Kong: Skull Island (2017)

¡He vuelto (Como hizo Arnold Schwarzenegger en Terminator) de nuevo al blog queridos lectores! ¿Me echasteis de menos? Yo desde luego sí, por fin me he despejado y ya tengo nuevo material para subir antes del comienzo del verano.
Hoy vamos a hablar de uno de los personajes más populares del cine americano, King Kong; pero antes de adelantarnos con su reciente aparición en la gran pantalla, quiero contaros una vieja historia al respecto.

Cuando era pequeño y pasaba tiempo con mi abuelo vimos juntos un interesante documental que hablaba del famoso gorila albino, Copito de Nieve. Fue la primera vez que vi a tan interesante animal, y recuerdo lo impresionante que fue ver un gorila blanco para mí, aún no había oído nada de que pudiesen existir tales tipos de animales, y cuando me trataban de explicar que era una enfermedad lo que tenia Copito de Nieve seguía sin entenderlo, era demasiado joven.
Me hipnotizó completamente su presencia verlo en la pantalla, y fue cuando le dije a mi abuelo que ese debe ser el gorila más famoso del mundo (Es mi animal favorito si me preguntarais, pero no mi especie favorita).

Es un crimen saber que con tantos familiares que han estado en Barcelona y lo han visto, yo nunca tuve la oportunidad de ver a Copito de Nieve.

Me contestó que sin duda es uno de los más conocidos, pero que el más famoso era sin dudarlo el gigantesco King Kong en 1933; poco más tarde fui introducido a ese personaje y me sorprendió las cosas que leí sobre él y su logradas hazañas en el cine. Escalar el Empire State Building, luchar contra Godzilla; y demás cosas.

Mi primera introducción a Kong, lo creáis o no, fue con un episodio de la popular y educativa serie catalana Las Tres Mellizas, en donde Ana, Teresa y Helena recreaban básicamente la historia de la película (Solo que en vez de Nueva York, Barcelona).
Años más tardes, y con el conocimiento popular que tenía del personaje vi su primera aparición en el colegio, y me encantó desde el principio hasta el final, vaya película tan apasionante, me impactó verla sinceramente y aún lo hace cada vez que la pongo.
Conforme crecía empecé a leer más y más sobre la historia del gigantesco gorila, de su primera aparición en color gracias a Toho, de su remake situado en 1976 por Paramount también a color, y más tarde en 2005 vi su regreso a la gran pantalla a manos de Peter Jackson.

Lo que trato de explicar aquí es mi sucesivo interés por King Kong cada vez que oía algo nuevo respecto al personaje, en especial con el estreno de 2005 ya que siempre fui fan de El Señor de los Anillos desde los 5 años (Ya os imagináis como estuve con mi padre en el cine...).
Por eso es una lástima ver que cuando anunciaron su regreso con un proyecto llamado Skull Island, en donde lo situarían en un mismo mundo con la película de Godzilla de Gareth Edwards, ni siquiera traté en implicarme como muchas otras personas.
Trailers empezaron a salir, y tampoco me molesté en verlos, sentí que iban a contar una película con un grupo militar muy parecida a Godzilla (2014) y que no valía la pena prestarle atención a ese intento de crear un universo cinematográfico como ya hizo Marvel.

No me mal entendais, me gustó mucho Godzilla cuando salió, y veía interesante crear más películas en donde le viéramos pelear contra otros monstruos; es solo que no estaba interesado en incluir a Kong en ese mundo.
Pero más tardé decidí bajar la guardia y ver el último trailer, y he de decir que lo encontré interesante, bien dirigido, bien editado, y con un gran uso de la canción We Gotta Get Out Of This Place de The Animals. Así que me dije ¡qué demonios! Vamos a verla.

