viernes, 17 de febrero de 2017

Rocky II (1979)



Muchas personas me pidieron que aprovechara el cuarenta aniversario de Rocky para criticar la película que creó la saga de Stallone y el popular personaje de Filadelfia, el único problema es que me adelanté un año antes con la salida de Creed y la analicé antes de tiempo.
Supongo que la solución más lógica es finalmente cerrar mi periodo de actividad en el blog con Rocky II una película que decide continuar la historia de Rocky Balboa.

Tiene bastante sentido ¿no? Tras el "inesperado" éxito que fue Rocky para todo el mundo, ganó una gran popularidad en EEUU, en los premios de la Academia, en Europa, e incluso Stallone empezó a codearse con distintos guionistas, actores y directores de cine que le llevaron a aprender más a fondo la tarea de dirigir una película, tomando así la tarea de llevar por sí mismo la saga desde entonces (Excepto por Rocky V).
De todas las secuelas esta es la más cercana al espíritu de la primera, y ademas vuelve a ser una de las que conecta otra vez con mi infancia ya que la vi tan solo una semana después de la primera, viéndola también como la continuación más conectada con la película original.
Al principio me gustó mucho, pero debo de admitir que con el paso de los años ha crecido en mí algo que tiende a disentir de la película, algo que me dice que no es perfecta por una serie de factores y la convierte en una de las más difíciles de ver en la saga, en mi opinión.

Explicaré esas cosas poco a poco, pero antes saltemos con la historia de Rocky II:

La película comienza inmediatamente donde Rocky lo dejó, ahora con Apollo (Carl Weathers) y Rocky Balboa (Sylvester Stallone) en el hospital después de haber terminado el combate.
Apollo está muy resentido con el inesperado resultado que Rocky ha dado en el ring, y con gran fervor e ira le reta a una revancha, pero Rocky decide pasar y retirarse del boxeo ahora que tiene la oportunidad de estar con Adrian, junto con la terrible noticia de que ha perdido parte de la visibilidad de su ojo derecho.
Ahora que Rocky es famoso y con dinero del combate toma las riendas de su nueva vida, se casa con Adrian (Talia Shire), compran una nueva casa, un coche, ropa llamativa, y empieza a participar en anuncios y a solicitar trabajos con su nueva situación.
A pesar de eso, nada funciona y Rocky vuelve a ser tentado de subir de nuevo al cuadrilátero a pesar de las negativas de su esposa, de Paulie (Burt Young) y de Mickey (Burgess Meredith), llevando a nuestro personaje a áreas y límites con los que nunca había contado que soportaría, junto con la presión de Apollo para celebrar el combate en el que demostrará su tenacidad en el boxeo.



La historia en la primera película seguía el concepto de luchar por tus sueños y mejorar el estado inicial a base de duro trabajo para poder dejar de ser ignorado y ganarte el respeto de todo el mundo.
Stallone creó muchas escenas a base de su vida y su persona ante esos momentos de dificultad, pero en Rocky II lo lleva al siguiente nivel, ahora la historia de Rocky Balboa se trata de luchar por sobrevivir, en ponerte de nuevo en marcha en el progreso de la vida y ver la dificultad que es en muchos momentos llegar a mantenerte en pie ante el resto del mundo.

Ya que hemos visto los humildes orígenes de Rocky Balboa y su forma de vida, es interesante ver el siguiente capítulo ahora que es popular, respetado, con dinero y casado con el amor de su vida.
Así se nos presenta el personaje, que aunque sea ingenuo y excitado por su nueva situación, no deja de ser el protagonista con el que conectábamos anteriormente; Rocky sigue siendo humilde y apasionado, es sólo que no sabe reconocer las nuevas oportunidades que se le han abierto.

Oportunidades oscurecidas por su inconsciencia, muchas de ellas se deben a la falta de confianza o a veces a un exceso de ella respecto a lo que busca o lo que compra.
Claro que la gente lo ve como parte de la comedia que es la película, pero a veces no está equilibrado de una manera clara.
Por ejemplo, proponen a Rocky hacer una serie de anuncios y así explotar su imagen y su popularidad, a lo que él accede, pero todo acaba en desastre cuando ven que no tiene el carisma necesario, no sabe actuar como es debido, y porque ¿no sabe leer? Pero qué me están contando.
Claro que esto está tomado otra vez de las experiencias de Sylvester Stallone una vez se dio a conocer, y muchas de las burlas también se enfocaron en la forma de hablar de SLY, pero está completamente exagerado en cuanto a la proyección del personaje de Rocky.

Pero vale, lo pillo, se trata de poner a Rocky en la situación de volver al boxeo, lo que de verdad se le da bien, lo que le apasiona, ¿recordáis lo de que está en el ring porque no es guapo ni sabe cantar ni bailar? Bueno, Rocky II nos deja muy claro este dato, pero para mí de una forma exagerada y que llega a arrastrar un tono deprimente en la historia de la película. 
A pesar de eso, me gusta la idea que da Stallone para situar a su personaje en problemas muy comunes a los que tendría cualquier espectador, lo que hace que muchas personas puedan a volver a conectar de nuevo con el personaje y su vida como se hizo en Rocky, a lo que estoy a favor y confirmo que consigue con éxito.
Favorece a crear un drama que funciona para muchos, y que en mi caso no me agrada, pero que reconozco que es importante en la historia.


En Rocky II muchos actores del anterior reparto vuelven a aparecer, pero de varias formas distintas que en la anterior.
Primero hablemos de Sylvester Stallone, una vez más su actuación vuelve a seguir los fieles pasos que hizo en la primera entrega para no poder distanciarse de su personaje, y Ricardo Solans vuelve también a dejar claro que conoce y entiende el doblaje que debe mostrar al público español para poder traducir apropiadamente la implicación, la energía y la pasión que SLY creó.
Muchos de los diálogos de Rocky cambian, y en esta entrega se mantiene sorprendentemente más profundo y gracioso en muchos momentos, tan solo mirad la escena en la que habla con Adrian sobre Butkiss, o como cuando se entera de que va a ser padre; su actitud aporta algo nuevo y diferente, pero que se mantiene fiel en todo momento.


Luego están esas escenas de tragedia que hablé antes, en las que vemos a SLY mantener el personaje con el optimismo y la actitud adecuada en la que se sentiría el personaje.
Normalmente la gente cuestiona el nivel de actuación de Sylvester Stallone fuera de la saga de Rocky o Rambo, pero insisto en verlo en Rocky II, es una de sus actuaciones más difíciles que ha hecho, pero que la eleva para poder mejorar la historia y ver la evolución del personaje ante las más duras de las depresiones.
La escena de la iglesia en la que reza por la salud de Adrian es el Everest del drama en esta película, y es fantástico el ambiente que logran crear en el.

Carl Weathers como Apollo también es fantástico, en esta ocasión está más presente en pantalla y no se para a presumir o alardear como vimos en Rocky, ahora es alguien totalmente distinto.
Hay un cambio que ahora sitúa a Apollo en una posición en el que quiere demostrar a todo el mundo y a sí mismo de lo que vale en el ring, una posición muy parecida a la que Rocky estuvo en el clímax de la anterior película, lo que me gustó mucho de pequeño, al igual que ahora.
Apollo siempre ha sido justo, tal vez condescendiente en algunas escenas de ambas películas, y OK no todo el mundo tiene porque gustarle su egocentrismo y confianza, pero Carl Weathers lleva una representación perfecta de la presión, la vergüenza y el resentimiento del campeón en cada escena, lo que lleva a añadir mucho drama y tensión en el combate final, y una mejor construcción del personaje que llega a sentirse comprensible su actitud en esta ocasión.




Tony Burton vuelve de nuevo interpretando a "Duke" el entrenador de Apollo, no sé por qué pero de pequeño siempre me ha dejado una gran impresión su personaje, como alguien que se ha tomado siempre a Rocky como un rival serio, y ahora en esta ocasión tiene mejor respuesta por parte de Apollo para el entrenamiento. Es otro personaje importante de la saga que no pasa desapercibido por lo genial que es la interpretación como las lineas que da, no está al nivel de Mickey, pero eso es porque es su propio y sabio personaje; su mejor rol es sin duda en Rocky III y un agradable cameo en Rocky Balboa, pero aquí también vale la pena mencionarle y ponerlo en pantalla.

Cualquier fan de la saga de Rocky habla de lo bien que se lo pasa a Stallone interpretando a Rocky, que para él es algo más que un personaje al que comprende más de lo que nosotros apreciamos, pero muchos de ellos olvidan también lo impresionante que puede llegar a ser Burgess Meredith como Mickey.



Él disfruta también de cada escena en la que su personaje interactua con Rocky, y llega a robar más de una escena en la que el drama vuelve a aparecer. Existe mucho dolor y desconsuelo en su actuación a lo largo de la película, lo que corrobora con esa arrastrada depresión de la que hablé antes; pero no me importa, soy capaz de perdonarlo si Burgess Meredith entra en escena.

Esta escena es triste la verdad, no me imagino la reacción que tendría el público de la época al verla.

Tal vez la mejor escena entre ambos personajes sea cuando se niega a entrenarlo por la falta de visión en el ojo, no está a la altura de la escena de la primera película en la que ambos discutieron, pero creo que es una escena muy tensa en la que permite ver a Stallone en una actitud de desconsuelo al negarle su ayuda, pero eso es tan solo debido a que en esta ocasión Mickey está preocupado por él, que teme por lo que le ocurra. Es brillante y perfecta de ver, toda una gran escena de Rocky II.





Burt Young vuelve de nuevo a interpretar a Paulie, y vaya si odio su presencia en la historia, ni siquiera puedo parar a detenerme a mirarlo, por el amor del cielo.
No tengo ni idea de lo que pensaría de él de pequeño, pero creo que su personaje es HORRIBLE en esta película, y no logro entender por qué Stallone le escribió de esa manera.
En la primera película era algo necesario verle cruel sobre su hermana y pensando siempre en el dinero que podría ganar trabajando para Gazzo, su actitud sirve para poder ver el personaje de Adrian como alguien débil debido a su entorno, pero que con confianza y ayuda puede llegar a demostrar al público y a Rocky la maravillosa persona que es, y que pese a todo cuida y quiere a su hermano.
Pero aquí, es un capullo sin compasión que es horroroso verle de nuevo al lado de una Adrian más vulnerable y emocionalmente frágil por su embarazo (Hablaremos de eso en un momento).

