interesados en ver mis respetos sobre este gran actor, lo podréis encontrar en el siguiente enlace.
Ahora no nos lamentemos por la pérdida y hablemos de la historia que nos interesa, empezando desde el principio:

Sarah Williams (Jennifer Connelly) nuestra protagonista al volver de jugar y citar unas frases de un libro con su perro Merlin, es castigada por su madrastra por llegar tarde, echándole en cara todo lo que piensa de su "infantil" hijastra de 15 años, y dejándola cuidar de su hermanastro Toby mientras está afuera con su padre (¡BRAVO padres irresponsables!). Mientras intenta calmar los llantos de su hermano pequeño, vuelve a citar unas frases del libro que leía anteriormente, desconociendo lo que estaba a punto de provocar.
Sarah, sin saber lo que sucedería, leyó la introducción que convocaba a Jareth el rey de los goblins (David Bowie) para que secuestrará a su hermano; arrepentida decide hacer un trato, si en menos de 13 horas consigue superar el laberinto de Jareth, ella y su hermano serán libres; si falla, Toby se convertirá en su sucesor como goblin.
En el laberinto conoce amigos como al enano Hoggle (Brian Henson), la bestia invocadora de Ludo (Ron Mueck) y a la muerte de las parodias de Don Quijote, Sir Didymus (David Shaughnessy) junto con otros seres y demás personajes.
Así comienza la extraña y mágica experiencia de Sarah para rescatar a su hermano, sin saber que Jareth esta enfocado en otro siniestro y misterioso plan junto con el laberinto.

Como habréis imaginado la película recuerda bastante a El Mago de Oz o Alicia en el Pais de las Maravillas; esto se conoce como una historia de viaje (Road Trip), en un ejemplo sería la historia de Dante en la Divina Comedia de Dante Alighieri, ya hemos escuchado antes estas lecturas pero no se trata de eso, sino más bien de la expresión de lo que ves en el entorno que de lo que se hace en general. Visto así, Labyrinth es la única película que he visto que asocia el entorno al personaje de este mundo; Jareth es una extension de su propio reino, es oscuro, críptico, y no conocemos nada sobre él.

Y a pesar de lo inteligente que es esto (Llegando a dejar puzzles para que el espectador resuelva) tiene muy poco efecto en sentido visual los escenarios, a excepción de unos pocos, pero aún así su público más joven lo vió como otra manera de infundir algo de miedo; y sí, supongo que resulta efectivo verlo así, pero dejan claro que si alguien pretende ver este tipo de historia, irán a ver las dichas anteriormente si Labyrinth no tuviese un guión y unos personajes memorables; que tienen por supuesto.

Sabiendo que la historia presenta un buen ritmo, escenas para niños y adultos, y conceptos interesantes al proyectar en el cine; ¿cómo se juzgan las actuaciones, los personajes y la propia película en conjunto? Bueno, empecemos con la realización de los personajes, es decir, las marionetas:

Hay diseños muy creativos y demás interesantes, otros simplemente fueron creados para agregarle el factor miedo a la película, como los monstruos contorsionistas que se arrancan todas las partes de su cuerpo (Totalmente en serio) o los propios goblins; y sí son estúpidos, tienen voces estúpidas por los niños y demás, y sí tiene sentido que sean así. Después de una introducción un tanto oscura en el que se puede ver en detalle estas cosas, no querrás que el público más joven los rechace más tarde.
Dicho esto, el detalle de algunas marionetas están muy bien logradas y realizadas; pero de aquí sale otra crítica que muchos le han cargado a Jim Henson y a Frank Oz al realizarlas; resulta que hace 6 años crearon una de sus mejores marionetas para Star Wars, Yoda, el cual obtuvo unas expresiones en los ojos, y en los movimientos demasiado reales para la época. Las quejas van a parar a por qué no realizaron personajes con esas mismas técnicas para facilitar una mejor conexión y creencia en la historia.

Primero, la historia no necesita ser más oscura de lo que es, y si lo fuera, tendría que recaer en la figura de David Bowie, el cual como persona puede llegar aterrar más fácilmente, perdiendo el sentido de la historia y de la construcción de este villano.