Y aquí estamos gente, con mi regreso al blog para hablar de Kong: Skull Island así que empecemos sin dilación:

Nos encontramos en 1973 (¿La era del Viet Cong? XD), especificamente el día que EEUU pone fin a la Guerra de Vietnam; este gran suceso obliga a Bill Randa (John Goodman) acelerar los preparativos para la investigación de una misteriosa isla perdida, Isla Calavera. Junto con el brillante  geólogo Brooks (Corey Hawkins) se encargarán de preparar un equipo especializado en este terreno hostil con James Conrad (Tom Hiddleston) un experimentado rastreador de la guerra, Mason Weaver (Brie Larson) la fotógrafa y activa pacifista del grupo, y las tropas del Coronel Packard (Samuel L. Jackson).
Su llegada a la isla y el inesperado descubrimiento de Kong les obligarán a separarse para buscar la forma de volver a casa, pero no sin antes detenerse a ver que en esta isla demoran más criaturas a parte de este gran simio, algunas sacadas de las pesadillas más excéntricas que uno pudiese soñar.

Por cierto, estas aperturas de crédito de las películas de Legendary me parecen increíbles, no había visto nada parecido antes.

El principio de la película es muy interesante; 2 soldados en 1944 presentan la cruda y sin sentido naturaleza de la guerra, peleando a muerte incluso estando atrapados en una isla lejos de la mano de Dios, hasta que Kong aparece y por fin cesan de pelear; muy entretenido.
Cortando a 1973 el inicio de la película se centra en introducirnos a los personajes.
Randa es como una referencia al personaje de Carl Denham de la película original; pero al contrario que Denham (Al que solo le importaba la fama y el dinero), Randa oculta su faceta y una interesante razón para poder ir a la Isla Calavera, lo que le introduce en un conflicto con los personajes que llegará también caracterizar otras tramas en el futuro.

Por otro lado, Samuel L. Jackson comienza con Packard de una forma depresiva; una perfecta representación de lo que les sucedió a los veteranos de Vietnam una vez que volvieron de la guerra; el trato y negación que recibieron al volver a EEUU está en su personaje, en el disgusto que tiene de volver y vivir con ello (¿Habeis visto Rambo, no?).
Pero también llega a ser un personaje con una gran participación en la historia, envía a sus hombres a esta isla como una última misión para divertirse antes de volver al hogar, sin saber lo que les esperaba en una supuesta misión de reconocimiento, con lo que entiendes su pesar y culpa por haber enviado a sus hombres a una muerte segura.
Hay mucho más acerca del personaje y la actuación, pero no nos adelantemos aún.

Hay una gran cantidad de soldados para relacionarnos, no están trabajados o entramos para profundizar con muchos de ellos, pero cada uno tiene un gran sentido del humor y una forma de  lanzar sus diálogos de una manera cómicamente intencionada; algo que llegas a creer en sus amistades ante muchas cosas que han pasado juntos, y por ello te preocupas por lo que les pueda suceder.

Por ejemplo, Toby Kebbell como Chapman es un buen soldado intentando escribir una carta a su hijo sobre como lo está pasando y el retraso de su regreso, y varios soldados bromean con la forma de empezar la carta, pero de una buena manera, sin llegar a ser un humor negro u oscuro, es siempre con una buena intención. Pero luego llegan a llevarlo a una zona trágica que realmente te hace sentir lástima por el personaje, y la posibilidad de que nunca vuelva a ver a su hijo, al igual que al resto de sus compañeros.
Jason Mitchell y Shea Whigham como Gleen y Cole son INCREIBLEMENTE divertidos, de verdad, los diálogos que tienen estos dos entre ellos, las puyas que se lanzan, los chistes, las historias que se dan son realmente uno de los mejores focos de la película como del grupo militar que se separa del grupo civil; gran reparto, divertidas actuaciones y graciosas, sí señor.

Tom Hiddleston y Brie Larson son los protagonistas de la película interpretando a Conrad y Mason, y sí, estoy de acuerdo con lo que dice la gente, son personajes muy blandos en la historia que se nos presentan. Al principio hay un buen foco de lo que se nos quiere mostrar en la película y de sus implicaciones en la misión, al igual que unos interesantes y divertidos diálogos con Randa y los soldados. Pero una vez que Kong derriba los helicópteros, se notan muy apagados durante la historia debido a que la película comienza a presentarnos la naturaleza de la isla, sus personajes y demás peligros, impidiendo un mejor desarrollo del que se tenia en mente.