Paulie no es una mala persona, tiene un buen corazón y es un gran amigo, es solo que es muy fácil que se desvíe del camino y acabe mal parado. Por eso nos pasamos buena parte de la primera película con Rocky tratando de hacerle que cambie de opinión y que siga trabajando en el almacén del matadero; ¿simple, verdad? Se preocupa por él.

Entonces, ¿por qué demonios Rocky le da su puesto de cobrador al inicio de Rocky II?
¿Acaso no entendimos las razones de porqué Rocky le pedía que se alejara del mundo de Gazzo, o SLY estaba distraído en ese momento?

Mi teoría desde pequeño era que Apollo le dejó tan trastocada la cabeza que no supo ni a quien le estaba hablando, así de simple, ¡ea!



También hay cierta vergüenza en el ambiente que no me gusta durante la película, comenzando con Rocky vendiéndole su coche a Paulie, hasta el momento en el que trabaja en el gimnasio; la gente comienza a tratarle sin respeto, pero de una forma más mezquina y cruel que antes. ¿Qué demonios?
Todo ello "sirve" para situar a Rocky en ese estado de anhelo por volver al boxeo, porque siente que es para lo que a nacido, pese a la negativa de Adrian.
Como dije antes, creo que exageraron mucho el poner a Rocky en ese estado de lástima que obliga a arrastrar ese tipo de drama durante toda la película (Lo que la hace difícil de verla para mí), es cierto que algunas escenas funcionan, pero otras son horribles de ver y no contribuyen a nada para el espectador.

Ahora hablemos de Talia Shire haciendo de Adrian; en mi anterior entrada alabé su actuación al igual que al personaje, pero aquí se presenta un poco fuera de la trama junto con una importancia que no veo bien equilibrada, algo que lamentablemente perdurará en muchas secuelas.


Pero apesar de eso me sigue gustando mucho ver a Adrian tan feliz y optimista, la escena en la que Rocky le propone matrimonio es encantadora y especial, junto con la escena de su boda; es solo que en la historia Talia Shire no tiene mucho que ofrecer diferente en su actuación, se muestra de la misma forma que hizo antes pero aún así se mantiene fiel a su personaje y también preocupa al público debido a la presión a la que ella también se sitúa.

Se puede también notar el amor que ambos presentan y la necesidad de apoyo que Rocky y Adrian tienen, como vimos cuando Rocky le dice que va a salir de su retiro, a pesar de que ella no se lo impide y tampoco se siente cómoda. Rocky necesita saber que ella está de su parte, de su lado, a lo que lleva un desinterés por su parte en los entrenamientos que Mickey le replica en una gran e inoportuna escena por lo que sucede en adelante.
Rocky y Adrian se necesitan para poder seguir en adelante, y aunque aquí no haya escenas tan brillantes como hubo en Rocky, ayudan a desarrollar su relación de una manera bastante gratificante para el público. En verdad Stallone escribió una verdadera relación de amor entre estos 2 personajes.



Como antes dije, la necesidad de poner a Rocky al borde del estrés de su vida y en una profunda depresión está exagerada a la hora de verlo, pero el drama se crea a partir de una base, o al menos hasta que Paulie vuelve a aparecer.
Sí, mi única crítica a Rocky II es la escena en la que Paulie confronta la actitud de Adrian con Rocky, el por qué no le apoya como una buena esposa, y debido a la brutalidad con la que la habla, la presión a la que se ha sometido también ella, y su estado actual, Adrian sufre un desmayo que la deja en un coma permanente tras haber dado a luz demasiado pronto.
Es la escena que más odio de toda la película porque nos obliga de nuevo a ver el drama de una forma innecesaria, nos obliga también a ver que la funcionalidad de Paulie era detonar su furia sobre Adrian y dejarla fuera de escena durante mucho tiempo, teniendo que estar sin Talia Shire como foco.
Rocky está muy deprimido, y ni siquiera quiere ir a ver a su hijo recién nacido hasta que Adrian despierte, lo que también es bastante duro de oír, pero al final todo sale bien para relajarnos, supongo.

Lo único que veo para apoyar esa escena son tres cosas; la primera es la fantástica escena en la que Mickey va a ver a Rocky en la iglesia y se disculpa por como se ha comportado con él durante el entrenamiento, un profundo silencio de ira y tristeza por fin le hace entender que ahora no lo necesita como su entrenador, sino como a su amigo al que necesita ahora más que nunca para poder hacer frente las dificultades que se le acaban de presentar, y poder de nuevo ponerse en pie un día más.
Burgess Meredith es fantastico como siempre y Stallone le escribió en mi opinión uno de los mejores diálogos de toda la saga, hay una calma y tanta emoción en su voz que es imposible ignorar la belleza de esa tranquila atmósfera que han creado para preocuparnos por Adrian y por Rocky, es simplemente perfecta.




La segunda es la escena en la que Adrian despierta, es precioso por ver todo lo que han pasado los personajes y por fin respirar tranquilos y en calma, hay un alivio ante tan cargada y dramática atmósfera que las simples palabras de Adrian a Rocky apoyándole para hacer frente a Apollo son preciosas, por fin está del lado de su marido junto a su pequeño hijo Robert.
Una imagen hermosa la que llega a dirigir Stallone.

Rocky, Adrian y Robert Balboa, ¿no es algo precioso la imagen que dan estos 3 como familia?

Hablando de Robert, ¿sabíais que Sylvester Stallone escribió originalmente una escena en la que se encontraba por primera vez con Mickey, en la cual le hace saber su verdadero nombre?
No he oído nada de si se llegó a filmar tal cosa, pero creo que habría funcionado como un descanso de esta historia tan tensa, es solo mi opinión personal.

La tercera es la cosa que Rocky hace por Adrian, ganar; inmediatamente de recibir el apoyo de su esposa saltamos a lo más conocido de la saga de Rocky, el montaje de entrenamiento, salvo que en esta ocasión Stallone nos da dos escenas para ver con dos distintas canciones de Bill Conti el compositor de la anterior película.

En la primera se ve como un tono serio pero de un logro grande cada vez que comparten escena Rocky y Mickey corriendo a por las gallinas, practicando la velocidad y la fuerza de Rocky, todo ello acompañado de la canción de Redemption.
Una prueba más dura, pero también ajustada a un entrenamiento real en cualquier boxeador.




El segundo montaje de entrenamiento es un regreso a la escena en la que volvemos de nuevo a ver a Rocky corriendo por las calles de Filadelfia mientras escuchamos otra vez Gonna Fly Now pero ahora con un distinto coro (Creo que de los niños que aparecen durante la película).
Me gusta mucho que en esta ocasión sea de mayor felicidad y optimismo, que muestren ahora a la gente apoyando a Rocky por el gran combate, recordándonos que el gran respeto que se ganó nunca se perdió, sólo necesitaba ponerse a la altura de esas grandes circunstancias para poder verlo.
La parte en la que corre con más de 800 niños es una clara referencia del orgullo que sintió la ciudad de Filadelfia por el personaje, junto con el apoyo que por fin respaldan a Rocky; es impresionante el trabajo de la cámara y la dedicación que da Stallone durante la marcha que lleva hasta el museo.



La imagen en la que sube de nuevo las escaleras hacia el museo de Filadelfia era y es una gran imagen que confirman en esta película como algo humilde, épico e icónico.
Cada día la gente sube esas escaleras para homenajear el esfuerzo de Rocky de salir desde los suburbios hasta el éxito gracias al trabajo y la dedicación que uno pone en lo que ama y lo que disfruta, y la gente sigue y seguirá alzando sus manos gloriosas de la misma manera que el personaje por lo que nos ha enseñado durante cada escena de la saga.

No hace mucho tuve la oportunidad de hablar sobre la influencia de la saga de Rocky con mi compañera Tiziana, quien practica boxeo entre muchos otros deportes; compartió conmigo la emoción y motivación que puede llegar a plasmar un personaje como éste debido a las similitudes que expresa con el público. Ella lo considera como una perfecta representación de su indescansable espíritu indómito, y una perfecta figura a la que admirar durante la búsqueda del éxito y el trabajo.
Como ya dije, en Rocky II trata de ver a Rocky Balboa como lucha por sobrevivir a crear una nueva vida y ponerse en pie ante las dificultades de la vida.



Entonces, repasando todo tenemos un avance y un mayor desarrollo de los personajes y sus actuaciones, fenomenales diálogos y escenas bastantes graciosas que compensan también el drama que la película crea. Y aunque personalmente se hacen difíciles de ver para mí, admito que están bien llevadas y la convierten en una característica más de la película.
Mi escena favorita es en la que Rocky llama al padre a la iglesia para que le bendiga antes del combate, eso sí fue gracioso, ¡vaya si me reí con esta escena de pequeño XD!



Me encanta el enfoque que tiene cada personaje, y aunque en cierta parte Paulie no esté bien empleado en la historia, creo que Burt Young hizo lo que se le encomendó y nada se le puede echar en cara.
Apollo y Duke son un buen enfoque ahora en la historia, Mickey es FANTÁSTICO llegando a superarse en esta ocasión. Adrian brilla al lado de Rocky, y nuestro protagonista logra mantenerse ante tales presiones y trivialidades. Tan solo por esto vale la pena ver la película.

¡Vaya gran reparto y grupo de actores que tenemos aquí!

Ahora hablemos del combate final entre Apollo y Rocky; jamas había oído tanta negatividad respecto a este combate, mucha gente ha hablado de lo falso que es en esta ocasión y que el final es una completa bufonería entre otras cosas.
De pequeño yo no pensaba de esa manera, me vi bastante implicado en la pelea y en como ambos habían mejorado desde el anterior combate. Pero volviéndola a ver tras tantos años, creo que entiendo tanta decepción al respecto, vamos poco a poco, porque también tiene sus cosas buenas para ser justos.



¿Es mejor que el montaje del anterior combate? La verdad es que no, muchas escenas se nota que el sonido no encuadra con los golpes y puede notarse bastante la falsedad del combate, no hay una buena coreografía, tiene una duración algo más extensa, y el momento final del último round mucha gente no la considera seria ni real. Stallone sufrió un accidente en el pecho durante el rodaje, de ahí que durante la película se centren en lo del problema del ojo y en enseñar a Rocky a pelear también como un diestro.
Pero en mi opinión hay un buen uso de la cámara, es el primer combate que también usa slow-motion antes de que se usará como un cliché, y a pesar de la escena en la que ambos caen y Rocky se levanta antes de que suene la campana, aún se conserva la tensión y el peso del drama de la escena, convirtiéndose en una victoria que en cierta manera encaja con la personalidad que hemos estado viendo en Rocky.