Segundo, ¿no es esa la idea de que en esta película queremos alejarnos del fracaso de The Dark Crystal? En donde las expresiones como las marionetas eran repulsivas y poco favorecedoras para la historia, y construían un gran distracción y miedo a ambos públicos.

En general, es un buen trabajo que se sostiene a día de hoy en algunas de ellas, Hoggle aún necesita un mejor uso de esas expresiones, pero no ofrece una desventaja alguna a la película.

Y ahora hablemos de las actuaciones de nuestros protagonistas, 2 grandes actores que se han dado a conocer desde entonces y otros proyectos; empecemos con Sarah:

1. Sarah Williams

El personaje de Sarah en sí es el paso del mundo real a la fantasía, y de la fantasía a la responsabilidad, pero ya hablaremos de eso más tarde.
Creo que lo que me gusta es que, al contrario que otros personajes como Alicia, Wendy o Dorothy, ella está y se siente motivada por una razón real y más importante desde el principio, el rescate de su hermano.
Debido a esto, se ofrece una caracterización del personaje un poco más detallada, distinta, y específica que las dichas anteriormente, y controlada en una buena actuación que no suele desentonar en comparación con otras actrices en historias similares. Hay remordimientos, una lección, un interés previo por huir de ese mundo que antes recreaba.

Y sí, es Jennifer Connely en sus 17-19 años; no sé lo que ocurre cuando hablo con la gente de esta película, pero al parecer a muchos les ha dejado enamorados su gran impresión; supongo que se puede decir que para muchos que la vieron significó su primer flechazo en la gran pantalla.
Personalmente yo diría que cuando la vi pasamos por la misma situación de desatención y poco respeto y entendimiento por parte de los padres (en mi caso tristemente en más de una ocasión), esto me llevó a comprender mejor al personaje, y a interesarme por Connelly.
Pero mentiría si dijera que con los años se la puede ver como una mujer atractiva a la vista.

Honestamente, pensaba que cuando se referían a ella como un flechazo era en su aparición en The Rocketeer, sin duda una increíble actuación, ¡y se ve muy elegante a decir verdad!

Sin distraernos, opino que Connelly ofrece una mejor actuación en presencia de Bowie; su personaje mantiene un control y una atención en los detalles bastante efectiva la verdad; pero tristemente, por mucho que lo intente y lo bien que lo haga, todos nos fijamos en aquel que roba las escenas en Labyrinth.


2. David Bowie

Sí, ya es hora de hablar de aquel que no mueve los estrellas por nadie. Bowie es difícil de describir como actor, al menos en este papel.
Se mantiene misterioso, furioso, contento e incluso festivo en cada escena. Todo al mismo tiempo.
Como antes dije, parte de eso también se debe a que Jareth es un personaje del propio laberinto, complicado y enigmático, lo que deja con muchas preguntas y mucho tono de misterio en él.
Simplemente Bowie mantiene su impresión en orden de lo que ya estaba escrito y pensado en el personaje.
Ahora algo que no puedo dejar ir son las teorías de Jareth como un hombre enamorado de Sarah, la idea de que hace todo esto por estar con ella porque siente algo por la niña.
Creo que está bastante claro de que eso es solo una confusión que la gente ha usado para burlarse o hacer bromas sobre la película o incluso de David Bowie, pero para los que de verdad piensan así, no, no lo es, es solo una bobada.

Dejad explicarme, en caso de que muchos conozcáis el final de Labyrinth, cuando Jareth dice en el último momento "Estoy harto de vivir según lo que tú querías" está bastante claro que ese deseo y como la mira es la ambición de obtener libertad completa, de ser algo más que una marioneta; o así es como él se ve en ese sentido.
Así que viendo todas aquellas escenas en las que más de uno pensaba en ese posible enamoramiento, en realidad es una forma de anhelar algo que Jareth ve que no existe e intenta engañar a Sarah desde el principio.

Pero eso no es todo, como prometí un pensamiento de Bowie de lo que me afecta su perdida, hablaré sobre su contribución de la música de esta película, como de una opinión personal:

-Underground: Si dais click en el enlace que está en el título de la película, encontrareis una versión acortada de una canción tranquila y bien llevada por la voz de Bowie.
Realmente relajante, y bien editada de su versión original, una buena manera de meterse en el inicio de la película.