Tom Hiddleston hace su trabajo, y mantiene una seria pero entretenida actuación, al igual que logra estar en equilibrio con la implicación de su personaje entorno a la historia.

Es Brie Larson en mi opinión la que acaba por debajo de lo que su personaje se supone que era, a veces la película capta por medio de su cámara parte de su entusiasmo e interés en la isla, pero su actuación no está tan enfocada, tiene que luchar contra tres increíbles actuaciones predecesoras de Fay Wray, Jessica Lange y Naomi Watts; aunque técnicamente sería un error pensar que Waver es la damisela a rescatar de Kong ya que en esta historia no existe tal personaje (Tan solo pensar en la primera reacción de Kong al verla traerá muchas risas sin dudarlo).
Recordar que esta es una historia totalmente distinta, conque podemos también ver de forma diferente que en esta ocasión nuestros personaje son y se sitúan en tramas aisladas, que Kong en esta película no tiene necesariamente que morir o ser llevado a la civilización.
Y esa es una razón para apreciar esta película, distinta historia, distintos personajes, pero manteniéndose en su propia historia única, con divertidas y diferentes actuaciones.
A veces Waver tiene buenas escenas conectando con el mundo de la Isla Calavera, al igual que lineas, y también buenas impresiones; no es que su personaje llegue a ser importante, pero al igual que Conrad en ningún momento llegan a dañar la película, están al menos enfocados para poder apreciar ese mundo inexplorado como la naturaleza de Kong en muchas escenas, lo que define para mí la idea de esta aventura.

Al contrario que las Kaiju Eiga, aquí el reparto es carismático e incluso llegan a hacer algo durante las peleas entre los monstruos, en vez de disfrutar de las vistas. ESTA escena es un perfecto ejemplo de Waver haciendo algo alucinante.

El grupo de Conrad y Waver es para mí el realce de la película, con ellos tenemos la oportunidad de ver la Isla Calavera y su historia, al igual que a Brooks por fin explicándonos que el verdadero propósito de la misión era investigar la presencia de los monstruos y poder eliminarlos debido al pasado de Randa.

Corey Hawkins sorprendentemente mejora mucho su actuación, y al lado de Thomas Mann como el joven oficial Slivko consiguen también profundizar en parte sus personajes para poder prevalecer el entretenimiento como el humor de la película, pero también implicándolos en algunos complejos temas de la película con uno de los mejores personajes de Kong: Skull Island.

Jing Tian interpreta a San Lin, no hay mucho que decir de su personaje en la trama, es solo una bióloga asiática que comparte con Brooks muchas cosas en común, no es que su personaje tenga algo interesante (De momento) pero creo que su presencia es una forma de homenaje y respeto hacia la presencia japonesa por haber creado las kaiju eiga y a Godzilla.

Isla Calavera se ve muy distinta de otros diseños que hayamos visto anteriormente, a veces las localizaciones se ven tan hermosas que llegan a recordar con los soldados a películas como Apocalipsis Now, Forrest Gump o La Chaqueta Metálica (Solo que más entretenido) pero otras veces la forma con la que ponen las dimensiones en contraste con Kong y otras criaturas, hacen que se vean muy parecidas entre ellas.

Las localizaciones increíblemente fueron rodadas en Vietnam, pero también en Oahu Hawaii, como en Australia. La presencia de la naturaleza, al igual que muchas de las criaturas de proporciones gigantes me hacen recordar la película original, junto con que muchas de las revelaciones que se dan en la historia  recuerdan a que King Kong fue también inspirado en el relato de El Mundo Perdido de Arthur Conan Doyle, es más, puede que Kong: Skull Island sea la más realista aproximación al libro original, que la secuela que nos daría el propio Spielberg después de Jurassic Park.
En fin, muchas de estas criaturas recuerdan al relato de Doyle por sus gigantescas proporciones, pero también introduciéndoles en el mundo de Kong de 1933.

El buey del agua es una inspiración de la Princesa Mononoke por el gran Hayao Miyazaki.