Algo que nunca me había dado cuenta hasta ahora es el final de cada película, la saga siempre tiene una forma segura de acabar con la que uno no consideraría una continuación, lo que las hace inesperadas para el público cada vez que planearon hacerlas.
Me encanta el cierre del combate en el que Rocky levanta el cinturón del campeón y agradece a Apollo por su deportividad y la oportunidad del combate, siempre humilde y con un gran corazón, y como olvidar a Adrian diciéndole una vez más que le quiere, es algo fantástico y triunfante al sonido de la música.

"YO ADRIAN, I DID IT!!!"

En conclusión, Rocky II tiene sus pros y sus contras, no es tan buena como su predecesora versión ganadora a un Oscar, pero nunca ha pensado en ser eso sino más en ser una continuación de una perfecta e inspiradora historia.
Es cierto que tengo problemas con la forma en la que se plantea el drama en la película sobre Rocky, pero eso no impide que admire y respete lo que han logrado, y el que el resto del público disfrute de esas escenas.
Esta es la única secuela que se mantiene más cercana al tono y al espíritu de Rocky, está bien dirigida, mantiene la historia fiel a sus seguidores, avanza el arco de los personajes y sorprende también con grandes actuaciones por parte de Sylvester Stallone, Talia Shire y Burgess Meredith.
Es sin duda una perfecta continuación, y tal vez la mejor secuela de toda la saga de Rocky Balboa.


Con esto pongo fin a mi periodo de actividad en el blog.
Quiero agradeceros una vez más a todos por haber compartido vuestro interés por el blog una vez más, junto con Tiziana por haberme contagiado con el deseo de subir Rocky II, y si os ha gustado esta entrada y deseáis otra para Rocky III os invito a participar con más sugerencias.
Durante mi periodo de descanso estaré buscando más películas por subir al blog, junto con otras formas de expresarme. Este descanso me permitirá subir nuevo material y descansar un poco del trabajo que he estado manteniendo, espero que podáis entenderlo y podáis también participar en la nueva trayectoria que quiero crear.

¡Nos veremos en abril o mayo, hasta la siguiente entrada y gracias por vuestra atención!

jueves, 9 de febrero de 2017

Whiplash (2014)



Creo que a la hora de hablar de las mejores películas nominadas a la Academia, no hay mejor ejemplo que el del 2014, estaban Birdman, La teoría del todo, Interstellar, The Imitation Game, El Gran Hotel Budapest, Boyhood, Nightcrawler, Selma; muchas películas buenísimas estuvieron nominadas, pero luego llega una obra única de Damien Chazelle atada intensamente a la música, y que fue totalmente original, dura e impactante, Whiplash.

La historia acerca de la introducción de Andrew Neiman (Miles Teller) en el Conservatorio Shaffer comienza con una pequeña prueba de lo que vale este joven aspirante a Batería al coro del exigente director de orquesta Terence Fletcher (J.K. Simmons); la continua práctica le lleva a participar en su banda de estudio, en donde Andrew observa su comportamiento abusivo, burlas e irascibilidad con los miembros de la banda, y que experimentará en la clase al no llegar a mantener el "tempo" de Fletcher.
Muchos abandonarían de inmediato, pero Andrew ve la oportunidad de mejorar y llegar también a complacer a Fletcher para poder aprender ante su durísima y violenta tutela, para desgracia de su novia Nicole (Melissa Benoit) y su padre Jim (Paul Reiser).
Nadie dijo que llegar a lo más alto para ser un célebre músico fuese fácil, y Andrew se verá ciego a medida que pasa el tiempo, que aunque el camino que ha escogido sea el más rápido, mejor, y difícil de todos, también es el que más atacará a su persona.



Blues y Jazz son mis preferencias favoritas en cuanto a música, con lo que podéis suponer mi opinión sobre Whiplash, cierto que es una película difícil de analizar, pero es imposible ignorarla cuando toca comentar acerca de obras maestras, música y sólidas actuaciones.
Hablemos un poco de Andrew, el protagonista; Miles Teller toca la batería desde los 15 años y realmente consigue llevar a la gran pantalla el estilo, la tensión y la dificultad que es tocar con una banda la batería, pero también de forma natural cuando se le necesita.



Me gusta la idea que han tenido de reflejar la historia en un chico de 19 años durante su primer año de universidad/conservatorio porque muchas cosas que representan se reflejan de una forma auténtica y real; es cierto que durante el primer año muchos alumnos tienden a sentirse solos debido a la presión del trabajo, la distancia que les separa de su casa, y que poco a poco se van alejando de todo el mundo hasta acabar en una situación de depresión y ansiedad.
Yo he pasado por eso más de una vez en la universidad, con lo que choca mucho con mi persona ver a Andrew en una situación tan real y fácil de situarse (Perfecto Chazelle).
Todo está reflejado de una forma realista, deprimente, y con Miles Teller expresando su situación a través de la música que escucha y el ambiente en el que se encuentra.

Normalmente la cámara siempre le refleja solo, sin compañeros o amistades, como si no encajará en el conservatorio, pero que aún sigue adelante porque le gusta tocar, porque quiere hacerse probar ante Fletcher y ganarse su puesto en la banda con la práctica, a pesar de su método de enseñanza.



La ansiedad y la presión es palpable con el constante sonido de batería que va acompañándolo poco a poco, hasta dejar sin respiración la escena. El desgaste que va sufriendo Andrew está muy bien llevado y es auténtico, más que nada por la dureza que conocemos que Fletcher le somete, o por la forma en la que se enfoca la cámara en el dolor que va pasando cada vez que toca, las horas, los sacrificios, el aumento del sonido que agrava la tensión, y la violencia física. Es un no parar.



Ni siquiera sé que más decir sobre el personaje y la actuación, hay algo especial en Andrew que rompe con el cliché de los demás personajes en un drama parecidos en este género, creo que se debe a la edad y el dolor que sufre, junto con las formas que la película nos da para identificarnos con él.
Por ejemplo, muchas tomas nos explican el dolor que es tocar la batería, y la dificultad que es mantener la presión en las muñecas tocando el instrumento, al igual que poder saber y controlar no adelantarte al ritmo de la banda o retrasarte.
Todo eso es muy difícil la verdad, no soy un profesional a la hora de tocar un instrumento, pero puedo aseguraros que ocasionalmente cuando me ponía con la batería de unos amigos no podía aguantar el movimiento de las muñecas y el dolor de cada sesión. Sólo quiero decir que el dolor por el que pasa es real y está llevada en una buena cinematografía (De la que hablaremos más tarde) y en una perfecta actuación.



Whiplash también habla de un comentario social respecto a los músicos, breve, pero que contribuye a ser consciente de como tratamos a quienes estudian en los conservatorios.
Hay una escena en la que Andrew está cenando con su padre, sus tíos y sus primos que se dedican al fútbol americano como carrera deportiva.
Instantaneamente notamos en el ambiente algo incómodo e irrespetuoso hacia nuestro protagonista por parte de sus tíos y sus primos, y eso es su sueño de ser músico.
No lo toman en serio, sus logros parecen no valer nada (Lo mismo piensa de ellos en el deporte) ya que opinan que ser músico es algo ridículo y sin objetivo, de ahí que saquen su soledad y el que no tenga amigos ni una vida como la de sus primos.
Lo interesante de esta escena es el menosprecio, nosotros sabemos que Andrew no ha llevado bien todos sus esfuerzos y el tiempo que ha empleado para impresionar a Fletcher, y eso sólo respecto a él, no conocemos al resto de la banda pero imaginamos que también sufren como nuestro protagonista.
Lo que quiero decir es ¿cuántos de nosotros conocíamos lo que implicaba tocar en una banda, el esfuerzo, el trabajo, el dolor de ser sustituido, la coordinación que debes tener, junto con el cuidado físico que implica?



Yo formaba en parte de ese pensamiento, y quisiera disculparme ante todos aquellos músicos que al igual que Andrew han debido soportar esto.
Es difícil explicar tus gustos por el cine, la medicina, la música o cualquier otra cosa en el que dedicas parte de tu tiempo, o de por qué quieres labrarte un futuro a partir de ello a un grupo de personas que no te entienden; pero Whiplash consigue con éxito entender ese punto, al igual que la forma correcta para ignorar esa clase de personas.

Miles Teller muestra una evolución al igual que una caída progresivamente, lo que ayuda a ver la película como también una experiencia visual, junto con las partes técnicas.
Vemos como se empareja con Nicole de una forma breve y encantadora (lo que ofrece un descanso de la batería y de las escenas del conservatorio), yendo al cine con su padre o disfrutar de una cena con el resto de su familia.
A medida que avanza la historia, las prácticas, y el tiempo, observamos la impresión y el gusto por su trabajo, y una menor conexión con la vida de Andrew, ahora centrándonos más en su objetivo de impresionar a Fletcher y conservar su puesto en la banda.
Y pasamos a varias escenas en las que se desconecta del mundo real para centrarse en su técnica y en practicar, ignorando las llamadas de su padre y más tarde, cortando con Nicole.

Aunque breve, Melissa Benoit hace un gran trabajo como Nicole.

Esta es una de las pocas escenas que pienso que han exagerado la primera vez que la vi, pero debo de admitir que al verla varias veces llega a sentirse la ruptura como algo natural en ese ambiente universitario, apoyando así al tema del desgaste en el trabajo, a esa excusa implicación en el área de estudio que es capaz de aislar a las personas de sus familias, amigos o novias. Pero aún así se siente algo raro e irreal.

Andrew rompe con Nicole para centrarse más en la banda y en Fletcher, conque todo ira bien a partir de ahora, ¿no?
Error rotundo, ahora es cuando las cosas van a empeorar y vemos esa caída progresiva, sin nadie a su lado y con 2 alumnos que pretenden quitarle el puesto, Andrew se ve envuelto en varios problemas que hace que pierda los nervios durante una de las competiciones, poco a poco deja de mostrarse como la simpática, callada y fácil persona de impresionar que era, para ahora adoptar una actitud parecida a la de Fletcher, muy irascible, pero también estresado y confuso por miedo a perder su importancia con la batería.



Lo que lleva a mi escena menos favorita de Whiplash, el accidente de coche.
Antes que nada voy a decir que es una escena impactante, que me pilló por sorpresa, de verdad, al igual que el público del cine no esperaba eso, fue un susto muy grande.
Y ademas logra su propósito de ver a Andrew enloquecido por la importancia de algo que no vale tanto la pena en comparación de su salud y su capacidad de tocar la batería; junto con su confrontación con Fletcher en plena competición; simplemente la escena más tensa y dura de ver de toda la película, algo impresionante por parte de Miles Teller.