-Magic Dance: La canción más pegadiza de la película y la más conocida de todas.
Obviando "Major Tom" en los pantalones de Bowie (una broma hecha hasta el cansancio) sí, es bastante entretenida y pegadiza, la letra un poco ridícula pero es para darle una identidad y es para niños. Nada mal en el fondo y totalmente recomendable.
Me encanta ver el empeño que le pone Bowie en la escena.

-Chilly Down: WOW lo horrible que es esta escena. No por la canción o el hecho de que aparezcan los personajes creados para asustar a los niños.
Es probablemente una escena en la que la pantalla azul no funcionó, pero en la que por alguna razón dejaron dentro del proyecto por la canción o el sonido que no está del todo mal. Pero es del todo olvidable.

-As The World Falls Down: Otra canción olvidable para algunos, pero que en el fondo tiene un propósito atado a la historia. Aunque suene a excusa, sirve para que Sarah pierda tiempo en el rescate de Toby con esta estrafalaria fiesta de máscaras.
Me gusta bastante las libertades que han tenido para crear un escenario fuera de fantasía como el propio laberinto, como si estuviera metida en un sueño, en un relajante sueño acompañado de una voz tranquila que invita a olvidarse de todo.

-Within You: Realmente quiero que esta escena como la propia canción me gusten, pero no puedo, o es una cosa o la otra, os pondré al tanto.
La escena está situada en el climax de la película, en donde se ve que el propio castillo también presenta otro laberinto interno basado en los cuadros de M.C Escher específicamente "Relativity".
Esto es algo muy inteligente y creativo, añadiéndole una serie de técnicas innovadoras para confundirlo como el laberinto que es con el personaje de Jareth.
Pero es ahí donde fracasa para mi la escena, aunque sea el clímax y este cargado de tensión y emoción, de la nada Jareth pasa de ser un personaje tranquilo, furioso y misterioso, a ponerse triste, es más la letra de toda la canción es bastante deprimente. Pero mentiría si dijese que no me gusta; está bien cantada, lograda en una increíble escena para lo que esperamos, y después de todo, ese Jareth triste desaparece en unos pocos minutos.

En general, David Bowie fue un cantante prolífico que ofreció una gran cantidad de canciones y mucha dedicación y voz en ellas.
Mis sentimientos respecto a él son de respeto y arrepentimiento. He estado rodeado de mucha gente que ha estado escuchando su música, y yo lo único que hacia era pensar en que esa voz es la de ese personaje que tanto me gusta de aquella película que siempre echan en TVE en verano.
Con ya 15 años encontré la música que ya me empezaba a gustar, en el fondo antigua entre los '70-'80 y entre ellos volví a escuchar a Bowie, con una fuerte opinión  y gusto por lo que cantaba, y su negación a adaptarse a las nuevas letras que ahora gustan a la gente.

Finalmente, ¿qué podemos decir acerca de Labyrinth?
Es una de las mejores películas de los '80 para ser claros, por su historia, personajes e incluso canciones.
Todo esta logrado con una gran dedicación por parte de los actores como los directores.
Y he aquí algo que tan solo he visto proyectado en una película como Jumanji, la lección final.
Realmente me gusta, y debo decir que no es fácil de pillar, se ve que todo este esfuerzo de mundo de fantasía y obligatoria madurez conduce a crecer, a ser responsables con los que queremos, y encontrar nuestro lugar con el paso de los años.
Pero toda figura adulta insiste que para llegar a ese punto debemos de deshacernos de todo lo que encontrábamos interesante y nos gustaba en nuestra infancia; en otras palabras, olvidarnos de ella para mejorar como personas.

Ahí entra Jim Henson diciendo que no es del todo cierto, parte de nuestra meta no consiste en olvidarnos de todo lo que pasamos cuando éramos pequeños, es algo que no podemos olvidar porque lo necesitamos. Si queremos crecer y mejorar, necesitaremos ver que hicimos mal anteriormente, al igual que Sarah se obsesionó demasiado con sus gustos y eso le impidió ver por un momento su amor hacia su hermano.

Con una lección como esta, una historia tan entretenida, la idea de que se acerca su 30º aniversario, y el hecho de que David Bowie sea mayormente reconocido en el mundo del cine por su papel.
Labyrinth se ha convertido en una película atemporal que podrá aguantarlo todo gracias a que es fácil que encuentre a su público, hasta con la más ridícula de las escenas.