Algunos de ellos tienen diseños muy interesantes, como el insecto palo que Chapman encuentra, que realmente era un insecto palo gigante, el cual parecía un simple tronco, eso sí que fue un inteligente  y creativo diseño.

Pero también aprovechan la oportunidad de satisfacer y hacer tributos para aquellos que aman las películas de King Kong; por ejemplo, una de las escenas más famosas de la película es en la que se enfrentan con una araña gigante que ocultaba sus grandes patas en un bosque de juncos.
La escena de la araña es una que fue cortada y quemada de la película original y solo una foto queda como prueba del trabajo perdido que Willis O'Brien y su equipo realizaron (Quienes también hicieron el stop-motion de El Mundo Perdido en 1925).

En 2005 Peter Jackson mantuvo una web en la que trataban de recuperar la escena empleando Stop Motion para ponerse en situación durante el proceso de la película, y fue tan buena que recibieron grandes cumplidos por parte del público.
A pesar de que aquí no haya dinosaurios como en las otras entregas, ésta película consigue mantenerse como su propia película y en pequeñas dosis también homenajear los trabajos de otros bajo una visión bastante imaginativa y profesional. Y yo agradezco eso.

Hay tres cosas que hacen esta película que valga la pena el precio de tu entrada (4 si contamos el gran sentido del humor que tiene).

Hablemos primero de la parte técnica, la cual es bastante distinta del cine habitual.
Hay un gran uso de las dimensiones, el movimiento y la luz en muchísimas escenas; particularmente en las que Kong aparece. Cierto que recuerda con las explosiones a algo que Michael Bay haría, pero nunca están situadas en el foco con el que él lo proyectaría.
No sé como explicarlo, pero la dirección y la fotografía de Jordan Vogt-Roberts y Larry Fong nos muestran grandes tomas de las dimensiones de Kong, la isla, y sus criaturas de una forma bastante llamativa, visualmente exploran y contrastan gran cantidad de colores para alejarse de un tono gris y depresivo como sucedió con Godzilla (2014).
La cinematografía es bastante distinta del tipo de película de Serie B, pero es preciosa, y sencillamente icónica en muchos sentidos, como cuando Kong aparece al amanecer.

Otra cosa que también merece hablar de ello es la forma con la que editan muchas escenas, son muy graciosas en muchos sentidos; por ejemplo, hay una escena en la que Kong esta a punto de comerse a un soldado e instantáneamente cortamos a un personaje comiendo un bocadillo.

Es estúpido, pero entretenido y gracioso, me encanta el sentido del humor de esta película con los personajes, los diálogos, la forma en la que editan, e incluso con el propio Kong.
Jamás pensé que vería a King Kong comer pulpo a la gallega, pero lo he visto, y me he reído como un condenado.

La segunda cosa es la música; situándonos en 1973 Kong: Skull Island hace un gran uso de canciones famosas de la década de los '70, al igual que las edita y las sitúa en momentos de comedia y en apropiados momentos irreales, me recordó mucho a Ash vs Evil Dead en ese sentido.
Si me conocéis, sabréis que me encanta el estilo de música de los '70, y esta es una película con un gran repertorio de canciones que usan en los mejores momentos que hay, los coordina de una manera interesante. Tenemos desde Paranoid de Black Sabbath hasta Ziggy Stardust de David Bowie.
Incluso una canción como We'll meet again la emplean con un tacto y un cariño muy entrañable; es sin duda una gran colección de canciones la que emplean.

La tercera y última son en realidad 2 cosas que sin ellas la película no existiría, y no la harían lo que ha sido, los personajes más interesantes de toda la película.

John C. Reilly interpreta a Hank Marlow, el soldado americano que durante 28 años ha estado atrapado en la Isla Calavera junto con el soldado japonés Gunpei (Miyavi), y es increíble.
No sé como describirlo, es muy raro, extraño y divertido de verle; si habéis visto la película creo que me entenderéis por qué es tan difícil de explicar. Tiene un insano sentido del humor (Está loco en una pequeña parte) que llega a aparecer en el momento más oportuno de la película.
Para los que ya la han visto, la escena que más gracia me hizo, fue cuando advierte de las hormigas gigantes, ¡eso fue tremendo! Sólo un ejemplo de la GRAN cantidad de escenas en las que John C. Reilly se divierte burlándose del resto del grupo y de la isla.