Diré que aunque también pienso que han exagerado esta escena, no les quedaba otra que ampliarla de esta manera para mostrar la perjudificación que es la obsesión insana de nuestros objetivos como de nuestras metas, el comportamiento de Fletcher tenía que llevarnos algo tan grande como esto, para bien o para mal. Damien Chazelle  dirige con convicción una escena que podía no haber funcionado, para luego tratarla como una alejada pero posible realidad ante aquellos que se enfrascan en tal peligroso comportamiento; todo ello acompañado de la batería de fondo que presiona sobre la escena y la emoción del público.



Es hora de hablar de la música junto con la parte técnica de Whiplash.
Podemos agradecer al director junto con el músico Justin Hurwitz por la selección de partituras para la película tanto a la hora de tocarlos como el sonido de batería que emplean para las escenas más importantes de la película.
Algunas son fundamentalmente conocidas partituras de Blues y Jazz para presenciar a la banda y a Andrew metiendo la pata con el tempo, o coordinando con algunos magníficos sonidos de saxofón, trombón, trompeta y violonchelo (Como todo el mundo sabe, si hay un saxofón en una canción, me gustará al instante); al igual que el uso que emplean con ellas para poner la cámara como un ángulo acelerado y tenso de la visión de Andrew.
Personalmente Whiplash, Caravine, Upswingin y Overture son las más melódicas, intensas e interesantes canciones de todo el disco, pero la que de verdad me gustó fue la de Fletcher en el bar en el que se encuentra con Andrew, muy relajada y que permite respirar de la acción del tercer acto.



El montaje de Tom Cross al igual que la cinematografía de Sharone Meir es uno de los mejores que he visto, el mejor del 2014 a mi parecer.



El uso de la velocidad, el tiempo, las imágenes, y la música lo convierten en un trabajo coordinado como el de una banda, un trabajo que confirma que Whiplash estuvo pensado como una experiencia visual y musical ante un protagonista muy emocional e inseguro ante este nuevo entorno.
La cámara hace un gran trabajo transmitiendo su estrés, y la importancia de lo que es para él estar en esa banda y aprender para complacer después a Fletcher con sus resultados.
Jamás una película hizo claro lo difícil que es tocar en una orquesta como se observa en esta dramática historia.




Entonces, de todas las películas sacadas en 2014, ya sabéis que Whiplash es para mí la mejor respecto al trabajo técnico, la música y el montaje, junto con la representación del protagonista que pasa por una de las fases más comunes en cualquier universitario primerizo, pero en el peor de los casos.
Entonces ¿queda algo más por hablar? Desde luego, y ese es el Mejor Actor de Reparto de 2014, J.K. Simmons como el director Terence Fletcher.

Ni se os ocurra juzgarle por su apariencia, es mucho más de lo que aparenta este gran personaje.


Me encanta J.K. Simmons, es uno de los actores que más me gustan respecto al cine actual, su voz es magnífica en los doblajes que realiza, pero también es un actor muy versátil y trabajador ante todo; tal vez lo reconozcáis como J. J. Jameson en la saga de Spiderman o como el padre de Ellen Page en Juno, también hablamos de su pequeña participación en el blog con Thank You For Smoking.

Aquí le tenemos como alguien exigente y duro de ganar su atención, que requiere de la más absoluta coordinación de una banda de orquesta a la que los errores no se les pueda aplicar, para que así pueda dirigirla a su manera y de todas las formas posibles que hay. Y la suya es la más intensa que existe.

"Not quite my tempo"


La introducción del personaje es la de la película, se escucha un toque militar de batería en el que poco a poco la cámara se acerca a Andrew tocando, y se presenta Fletcher preguntando por qué para de tocar y que continue manteniendo el ritmo, a lo que Andrew continua hasta parar, pero Fletcher le vuelve a decir que nadie le ha dicho que pare, que continue hasta llegar al punto de mayor velocidad. Y así como apareció de la oscuridad del pasillo, se va de nuevo para decepción de Andrew.
No contiene mucho que digamos, pero es la presentación de los personajes principales ante el tema que enlaza el final de la película, el no parar de tocar, no esperar una respuesta, continuar hasta donde puedes llegar. Sé que no tiene sentido de momento, pero hablaremos de ello más en adelante.
Damien Chazelle explicó esta escena en Anatomy of a Scene del New York Times que lo que trata de mostrar es la amenaza que se presenta en la película.




La actuación es impresionante, está equilibrada en una linea perfecta que no llega a ser un personaje exagerado que parezca una caricatura o una parodia, no existe ni un solo elemento cómico respecto a su carácter enfurecido, está llevado con una dureza que se siente natural y real ante un profesor o maestro que conoce como reaccionar ante lo que espera que se le presente delante; no existe ninguna escena de maltrato injustificado y Fletcher está pensando siempre en un método de enseñanza; algo falla y deben reaccionar y darse cuenta de cuál es su error, y remediarlo rápidamente, lo que le enfurece completamente cuando sus alumnos no ven en por qué fallan, o no saben cómo lograr superarlo.
Mucha gente compara el personaje y la actuación con el increíble R. Lee Army a quien tal vez reconoceréis por su papel como el sargento de La Chaqueta Metálica pero la diferencia entre los dos es que Fletcher se siente real debido a su centro moral que se desvela al final de la película, junto con la humanización que la película va mostrando poco a poco.



Pero sí, quitando lo dicho anteriormente, hay algo de inspiración en la actitud abusiva que vimos de uno de los actores más geniales del Cuerpo de Marines de los Estados Unidos de América; aunque Fletcher tan solo es así a la hora de enseñar, no como una muestra de respeto.
Tomad la escena del chico del trombón, primera vez que Andrew asiste a la nueva banda e inmediatamente conoce la dificultad que es estar con Fletcher como director, que no consiente la incompetencia de ningún miembro de la banda, pero no de la manera que nosotros pensábamos (En el fondo se le puede entender en esta escena, pero sigue siendo un poco cabrón).



Pero tampoco es quien se deja ver ante los personajes como Andrew, hay varias escenas en las que se muestra amable, comprensible e incluso más abierto que cuando dirige a estos músicos.
Cierto que las escenas como cuando le dice a Andrew que se relaje antes de tocar en la clase son falsas, muestras de simpatía que emplea para poder desplegar sobre él burlas respecto a lo que conoce  de sus alumnos. Pero luego está la escena del bar (O la de la hija de su amigo, junto con la muerte de Sean Casey) en el que poco a poco Fletcher habla con Andrew de la naturaleza de su enseñanza y de sus motivos de su comportamiento; todo ello acompañado de una música bella, suave, y con un sólo de piano tan melódico que demuestra que las apariencias engañan.

Hay una buena dirección junto con una gran y sorprendentemente actuación en la que se muestra sensible, pero también firme ante sus ideales; es el eslabón que faltaba por saber el público y Andrew acerca de la conexión entre mentor y alumno.




Tengo que admitir que la escena es gratificante de ver y de poder conocer más al personaje de Fletcher, el como se relaciona con Andrew y sus sueños de ser músico profesional se ata también con la sensibilidad del público, junto con la revelación del final, pero antes hablemos del propósito de su enseñanza.
Fletcher considera que las palabras "Buen trabajo" son las peores que pueden existir a la hora de trabajar con sus alumnos, de alguna manera conecta el hecho de llegar a un punto en el que cumplimos las expectativas que esperan de nosotros, con la idea de llegar ahí y esperar cierta satisfacción por el duro trabajo.
Pero Fletcher está en contra de todo esto, de ser por esos maestros nunca habrían existido grandes músicos como Louis Armstrong o Charlie Parker, él quiere que sus alumnos den más de lo que ofrecen y muestren todo ese trabajo continuamente, siempre intentando que se superen y llegar a avanzar día a día, de ahí su carácter irascible y abusivo, para que dejen de observarle como alguien a quien tratar de complacer o de admirar, sino como alguien que les provoca a superarse a través del dolor, la presión o incluso el odio.
Y así se muestra Fletcher, como alguien que sigue trabajando para poder alentar al progreso de los futuros músicos, y conociendo la firmeza de sus convicciones y su confianza en ellas, no se arrepiente de nada de eso, y no le culpo por ello.



Es bastante difícil no entender a este hombre, por un lado admiras lo que trata de lograr, diciendo que cree tan firme en eso que no lamenta nada, aunque eso haya significado la muerte de Sean Casey, su despido y la expulsión de Andrew en el conservatorio. De repente Andrew al igual que el público comprenden que hay mucho más en esa obsesión por el trabajo, y que tal vez por fin nuestros personajes se entienden ya como maestro y alumno.



Llegando ya al final, Fletcher le propone a Andrew como disculpa por lo que ha pasado que sustituya a su batería para participar en el J.V.C. del Lincoln Center, una importante exposición de música de Jazz que puede ofrecerle la oportunidad de llamar la atención para otros proyectos de futuros que le pueden llevar lejos.
Ahora, hay 2 formas de ver el final de Whiplash que destacan por su significado y el mensaje que han estado llevando con Andrew, de los que hablaremos en un momento.
Como ya sabeis la preparación de este festival nos deja ver los resultados de la obsesión del protagonista ante el objetivo de mantener su puesto en la banda, y de como de vacío se siente al haber dejado de lado sus sueños de ser un batería profesional.
Hay una soledad desoladora en Andrew, en el que a pesar de estar al lado de su padre, y por fin fuera de la sombra de Fletcher, algo no va bien.
Nicole vuelve a su lado como amiga, ahora está con un novio al que no vemos, pero que se muestra aún atenta y alegre por saber de Andrew, a pesar de que éste empieza a conocer las fatalidades que hay cuando vuelcas tanto tu persona en tu trabajo. Destruyen tu vida.

¿Por qué hablo de esto? Está muy enlazado con el mensaje del primer tipo de final; me explicaré, durante el festival Fletcher le dice a Andrew que siempre ha sabido que fue él quien le denunció por maltrato en Shaffer, y así inesperadamente observamos como Fletcher deja a Andrew en ridículo en pleno Lincoln Center al empezar con la partitura de Upswingin, una canción que nunca había tocado; y como bien dijo el condenado director de orquesta, ese público tan exigente nunca olvida nada.

Avergonzado y dolorido, Andrew sale corriendo del escenario al encuentro de su padre, quien una vez más le brinda el apoyo que necesita, abrazándolo y consolándolo, como ha hecho durante toda la trama, pero no de una forma estereotipada que hay con los padres en este tipo de películas, aquí este hombre comprende totalmente a su hijo, y una vez más decide apoyarlo en su hora más baja.