En fin eso es todo por hoy gente, como algunos habréis visto al inicio del análisis tengo algo que decir que os concierne.

Por razones distintas que no entraré en detalles, voy a dejar  en un tiempo de escribir, últimamente no veo ningún motivo o razón que me lleve a seguir compartiendo mi opinión con el blog.
¿Quiere decir esto que no volveréis a saber de mi? No hasta que encuentre un motivo razonable para seguir, lo que puede llevar bastante tiempo o solo un par de meses.

El caso es que la siguiente la crítica pondrá fin a mi periodo activo; y como no, estoy preparando algo grande a lo que no me he enfrentado nunca por su dificultad de analizar.
Pero os lo debo como última entrada, y pondre todo mi trabajo en ello para que lo disfrutéis, espero que sepais cual será.
Aquí me despido hasta la siguiente entrada, y como no, echad un vistazo a Labyrinth si no la habéis visto, y dejadme vuestra opinión sobre David Bowie, nos vemos!!!

"How did we end up here? This place is horrible... smells like balls."

El Crítico (1994-1995)

¡Feliz 2016 a todo el mundo! Seguro que os preguntáis por la película de esta semana.
Bueno, con motivo del inicio de este año, he decidido hacer algo nuevo.
Voy a hablar de una de las series más reveladoras e infravaloradas de los '90 como una especie de tributo-crítica por así decirlo.

The Critic fue una corta serie que desapareció de manera rápida de la televisión, y a pesar de lo reveladora que fue, no llegó a coger una gran presencia en la época; pero ¿cuál fue la razón de esto? ¿Y de verdad vale la pena hablar de una serie que nadie recuerda o conoce?
Bueno, antes de nada, hablemos de sus orígenes:

La serie fue creada por los productores y guionistas de Los Simpsons Al Jean y Mike Reiss, los cuales se centraron en la vida del crítico de cine Jay Sherman, un personaje "inteligente" y neurótico.
Normalmente los capítulos hablaban de su relación con otros personajes o entorno a su trabajo, nada diferente a otras series. Pero lo que la hacia especial era su increíble sentido del humor en general (Como en Los Simpsons, la comedia proviene de todos los personajes existentes, no de uno) en especial las parodias que mostraban de las películas en ridículas secuelas o en ciertos actores.

La serie presentaba a Jay como un divorciado de 36 años con un empleo como crítico en un show llamado Comming Attractions, donde se enfocaban en hacer las parodias de las películas, mientras el personaje las criticaba para mal diciendo su conocida frase (IT STINKS!).

De nuevo, no podían empezar una serie llena de humor como esta sin alguien apropiado para doblar a Jay; confiando así en el humorista actor Jon Lovitz un hombre que empezando en Saturday Night Live se le llegó a conocer por sus apariciones, y como no, sus imitaciones de Woody Allen.

Personalmete me gusta la voz del personaje en una opinión, pero sí, a veces puede volverse irritante.

En 1994 tuvo su primera temporada en la ABC, en donde a pesar de sus decentes rantings e interesantes capítulos, la cadena solo permitió la salida y la realización de trece episodios.
Como crítica de esta temporada e inicio de la serie, debo decir que tenia potencial el material, sin duda puedo deciros que mucho del humor que ponen está bien trabajado, y algunos de sus capítulos estaban adelantados a su tiempo (otro punto a hablar).
Pero si tuviese que hablar de por qué la cancelación de la serie, diría que nunca llegó a pensar en el tipo de publico al que estaría dirigido, un problema que no pudieron arreglar ya sea por la animación poco colorida, por los chistes, las películas que parodia, o incluso de los temas de los capítulos.

Después del "fracaso" con la ABC, en 1995 la FOX colaboró con la salida de la segunda temporada de la serie, en donde dio un giro por completo.
La animación anteriormente aunque era más detallada no expresaba aún a que público iba dirigido; bueno, ahora ante las nuevas ideas de la cadena está más orientada a un diseño sencillo y asociada a los niños, lo que lleva a un problema que muchos tuvieron.