Su personaje nos da a entender la historia de la isla, pero en vez de ser alguien con una gran sobreexposición, Reilly se ha mostrado muy implicado en su personalidad como alguien muy abierto, gracioso y respetable.
Con la oportunidad de ayudar a Conrad y al grupo para llegar a la parte norte de la isla y volver a casa, se nos revelará un soldado valiente, perspicaz, pero con su propia locura que no hace otra cosa que hacernos estallar de carcajadas.
Realmente hace de la película lo entretenida que es, Marlow es la piedra angular que une todo lo que acabo de decir.

Hay muchas cosas de Hank que lo hacen también ser un buen personaje, y no como una herramienta cómica que hace que la trama sea un punto de relax.
La trama no depende de él en puntos de humor como el pez fuera del agua, o el apartado del mundo real, sino que se implica en su historia, y Hank consigue implicarnos debido a la gran actuación de John C. Reilly como cuando nos relata la amistad que llegó a forjar con Gunpei, pasando de enemigos de guerra, a unos amigos muy cercanos, y te hacen sentir su importancia, y su soledad al respecto. Tiene una gran cantidad de diálogos, graciosas lineas y grandes reacciones que consiguen enlazar con su importancia respecto a Kong y los nativos (De los que hablaremos en un rato).
Hank Marlow llega a presentar también honor y sensibilidad en la trama que nos deja claro de forma exitosa su personaje, al igual que la importancia que tiene con Kong. Una gran columna que conforma el entretenimiento de Kong: Skull Island.

Junto con Hank, Kong es el mejor personaje de la película sin dudarlo.
Este King Kong por lo que ha demostrado debe de ser la versión más energética y fuerte que haya aparecido; después de todo deberá de enfrentarse contra Godzilla.
Kong ha cambiado bastante, ahora es mucho más fuerte a la hora de aguantar balas, soldados, su altura es mucho más grande que un edificio, y al contrario que en Godzilla (2014) sus apariciones no llegan a estar tan cortadas o reducidas en escasos minutos. ¿Qué os parece eso? Una película que promete a King Kong y obtienes lo que quieres, y más.

Realmente me gusta la apariencia de este Kong, me recuerda mucho a una versión mejorada y musculosa de la versión de Dino De Laurentiis de 1976, solo que más inteligente y con distinta personalidad.

En la película explotan de una manera creativa e impresionante la forma en la que Kong pelea, desde derribar helicópteros como cual balón de playa, pelear contra pulpos gigantescos (Un interesante tributo a King Kong vs Godzilla) y también defender la Isla Calavera de sus mortales enemigos.
Durante la filmación decidieron capturar los movimientos de Terry Notary para proyectarlos como las secuencias de acción que realiza Kong, de la misma manera que en 2005 Andy Serkis hizo en la versión de Peter Jackson.
Eso me recuerda la diferencia también entre ambas versiones, en la de 2005 Kong estaba presentado como un gorila gigante respecto a sus movimientos, la forma de actuar, y en la que también transmite muchas de sus emociones. Se le ve andar de la misma manera que un gorila, y estaba más proyectado como un animal sus movimientos, más que en otras versiones.

En esta version Kong está más de pie, está erguido como si fuera un hombre en ciertos momentos, lo que me gusta porque deciden hacerlo desde otro punto de visto, y no para copiar la versión de Peter Jackson.
Hay momentos legítimos en los que el tamaño contrasta, e incluso empieza a verse amenazador cuando no debería, lo que añade mucha tensión ante su naturaleza y lo que piensa de la presencia de estos humanos que tiran bombas a su casa.
Pero Kong está más centrado en esta trama que en otras películas, no tenemos que esperar media hora hasta su aparición, y en ningún momento llegan a romper la naturaleza de su actitud cortando las escenas, o haciendo algo que sea fuera de su personaje.