Supongo que no tendré otra oportunidad para decirlo pero también Paul Reiser como el padre de Andrew es un personaje maravilloso de ver, representa la primera forma de ver el final de esta película, el ver que la obsesión de tu trabajo pese a ser tóxica y que destroza las relaciones que creas, también te recuerda quien está a tu lado en todo momento, quién es la mano amiga que realmente comprende por lo que pasas, o incluso no lo entienda, pero que siempre estará ahí para ayudarte, no importa lo que ocurra; y que es simbolizado como algo que vale la pena de de preservar.
Durante ese abrazo que comparten, Jim Neiman está idealizado como el consuelo que es no haber cumplido nuestros objetivos ante tales presiones, la idea de que tener y lograr ese tipo de metas no es lo más importante en esta vida, sino quienes están a tu lado para apoyarte.
Brillante Damien Chazelle, buen movimiento.



Respecto a la segunda forma de ver el final de la película es sencillo, la primera estaba centrada en un mensaje no solo para el personaje de Andrew, sino también para todos aquellos que se hayan sentido identificados con su situación durante el resto de la película, yo entre ellos me incluyo. Pero ahora comienza el final de Andrew, aquel que él mismo crea y que debe servirnos de inspiración para nuestro afán de lograr nuestras metas.
Ahora que conocemos el resultado de trabajar con Fletcher, el romper tus conexiones con tus amigos o con tu novia, queda ver el resultado, el que se consigue cuando desconectas del mundo real para centrarte obsesivamente en tu estudio o práctica de algo importante en tu vida; simple, el resultado es el final de Whiplash.

Andrew decide hacerle frente a Fletcher e instantáneamente decide seguir en adelante con la batería, de la nada empieza a tocar Caravan sin anuncio del director, y el resto de la banda decide seguirlo con los sonidos del saxofón, las trompetas y el violonchelo; por fin Andrew ha comprendido la motivación para seguir en adelante, ya no se trata de impresionar a Fletcher, ahora decide continuar por sí mismo por el odio que le ha surgido, y así obligarlo a dirigir la banda mientras él siga tocando la batería para demostrarse a sí mismo de lo que es capaz. Ya nadie le impresiona, ni nada le importa, es su momento de no parar de tocar, y seguir con Caravan hasta el final y demostrar el talento que de verdad tiene Andrew Neiman cuando no está atado a nada ni a nadie.



La escena continua hasta el supuesto final de la canción, pero Andrew sigue tocando la batería sin descansar durante más de 5 minutos, dejando al público, la banda, y a Fletcher perplejo por el asombroso solo de batería que hayan visto en sus vidas.
Jamás había visto un solo tan impresionante en mi vida, la velocidad que toma, la presión y la coordinación es fenomenal y única, Miles Teller con convicción logró mantener la presión, la tensión y el cansancio de la escena hasta el final; y cuando va poco a poco a descender con la batería, se ve una mirada compartida con Fletcher que le invita a volver a aumentar el redoble para culminar el final del solo con la banda.
Así como el sonido militar que oíamos al principio de Whiplash, va acercándose ahora al final de Caravan con Fletcher ahora manteniendo a Andrew y dirigiendo en preparación para el final; terminado el redoble comparten una impresionante y congelada mirada en la que Fletcher refleja una mueca de simpatía, excitación y emoción por Andrew, y así le permite terminar en el que es probablemente uno de los mejores finales de la historia del cine, dejándonos ver el maravilloso diamante en bruto que ha resultado ser la película de Whiplash.
Sin duda una de las mejores obras que el 2014 nos haya dado.




Whiplash la adoré en el momento en que la vi en el cine, y cada vez que la vuelvo a ver me gusta más y con mejores razones, no sé si os ha hecho a vosotros también está impresión pero a mí que me gusta este tipo de música, actuaciones brillantes, e innovadora dirección, me ha calado hasta el fondo.
No me gusta mucho puntuar películas, pero diré que Whiplash entra en un grupo que pertenece a un clásico que debe verse siempre en cierto momento de la vida, es totalmente indispensable gracias al trabajo de Chazelle, Teller, y de J.K. Simmons para poder seguir apreciándola en los próximos años.

Buen trabajo chicos, buen trabajo, nos vemos en La La Land, a ver que tal ha ido ahí las cosas.

Así termina el análisis de hoy, nos vemos la semana que viene con el último análisis que cerrará mi periodo activo, entre tanto estoy abierto a sugerencias para ver cualquier película que tengáis en mente y que pueda analizar por supuesto, como hice con Whiplash bajo el consejo de mi buena amiga Sara, a la que le estoy agradecido por haberme recordado la maravillosa obra musical que es.
¡Hasta la siguiente entrada gente!


viernes, 13 de enero de 2017

Friday the 13th (1980)



La saga de Viernes 13 durante la decada de los '80 fue una de las más populares del género "slasher" junto con Pesadilla en Elm Street.
Existen muchas preguntas respecto a si el género nació con esta película o con Halloween de John Carpenter; y aunque el género nació mucho antes y Halloween sólo perfeccionó la fórmula de la que los demás se basaron, Viernes 13 aprovechó las muertes de los personajes para hacerlas memorables, impactantes, y sangrientas como ninguna otra. 
Bueno, hasta que Saw llegó y repitió lo mismo siete veces (a pesar de no ser esa slasher).
Ni que decir tiene que Friday the 13th no habría existido de no ser por la creación de Halloween en 1978, y de las técnicas que emplearon, al igual que la inspiración que John Carpenter tuvo al aprender del mismísimo maestro del suspense, Alfred Hitchcock.





Las películas siempre han seguido un concepto básico en orden de hacer la historia; un grupo de jóvenes van a veranear o visitar Crystal Lake, lugar en donde han ocurrido una serie de asesinatos.
Los chicos son estupidos, excepto por tal vez uno o dos personajes supervivientes, pero el resto no se salvan de lo que se les viene encima. Hacen cosas estúpidas, van a sitios donde no les convienen y al final son asesinados de una manera imaginativa como atroz.
En este caso, el horror no viene a ellos como sucedió con Michael Myers, sino que ellos van a un sitio que de primeras tiene mala fama, como un campamento sangriento.
Nuestro asesino es uno de los personajes más populares del cine en EEUU, Jason Vorhees y su máscara de hockey con la que oculta su deformada cara.
Jason ha sido conocido por ser un asesino implacable, un extraño "zombie" con un silencioso comportamiento que pasa también durante las películas un gran abuso, ya sea tirarle un televisor o ahorcarlo; demostrando ser el personaje por el que el público aplaude cada vez que van un día de viernes 13 al cine. Incluso a día de hoy no puedo recordar cuando fue la primera vez que vi esa máscara y pensar instantáneamente en Jason y lo prohibido que estaban ver sus películas. 



El icono que fue Jason durante la década de los '80 en EEUU también llegó a España, a pesar de la censura y las películas que fueron prohibidas también en Europa, y de la misma manera también llegaron a mi casa durante mi infancia en Primaria.
Las películas de miedo o de humor adulto por cualquier razón no nos las querían mostrar por lo jóvenes que éramos, y un buen amigo mío me dio la curiosidad por verlas, diciendo lo divertidas e inexplicables que fueron Chucky, Tiburón, Austin Powers, y por supuesto Viernes 13.
Siempre lo he considerado como algo prohibido en mi caso, y un secreto para todos que vi la primera película sólo en casa con 9 años, por lo que siempre lo he relacionado con las anteriores como cintas atrevidas y de un mundo adulto prohibido para mi edad.
Cierto que lo pase mal, y me armé de valor para verla y para no decirles nada a mis padres y a mis hermanos el miedo que tuve hasta que volvieron.

Dicho esto, la primera película fue lanzada en 1980 por el director Sean S. Cunningham, Friday the 13th comenzó como una película independiente con muy poco presupuesto (Cerca de unos 500.000$) filmada en el bosque y con actores poco conocidos (Tachad a los 2 de la lista), estableciendo así el género del campamento en el cine de terror.
Esto la hizo no solo popular y fácil de copiar para el resto de la industria del cine, sino también una de las películas más mal criticadas del momento debido a la influencia que ha mantenido, ya que muchos de los críticos solo evaluaron las partes técnicas y las compararon con otras versiones más superiores. Pero no importa cómo, ningún crítico tuvo la mente abierta para observar las cosas buenas que crearon y el espíritu que generó en el público y en los fans.

Ohh, Gene, Roger, cómo pudisteis estar tan equivocados con el cine de terror es algo que nunca entenderé.


La franquicia nunca obtuvo ningún respeto de la crítica, incluso Siskel & Ebert los ignoraron, dos de los mejores críticos del mundo y mis favoritos la rechazaron funestamente (Tan solo mirad la crítica de Gene Siskel, es algo patético y nada profesional).
Cuando alguien dice que supuestamente no debes ver algo por lo horrible que es, tan solo abres su mente para ver por qué se argumenta tu base, algo que el público y los fans pasaron por alto porque, bueno, no son críticos de cine.
Creo que la popularidad de estas películas se debe a que crearon una fuerte base por los fans más dedicados en los '80 por el cine de terror, desnudos, estudiantes en verano, etc. 
De ahí que se haya prolongado durante años a pesar de tener un concepto tan simple y a la vez exagerado como ridículo.
Pero fijémonos en el título, Viernes 13, ¿acaso soy el único que le parece un título muy ingenioso a día de hoy?
De todas las películas que hay de terror en festividades, un viernes 13 es siempre un inesperado día de mala suerte al año del que podemos sacar la ventaja de mejorar nuestra situación para poder ver a Jason atacar nuestros nervios después de un tormentoso día, porque venga ¿cuántas veces ves en un año un viernes 13 en el que puedes aprovechar para ver una película? TODOS Y CADA UNO DE ELLOS.



Dato curioso, para saber si el título estaba libre de licencias, Sean Cunningham puso un anuncio ANTES de haber escrito el guión para saber si habría algún problema con la futura "LA MÁS ATERRADORA PELÍCULA QUE SE HAYA HECHO", todo lo contrario, llegaron a recibir correos de gente que incluso se proponían a invertir en la producción.