Ahora se involucran temas más propios de una serie e imposibles, como Jay siendo un héroe durante la Guerra del Golfo, buscando al amor de su vida; ayudando a su jefe Duke Philips (Charles Napier) a ganarse la presidencia, etc.

Para ser una parodia de Ted Turner, Duke de 1995 se está convirtiendo en  Donald Trump con sus ideas de campaña...

Pero el humor adulto sigue ahí, lo que hace que esté fuera de lugar en algunos momentos; no obstante los "rantings" aumentaron por los temas, el nuevo humor o también podría ser por la incorporación de Alice Tompkins (Park Overall) quien está ahí como un interés romántico para Jay, es bastante graciosa con ese acento sureño, y a decir verdad el romance entre estos dos está muy bien llevada; algo agradable de ver.

"La mujer que ame será mi mejor amiga. Nos haremos reír, y nunca estaremos solos.
Su nombre será Alice, y tendrá un dulce acento sureño".

La segunda temporada en general amplió las historias, los chistes y los personajes; aunque la animación bajó, seguía siendo algo creativa y llena de detalles, en algunos momentos claro.

Jon Levitz también participó como cantante en muchos capítulos, y sí, suena bastante bien; es increíble el esfuerzo que pone, y es más, muchas canciones me recuerdan a la de "Save the orphans" que cantó en Dos Hombres y medio.

La prueba está en el mejor capítulo de todos y también mi favorito, en el que los ya fallecidos críticos de cine Siskel & Ebert ponen sus voces (Increíble  que se dejaran aparecer) en un gran capítulo en el que cada chiste va saltando sin descanso, está llena de canciones que dejan una gran impresión, y como no, son los mejores críticos del mundo haciendo aparición, no solo una parodia de su maravilloso trabajo.

"I can´t take either jobs, Roger and Gene have a great chemistry together"

Aún con todo lo dicho, FOX solo lanzo 10 capítulos, cancelando finalmente la serie en un lamentablemente último capítulo de recopilación  a pesar del éxito que tuvo y los fans que crearon.
Es una pena que no volvieran a tener otra oportunidad para volver a estar en antena, pero como ya dije, el público en general no entendía muchos de los chistes ingeniosos, o las historias de Jay no las veían del todo interesantes, así como con el personaje.

En cualquier momento todos hemos conocido al personaje de Jay Sherman en televisión.
De dónde diréis; bueno las conexiones con la serie de Los Simpsons le dio la oportunidad de hacer un crossover en uno de los mejores capítulos que hicieron en la 6º temporada,  y uno de los que todo el mundo recuerda.

Durante este capítulo (A Star is Burns/ Ha nacido una estrella) Springfield es vista como un pueblo de paletos sin cultura que está a punto de perder el sector turístico.
¿Solución? Marge propone crear un festival de películas para explotar la creatividad de los ciudadanos en donde propone a Jay ser juez del festival junto con Homer. Aquí en España Jay fue doblado por el querido Pepe Carábias, sí, el mismisimo Benji.

Algo que me gusta de este capítulo es que por si solo es un buen y entretenido capítulo, pero cuando ves ambas series en conjunto, es una mezcla de chistes creativos, trabajados, e incluso imborrables como clásicos, como por ejemplo la escena de la película de Barney, es increíble, va más allá de lo que se esperaba.

Acabando, debo decir que aunque The Critic no llegó a entenderse con la época, sus historias, personajes y su trabajo realizado, encaja a la perfección en estos años; y sí, se están escuchando rumores de una posible vuelta, lo que sería incluso una serie mejor de lo que fue anteriormente.

Como serie es muy conveniente los pocos capítulos que han hecho, pero se disfruta con todo lo que proyectan, algo de interés por si quieres matar parte de tu tiempo.

Duke y sus intentos de entrar en Juego de Tronos, "Winter is coming!"

En fin, esto es todo de momento, espero que si llegáis a darle una oportunidad me dejeis una opinión sobre este capítulo que os pondré como prueba, por si queréis arriesgaros con Siskel & Ebert & Jay & Alice .

Sé que esta crítica esta fuera de lugar, pero ya volveré de nuevo en febrero con otras ideas, que si en especial pensáis en alguna recomendación os lo agradecería de verdad.
Bueno, ¡hasta la siguiente entrada!