La saga de Viernes 13 creo que no debe ser calificada como una película cualquiera porque trasladándola a ese punto de vista cada una son poco originales en términos de personajes, sin imaginación, con malas actuaciones y una producción pésima; pero se trata más de ver el nivel de miedo al igual de cómo de entretenidas son; y así es como las veré yo personalmente.
Así que saltemos con Friday the 13th, la película que lo empezó todo:

La historia se sitúa en 1958 en el campamento de Crystal Lake, en donde dos monitores se alejan del resto durante la noche para tener cierta intimidad.
Mientras se alejan, comienza un nuevo plano de POV (Point-of-view, ángulo de la cámara en la que vemos lo que el personaje observa) que explora poco a poco el campamento; la música comienza a aumentar la tensión del ambiente, y vemos como se acerca a los monitores casi a punto de que se desnuden (Tranquilos no os perdéis nada).
Uno de ellos intenta decir que no estaban haciendo nada, pero sin terminar de explicarse se revela el asesino apuñalando al monitor, seguido también de la chica la película se congela mientras nos acercamos a su cara antes de gritar, que desaparece en una transición en blanco (Un poco ridícula pero dadle tiempo), comenzando así los créditos de apertura de la película, Friday the 13th.

"Oh God dammit you broke the screen! That's gonna be 13 years of bad movies!" I'm just kidding, I love this opening! 


La película ahora salta unos años después, siendo un día de viernes 13 en el presente (siguiendo la cronología será 1979 y no 1980 como pensaban algunos) con la joven Annie (Robbie Morgan) llegando al pueblo.
Preguntando por la dirección para ir a Crystal Lake los residentes se preguntan alarmados si pretende ir al campamento sangriento, aún preocupados, un camionero decide acompañarla a un camino que la llevará cerca del campamento, pero no antes de que los interrumpa el loco del pueblo, Ralph (Walt Gorney) quien se acerca a Annie para decirle que el sitio está maldito y que si continua su viaje ella estará condenada en cuanto llegue.

"You're doomed, you are all doomed!"

Para ser justos, el título de "Loco" está algo injustificado ya que durante el trayecto Enos el camionero (Rex Everhart) le aconseja a Annie que lo mejor es que no vaya al campamento debido a las atrocidades que ocurrieron anteriormente.
Ralph está loco tal vez por la forma en que habla y mira, pero es un poco erróneo llamarlo "El Loco" por alertar a Annie, ya que al final todos en el pueblo piensan precisamente lo mismo.
Pero al final no se trata de eso, se trata de hacer caer una idea más inteligente que cobra más sentido conforme vaya avanzando la historia.

Esto ayuda a crear la atmósfera respecto al miedo que tienen todos los habitantes del campamento sangriento, legítimo ya que nosotros observamos uno de sus acontecimientos antes.
Pero también nos ayuda a ir conociendo el siniestro aura entorno al asesino y de las cosas que ha estado haciendo desde el lapsus de tiempo, junto con la idea de que volvemos a ver a gente non grata que no se merece lo que veremos. Con Annie y los demás chavales llegando a Crystal Lake...

Me gusta la actitud de Annie, de todos los personajes creo que es la más agradable de ellos viendo que su única intención es ir a Crystal Lake para trabajar de cocinera, dice que le gustan los niños, que no quiere dejar el trabajo a pesar de las advertencias, etc. 

Me recuerda a una amiga mía italiana, son prácticamente 2 gotas de agua ahora que me fijo XD


Es uno de los pocos personajes de la saga de Viernes 13 que sientes pena al no saber lo que se le viene encima; bueno, me retracto de lo escrito, sí lo sabia al ver a Ralph, y cuando Enos le dijo por lista los sucesos que habían ocurrido antes (Un niño se ahogó en el '57, los monitores que degollaron antes, incendios en el '62, envenenamiento en el agua, la lista sigue).
En cualquier caso, es interesante también saber los sucesos que ocurrieron en el campamento sangriento, ya que según Annie, ella también trabajará para reabrirlo porque actualmente está abandonado, pero que junto a otro grupo de monitores intentarán arreglarlo para poder disfrutar del lago de nuevo.

Una vez avanza la historia conocemos al resto del grupo que están reparando el campamento, tenemos a Alice interpretada por Adrienne King, Bill (Harry Crosby) quien siempre tiene un machete para cortar las malas hierbas del camino, Brenda (Laurie Bartram) una engañosa chica que no es tan samaritana como aparenta, el incontrolable payaso de Ned (Mark Nelson), Marcy (Jeaninne Taylor) y su novio Jack, interpretado por no otro que Kevin Bacon.
Junto a ellos está también Steve Christy (Peter Brouwer) el director del campamento que quiere reformarlo para que vuelva a ser lo que era antes.



Esto levanta una sospecha muy interesante, ya que los Christy son gente que siempre han vivido en Crystal Lake y conocen la historia de los asesinatos y la maldición; lo que hace preguntarnos por qué querría Steve reabrirlo con la fama que ya se ha ganado.
Es cierto que en muchas escenas establece buenas conversaciones con los chicos, e incluso llega a admirar la gran dibujante que es Alice como de atractiva; pero más tarde llega la pregunta que nos tememos ¿Es posible que Steve sea el asesino?
Bueno, si os dais cuenta abandona el campamento en busca de víveres y se ausenta durante mucho tiempo, lo que ayuda a corroborar este pensamiento, junto con la forma en que mira a Alice, que no es algo muy sano de ver.



Pero esperad un momento, para los que nunca hayáis visto Friday the 13h os estaréis diciendo que de qué estoy hablando si el asesino obviamente no es otro que Jason.
Volved apostaros eso; como muchos descubrieron en 1996, Wes Craven dirigió Scream, una película de miedo que era consciente de otras películas de este mundo en la que el asesino hacia varias preguntas sobre el género de terror. Esto sorprendió a muchas personas ya que una de las preguntas fue cuál era el asesino en la película original, revelando así al personaje de Drew Barrimore que la respuesta es incorrecta ya que Jason no apareció hasta Parte 2.
Esa escena llega a otorgar a la película otro valor también para verla de nuevo, y así adentrar a un nuevo grupo de fans del cine de terror como de la saga a descubrir el misterio de quién es el asesino en Friday the 13th.



De ahí mi mayor apoyo a la película y una de las razones por las que destaca para mí, es el misterio y la identidad del asesino, ya que pueden ser muchos personajes a tener en cuenta.
Primero tenemos a Steve, que sin ninguna razón que se justifique quiere reabrir el campamento ignorando los anteriores acontecimientos, y que se ausenta durante muchísimo tiempo de su regreso.
Es más, una "autoestopista" pide que la lleven hacia Crystal Lake y hasta donde vemos en un POV que no revela al asesino, el coche parece exactamente al que Steve tenía cuando se marchó no hace mucho por entonces.

Rápidamente la chica se percata de las intenciones del conductor y salta del coche aún en marcha; a pesar de estar herida y oculta en el bosque, el asesino aún en POV corta su cuello.
Tengo que decir que me parece mal matar a su personaje ya que la prefiero a ella antes que al grupo de monitores que están ahora en Crystal Lake.
Pero sin alejarnos del tema, debo de admirar el momento y el cómo la matan; Sean S. Cunningham tuvo muy bien en cuenta el tiempo establecido ya que pasarán unos 20 min. hasta que el asesino vuelva al ataque, lo que permite que bajemos la guardia y el momento en el que vuelva a matar sea inesperado para nosotros y crea intriga en cierta parte.
Los efectos especiales son de diez en las muertes, como ya dije la saga de Viernes 13 es conocida por poner unas muertes impactantes y atroces gracias aquí al trabajo de Tom Savini.
Soy un fan del maquillaje y las ideas de Tom durante su carrera, y el cómo las ha afrontado para una película independiente de bajo presupuesto sigue siendo impresionante; aunque no entiendo como consiguió Sean a Tom justo después de haber terminado de trabajar en Dawn of the Dead con George Romero; pero aún así es bueno saber que Tom fue el primero en colaborar para hacer de esta película en lo que es hoy en día.



En caso de que os interese cómo fue el proceso, Tom Savini llenó unos containers de sangre falsa que llevarían unos tubos para subir la sangre al cuello de la víctima en este caso, el cual estaba recubierta con maquillaje orgánico que a la luz del sol refleja el color de la piel sin parecer algo falso.
Una vez que el cuchillo corta el vendaje del maquillaje también corta el tubo que lleva la sangre, haciendo que salga en una escena impresionante.



Pero lamentablemente un buen trabajo como el de Tom también debe verse atacado por una organización conocida como la "Motion Picture Association of America" o MPAA, quienes  obligaron al director y al equipo editar rápidamente las escenas o sino las quitarían ellos mismos y darle a Friday the 13th una clasificación de X, lo que significa adiós a promociones y publicidad y finalmente estrenos en cualquier cine que no sea pornográfico.

Sí, algo que vereis mucho por el blog o en cualquier sitio que hable sobre estas películas es el como la MPAA censuraba por placer y estropeaba muchas de estas películas, pero aún así agradezco que con los años fueran quitadas las restricciones y se vendiera un formato sin cortes ni alteraciones, al menos con la primera película.

PERO ESTE NO ES EL FINAL, la MPAA hizo que quitaran del VHS uno de los mejores trabajos de Tom Savini, uno que para mí define perfectamente la saga y que a día de hoy sigo pensando que es uno de los mejores trabajos que hay en toda la saga, y esa es la muerte por la flecha. 
No quiero decir nada para los que no la han visto, pero es algo bastante brutal de ver que os recomiendo, vale la pena armarse de valor para ver a Tom y su trabajo en esta película.

¡Vaya si me he ido por las ramas con esta parte! Continuemos con Friday the 13h; otra cosa que levanta mucho la atención de la película y que también destaca como una de sus mejores bazas es la localización en el bosque, esto hace que veamos un aspecto natural y lejano de toda seguridad ya que estás solo en la oscuridad del bosque, donde cualquier cosa podría suceder, y donde más tarde veremos, el asesino tiene la ventaja de conocer ese entorno natural al que nuestros personajes se adentran sin saberlo.
La película fue filmada en el campamento No-Be-Bo-Sco y en sus alrededores, que como ya mencioné, estableció por primera vez la idea del terror en un campamento abandonado.



En este caso, ellos van al terror, a un campamento maldito en el que no son bienvenidos; la historia después de acabar con la autoestopista, decide poner POV en muchas escenas que nos hace preguntarnos si su presencia vuelve a tener relación con lo que vemos.
Por ejemplo, llega un momento en el que todos deciden tomarse un descanso y van a bañarse al lago mientras el asesino los observa; más tarde Ned siente algo raro, se bloquea y no puede nadar, todo el mundo va corriendo a ver qué le sucede, lo recogen, ven que no respira, y... era una broma.
Sí, creo que cualquiera lo veía desde lejos para saber que estaba de guasa solo para poder besar a Brenda.
Pero mientras esa escena no funciona, al volver todos de cambiarse vemos que Alice se asusta al ver una serpiente en su cabaña (Una escena horrible cuando la matan la verdad), cierto que podría ser una del campo que se ha colado dentro; pero esto no hace otra cosa que preguntarnos si el asesino la ha dejado a propósito para matar a Alice, o si ha sido una coincidencia. Momentos como estos de intriga y dudas aceleran mucho estas escenas de relleno que son difíciles de soportar, ayudando mucho a crear el ambiente oscuro y tenso que se presenta en Friday the 13h.



Más tarde aparece el sospechoso número 2 de la película, el oficial Dorf (Ron Millkie).
Después de ver al personaje payaso ofender a nuestros queridos nativo-americanos, se presenta el oficial Dorf de forma inesperada para dejar claro que odia a los forasteros en Crystal Lake, sobre todo a los jóvenes porque son unos porreros irresponsables.
Sí... De dónde viene esto y a dónde quiere llegar a parar con sus advertencias.
Puede que a ningún sitio, o puede que se oculte algo en él, pero una cosa es clara, no les cae bien los nuevos monitores y su aparición es bastante misteriosa para que solo viniese a advertirles que el Loco Ralph ha desaparecido y que si lo ven le digan que vuelva a casa.



En cualquier caso, y sin descansar para asentir las posibilidades de que Dorf sea posiblemente el asesino, Alice va aguardar unos cazos en la alacena, cuando de repente de el sale Ralph (WTF?!).
Instantaneamente vuelve a advertirles a todos que están en un sitio maldito, y que como mensajero de Dios, él esta allí para decirles que todos están condenados.
Tal vez el efecto de tensión se vuelve cómico en este momento, pero creo que también sirve para que veamos a Ralph como el posible asesino, debido a la insistencia que tiene de decir a todos los jóvenes que sus muertes están cerca, y bueno, el hecho de que se haya escondido en la alacena hasta que uno de ellos la abriese es jodidamente inquietante para mí.



A pesar de lo dicho, la película flaquea mucho durante los momentos de paz y de relleno; es cierto que en orden de mantener la intriga y el suspense necesitas engañar al público con este tipo de escenas para mantener la ingenuidad de su situación, pero eso también significa quedarnos con actores no muy buenos en pantalla, ver la historia paralizada hasta que volvamos a ver un POV que nos muestre dónde está el asesino, e incluso de ideas que no llegan a elaborar debido a que aún Victor Miller ni siquiera ha terminado de escribir el guión.
Tomad la escena en la que Marcy habla con Kevin Bacon de sus continuas pesadillas sobre el campamento y su temor a la tormenta que se acerca. De alguna manera está escrito para darnos un sentimiento de aislamiento, algo malo se acerca y no podremos escapar de ello; pero que debido al tiempo y al guión no llegan a elaborarlo.
A pesar de eso, el ambiente antes de la tormenta es espectacular gracias al trabajo de Barry Abrams que capta una perfecta toma del lago antes de la oscuridad, de alguna manera proyecta el frío y una atmósfera de que algo terrible va a suceder en Crystal Lake durante este viernes 13, con la desaparición de uno de los monitores por desgracia...

Tan solo miradlo, esta es una toma perfecta del lago que dice "Algo se acerca, un peligro que va a suceder..."

Esto también llama la atención en algo que nunca olvidaré la primera vez que vi la película y que creo que se mantiene como una de sus mejores bazas.
Vale, la cinematografia es bastante mediocre, cada vez que la veo siempre pienso en que esto debería haberse hecho de esta manera o de otra, pero más tarde engaña al ojo del espectador de una manera ingeniosa que no sabría decir si es apropósito o un inteligente accidente.
Me explicaré, en muchas escenas está el POV del asesino en el bosque; perfecto, pero otras veces la cámara por sí sola se mueve y se proyecta de una manera penosa que empieza a engañar la visión del espectador en muchos momentos, haciéndonos pensar que lo que vemos es posible que el asesino lo esté viendo en un POV o no, o que simplemente sea un zoom del lago y nada más.
Al principio me puso nervioso cuando la vi antes de analizarla, pero luego vi el efecto que hizo sobre mí con las dudas que me surgían y el como lograba aumentar la intriga en la historia; y sorprendentemente el ambiente en el bosque también le otorga como una omnipresencia en muchos momentos al asesino.
Esas escenas en donde la cámara engaña al espectador te hacen pensar continuamente dónde estará nuestro asesino, y dónde le vimos por última vez si lo que vimos no fue un POV, ¿o realmente lo fue?



La música es bastante buena, Harry Manfredini hizo un buen trabajo al crearla y al proyectarla durante la tensión y el último acto de la película.
Es cierto que a veces suena muy parecida a Psicosis, y sí, no voy a negar que es un plagio que llama la atención ahora que la escuchas, pero lo importante es que es efectivo.
Por no decir que creó ese extraño eco que se ha convertido en la canción oficial de Friday the 13th y que también ha logrado abrirse paso como un tema de terror reconocido por todos como un clásico (Por cierto es ki-ki-ki- ma-ma-ma-, no chi-chi-chi- ha-ha-ha- de acuerdo con Harry).
Es sin dudarlo una música que proyecta perfectamente el objetivo de esta película, y un trabajo sensacional para mantener el terror en ella.

Después de la desaparición de un monitor como augurio de que la tormenta se acerca, el campamento bajo la lluvia vuelve a esos momentos de rellenos que dije anteriormente. (Como la escena en la que Adrienne hace café, uugg...)
Brenda, que después de Annie parecía un personaje agradable y sensata, y también llevada por Laurie Bartram (en una actuación sorprendentemente buena en comparación con sus compañeros) decide que pueden perder el tiempo jugando al Monopoly. Pero no un Monopoly cualquiera, esto es una película de terror, y nuestra puritana quiere que sea Streep-Monopoly. 
Emmm, ¿OK? Vale, ahora tenemos a estos desnudándose poco a poco, y tenemos también a Marcy y a Jack haciendo el amor en la otra cabaña mientras uno de sus compañeros anda desparecido, pero en fin, la película no nos dejará con la pregunta en la boca porque los momentos de relleno siguen siendo lentos y agotadores de ver, aunque tengamos que ver a parte del reparto desnudos. 

Bill, Alice y Brenda rompiendo los esquemas del juego para toda la familia; ¿Y cómo coño se juega al streep-Monopoly?

A pesar de ser Annie el único personaje que encuentro agradable, debo admitir que las opciones del casting fueron bastante acertados para lo que buscaban; es cierto que hay varios actores buenos en la película, pero tachad a los más conocidos y lo que queda tampoco es algo tan malo.
Está Laurie Bartram que ya mencioné su honesta actuación, pero luego tenemos a Adrienne King como Alice quien es uno de los personajes más inteligentes de la saga de Viernes 13 o cualquier slasher, por no decir que parte de su actuación para llevar la tensión y el miedo está hecho fenomenalmente, es tan solo que no puede actuar bien fuera de ese área.
Kevin Bacon como Jack es soso e ingenuo, Jeannine Taylor como Marcy es ridícula pero a veces interesante con su idea y explicación al miedo a la tormenta, pero podría seguir hablando de lo malos actores que eran al principio de todo.

Esto vuelve a darle a Friday the 13h otro valor para verla, como ocurre con Pesadilla en Elm Street, las apariciones de Bacon y Johnny Depp pueden llamar la curiosidad del público para verlas y meterse también en la historia.




Aún así encajan con la idea que Sean S. Cunningham tenía del reparto, quería gente que pudiera actuar de forma natural, que se conociesen y que parecieran sacados de un anuncio de Pepsi, lo que encaja en ese grupo típico del que no esperas que le pase nada, pero que será interesante ver hasta donde llegan en una película de terror.
Eso los traslada a un entorno fácil de relacionar o de asimilar, como si fueran personajes vistos o recordados por un anuncio u otro tipo de historias.
Walt Gorney como el Loco Ralph es dedicado e interesante, parte de su voz y su mirada queda grabada en la historia junto con los hechos que acontecen más tarde.

En conclusión, Friday the 13th es una película de terror que establece muchas cosas interesantes como el aire de misterio y la búsqueda del asesino y de su identidad; construye un ominoso ambiente siguiendo sus propias pautas ante increíbles trabajos de efectos especiales gracias a Tom Savini, y pese a que sufre de esas escenas de relleno, tiene muchas cosas que valen la pena ver un día entre amigos o solo por la noche.
A pesar de eso, yo no la consideró un clásico como otros, puede que tenga un aire siniestro, y sí, el misterio por descubrir la identidad del asesino cobra mucha importancia, pero la cosa es que otras películas elaboraron también esos detalles y de forma más efectiva; tened en cuenta que El Resplandor salió el mismo año. 
Sé que Friday the 13h inició aquí una saga entera en esta película, y que conforme avanza la saga se aprecia por lo que crea, pero de no ser por los últimos 15 minutos, creo que no valdría la pena verla.

Hablando de los últimos 15 minutos, si alguno no quiere sorprenderse por lo que pasa al final, dejad de leer ahora mismo e id a ver la película, al igual que Psicosis porque ambos finales serán comentados. Así que Spoiler Alert!



Muy bien, vamos hablar del final de Friday the 13th; como muchos sabéis Alice es la única que sobrevive de todos los monitores, y al ver a Bill atravesado por las flechas sale corriendo para hacer una barricada y defenderse contra el asesino.
Conforme avanza la saga y otras películas de terror, se pierde un elemento que persiste en Alice, y es seguridad e inteligencia en los momentos decisivos, pero también me encanta ver que el asesino tome también la ventaja ocultando los cuerpos de Marcy y Jacob, corte la electricidad y el teléfono, o incluso llegue a engañar a Brenda con la llamada de un niño que pide auxilio.
Momentos como estos aceleran la tensión del último acto de una manera perfecta; y aún así lo mejor está por empezar.





Después de todo lo que ha sucedido, Alice queda más impactada aún al ver que a Brenda la han asesinado y arrojado por una ventana.
Con la llegada de un coche a la cabaña sale corriendo a ser rescatada por la señora Voorhees, una vieja amiga de los Cristy interpretada por Betsy Palmer una de las actrices más dedicadas y atractivas de los años '50.
A pesar de que Alice es consolada por ella y el trauma que acaba de pasar, Pamela Voorhees decide ir a ver el cuerpo de Brenda, y aunque no tenga miedo de lo que pueda sucederla, Alice decide acompañarla para no estar sola y que no le ocurra nada a su salvadora.
Mientras observan la tragedia del cuerpo de Brenda, Pamela Voorhees comparte con Alice su pena y su conversación con Steve, diciendo que nunca debieron abrir de nuevo el campamento después de los asesinatos de los monitores y las demás catástrofes que han ocurrido en el campamento sangriento, pero tal vez comparte algo más con Alice...





Betsy Palmer ofrece una actuación IMPRESIONANTE; muchos habréis leído cosas como que en su momento llamó al guión "un montón de mierda", o que solo aceptó el papel porque necesitaba reparar o comprarse un coche nuevo, y todas esas cosas que a la gente les gusta comentar.
Pero hay algo que nunca les oiréis decir, y es el proceso que realizó para meterse en el papel y ampliar así la historia del personaje de una forma más metódica y realista. Hace uso del Método Stanislavsky para poder entender el personaje de Pamela Voorhees y ofrecer una actuación que pueda comprender y salga como una extensión de sí misma.
Como se ve durante la conversación entre Alice y Pamela, hablan sobre como un niño llamado Jason se ahogó en el lago mientras los monitores estaban sin prestarle atención, acostándose y demás; la señora Voorhees admite ser la culpable de los asesinatos anteriores con la intención de que nunca se vuelva a abrir el campamento, y porque ve a muchos de los jóvenes como los culpables de la muerte de Jason, quien resultó ser su hijo.



Llama mucho la atención la candidez y amabilidad que tiene al principio, para verla luego enloquecer al intentar matar a Alice como al resto, y el como cuenta la historia en un monólogo sensacional por parte de Betsy Palmer, lo que levanta bastante el estatus de Friday the 13th; porque mirad, siempre tendremos muertes impactantes, desnudos y atmósfera siniestra, pero lo que no solemos tener en esta saga son actuaciones que destaquen por ser aterradoras como paralizantes ante nuestros sentidos.
Esto hace en muchos sentidos un personaje creíble e incluso entendible su ira y su pesar por la muerte de su hijo; Betsy Palmer contó en muchas de sus entrevistas como proyectó el pasado de su personaje para hacerla más humana en ciertos puntos de vista, pero sin obviar la locura que presenta al matar a aquellos que no son responsables por la muerte de su hijo.

Algunos difieren conmigo en una idea que es en que hubiera sido mejor haber tenido a Pamela como un personaje que si hubiese interactuado con los demás, la sorpresa y el giro de ella como el asesino hubiera sido más inesperado y chocante.
Inesperado ya es el giro de por sí en mi opinión, y creo que de alguna manera si hubiese hecho una aparición anteriormente hubiese dejado al menos cierta sospecha sobre su personalidad y sus intenciones, lo que hace que prefiera más su aparición en el momento y ver la incredulidad del público ante cómo una mujer como Pamela Voorhees ha podido realizar muertes como las que acabamos de visualizar.




Adrienne King durante el climax da una actuación más creíble a la hora de estar asustada y luchar por sobrevivir, me gusta mucho la toma en la que corre por la oscuridad del bosque dejando atrás a Pamela, y ésta de repente revela que la voz del niño que escuchó antes Brenda sale de sus labios, dejándonos ver que ha caído en una profunda locura, tanto que cree que su hijo la está hablando en su propia mente.
Sí... bastante espeluznante, ¿verdad? ¿Pero sabéis a que me recuerda esto también? A Psicosis.
Una vez más, no puede ser una coincidencia las similitudes entre Pamela Voorhees y Norman Bates; salvo que en Psicosis es la horrible madre de Norman la que sale de su voz y a contaminado su mente, y aquí es la perdida de su hijo la que ella mantiene viva con Jason pidiendo que mate a todos en su cabeza. Ambos presentan una desordenada personalidad bastante perturbadora.

Eso sí, Anthony Perkins es más aterrador que Betsy Palmer, sin dudarlo.


Esos largos 15 minutos terminan en un falso clímax en el que al borde del lago Pamela Voorhees sale de su inconsciencia y pelea contra Alice en una sorpresa para el espectador bajo la furia y oscura noche en el lago.


Es algo bastante irrisible ver como durante la película mata a los chicos de una forma ingeniosa y sigilosa para ahora solo intentar acuchillar y abofetear a Alice hasta este punto. Aunque para ser justos, la oscuridad, la historia que acaban de contar y el suspense que crean hacen a su personaje algo aterrador en todo momento. Todavía puedo ver el momento en el que vi por primera vez de pequeño que la cámara cuando enfocaba la cara de Pamela Voorhees se veían sus ojos oscuros, como cuencas absolutamente negras, llenas de ira y locura.
Ya en el último acto, Alice se libra de la señora Voorhees y como sabéis, la decapita en una inquietante escena en la que aún sus puños se mantienen en alto.

Después de esa traumática escena ante el silencio de la noche, Alice coge una canoa y se adentra en el oscuro lago en busca de la calma y la paz ante los trágicos sucesos que acaban de suceder.
Aún puedo recordar como controlaba la respiración con la bella música del final que usó Harry Manfredini para capitular la película; ver la mañana y a Alice descansando mientras la canción avanzaba hizo darme cuenta que todo acababa de terminar, y que ya no había nada que temer de la película.



Había superado esos terribles y duros 15 minutos con la mañana en el lago y la policía acercándose a la orilla para buscar por fin a Alice y llevarla a casa; ambos estábamos a salvo en ese precioso momento que nunca olvidaré por lo que sucedió después... 



¡SU PUTA MADRE!


Cuando vi esto (y ya había picado el anzuelo de que era el final) salí corriendo del salón como alma en pena, literalmente me dio un vuelco al corazón que podría habérseme salido por la garganta.
Justo cuando empezaba a entender que no había nada parecido a una maldición en Crystal Lake como decía antes Ralph, veo que de repente sale un zombie decrépito de un niño ha atacar a Alice mientras piensa que todo por fin ha terminado.
Incluso la música tiene ahora algo que no me gusta después de haber visto esta escena, de alguna manera era relajante cuando la escuché de pequeño, pero ahora me trae aterradores recuerdos de mi yo más pequeño cayendo en la increíble trampa de la película.
En el momento en que empecé a pensar que no existía aquí nada sobrenatural ni el asesino con la máscara de hockey, aparece una sorprendente escena que pone de los nervios a toda una década de los '80, y a mí desde mi casa.

Tom Savini y el grupo de productores aconsejaron a Sean el incluir una escena que con un giro al final puedan sacudir la historia y al público, de la misma forma que hizo Brian De Palma con el final de Carrie. Así crearon el final con Jason volviendo de su muerte para vengar a su madre; maquillando Tom a Ari Lehman como el primer Jason en la historia del cine.

He visto a Lehman hablar de lo mucho que le divirtió el pequeño rol del joven Voorhees, es un tío muy legal a decir verdad.

Más tarde se revela que el ataque de Jason tan solo fue un sueño que Alice tuvo en el hospital, la policía le dice que pensaron que estaba muerta cuando la encontraron en la canoa y que ahora solo necesita descansar de su horrible experiencia.
Alice atónita pregunta por el niño que la arrastró hacia el lago, pero como más tarde interpreta eso nunca ha pasado, lo que quiere decir que su cuerpo sigue aún en el fondo del lago. ¿Fin?



James Rolfe y un reciente grupo, al igual que nuevos fans de la saga tienden a coincidir que la película debería de haber acabado con la toma de la oscuridad del lago, que Sean S. Cunningham y Victor Miller deberían de habernos dejado con la intranquilidad de Jason atacando a Alice.
Personalmente me gustan ambas ideas, la última toma del lago Crystal Lake haciéndonos pensar que Jason aún permanece en el es algo que puede dejar un pensamiento de miedo como de ambigüedad, pero la idea que proponen tampoco es algo malo en mi opinión.

Finalmente os digo que Friday the 13th vale la pena por esos últimos 15 minutos con Betsy Palmer, la tensión que crean con la persecución, cuando la decapitan, y por supuestísimo, Jason saliendo del lago; esa es una de las pocas escenas de terror que no importe el paso del tiempo y las repeticiones que le hagas a la película, sigue teniendo un valor de terror que afecta a todos los sentidos del cuerpo.
No de la misma manera que el final de Psicosis que está comprobado que es capaz de llegar a provocar infartos, pero aún así ES MUY BUENO, no hay nada igual en la saga parecido a esto.

¡Buen trabajo Sean! Espero ver más cosas tuyas en el blog.

Estás películas nunca han tenido el reconocimiento de la crítica por las razones que ya expliqué, pero creo que aún así son muy entretenidas y ese es un valor que se necesita también para juzgar a la hora de ver una película. Brad Jones como Cinema Snob hizo un video que resume este punto, estas son películas de las que disfrutar con amigos, discutir, o incluso de reír. Os ánimo a ver su video de Friday the 13th es muy gracioso de verdad XD




Volviendo de nuevo al tema como ya dije, carece de actuaciones estándares, la cinematografía es bastante mediocre pero que finalmente cobra un efecto extra que añade valor ante varios visionados.
Los efectos especiales son impresionantes, Tom Savini hizo un gran trabajo plasmando en la pantalla el concepto de muerte impactante por la que sería conocida la saga de Viernes 13, un trabajo brutal y perfecto.



La música hizo historia, y finalmente llegaron a cosechar más de 59.8 millones de dólares, un película independiente que estableció la base del campamento de terror, y que mucha gente consideraría más tarde como un clásico del cine de terror.
Puede que por la tranquilidad que se toma y lo que dije antes yo no lo vea de esa manera, incluso pierde mucho la vista de los fans de Jason al saber que no aparece en  esta película, y que no llevará su famosa máscara de hockey hasta Parte 3.
Pero contribuye a la creación de una de las sagas más populares de los años 80 que vale la pena verse.
Jason es tan consistente como sus películas, que llegaron a lanzarse cada año; (Excepto durante 1983) la idea de que incluso estén haciendo un videojuego sobre Friday the 13th siempre me hará tener en cuenta que a partir de esta película se creó uno de los personajes más populares de la historia del cine.


Eso es todo por hoy, feliz viernes 13 a todo el mundo, espero que os haya gustado esta entrada, y dependiendo del feedback que me deis, al igual que vuestra opinión, estaré encantado de escribir Parte 2 el próximo viernes 13.
¡A todos los fans del cine de terror, como de Jason, nos vemos en el siguiente análisis!


Twilight Zone: The Movie (1983)

"You're traveling through another dimension, a dimension not only of sight and sound but of mind. A journey into a wondr...