¡Spoilers! Para los que no la hayan visto, pero en esta versión Hank describe a Kong como un rey retraído, pero que se preocupa de defender a los habitantes y las criaturas de la Isla Calavera de otros peligros y monstruos.

Aquí se nos presenta Kong de una forma que realmente me ha gustado al tratar de proyectarlo de una manera distinta.
Conrad y su grupo son informados por Marlow de que Kong defiende a los nativos y a las criaturas de unos monstruos a los que llama "Skull-crawlers/ Trepa-calaveras" monstruos que devoran sin piedad y voracidad todo lo viviente, y responsables de la muerte de los antepasados y padres de Kong, convirtiéndolo en el único para defender la isla de estos monstruos.
Al igual que en la versión de 2005 nos hacen entender que Kong es el último de su especie, lo que ayuda bastante a asimilar la tragedia de su situación como hicieron antes, solo que aunque aquí exista el propósito de defender la isla, en mi opinión eso abre a la única cosa que en mi opinión no pudieron mantener en alza con su personaje.

Para ser justos esto añade un nuevo tema de defensa, un mensaje anti-bélico y respeto por la naturaleza, junto con la presencia de Kong para restablecer esa naturaleza que ha sido alterada por el hombre (Como ocurrió con Godzilla). Pero para mí todo ese enfoque nos hace ver tan solo un poco la figura trágica e ingenua que Kong siempre ha sido, la tristeza que siempre nos han enseñado de que la bella mató a la bestia, la tragedia que es.
Claro que Kong: Skull Island no trata de ser más tragica, o seguir la historia original, pero estos temas y detalles no llegan en mi opinión de transmitirlo a partir de Kong, es imperante en la trama y el desenlace que con el propio personaje, no sé si me explico.
Kong aquí es una figura que se mantiene bastante fiel a los elementos comunes y estándares que tendrías del personaje, sin llegar a alejarse de su figura, o hacerlo de una forma irrespetuosa como el Godzilla de 1998. Aquí nuestro rey es distinto, pero no deja de ser el personaje por el que vamos a verle.

Una cosa que ha resultado para mí una mejoría respecto a las otras películas es, lo creáis o no, los nativos de la isla; claro, si Kong cambia su actitud a un ser protector por cada ser vivo de la isla, es lógico que aquí también deriven los nativos en unos nuevos personajes.

Me gusta mucha su apariencia, con la pintura que depende de la perspectiva en la que te encuentres, verás una relación con la estructura, como si hicieran pinturas o murales de 3 dimensiones.

Hank los describe como un grupo silencioso que muestran sus sentimientos y pensamientos a partir de sus actos y rostros, como seria con el propio Kong claro. Se ven más simpáticos y misteriosos que en las otras películas, en donde o son ridículos, o terroríficamente idos de la olla.
Me gusta mucho la escena en la que Waver toma fotografías, y se ven tan indiferentes, sin sentimientos, pero que igualmente sabes que al acoger a Hank y a Gunpei son algo más empáticos de lo que fueron sus otras versiones.

En cualquier caso, la trama una vez que Kong aparece decide ahora entrar en el conflicto de los personajes con Randa, quien ocultó la historia de la isla y las razones para investigarla, pero hay algo más. Randa está implicado en la misión debido a que fue el único superviviente de la furia de uno de esos monstruos, y desde entonces lleva investigando sus orígenes para poder eliminarlos, y proteger al mundo de ellos.
John Goodman mantiene en una gran y tensa escena en esta conversación con el personaje de Samuel L. Jackson y realmente hace entender a su personaje en un nuevo ángulo que lo deja ya fuera del egoísmo que pensábamos que tenía. Aunque se parece un poco a las charlas que hizo en la continuación de Cloverfield, es aún interesante ver a su personaje pasar de un conspirador con ridiculas teorías, a un personaje trágico con un oscuro propósito sobre las vidas de nuestros personajes, lo que más tarde contaminará la mente del coronel Packard durante la película.

"Los monstruos existen coronel, si quiere vengar la muerte de sus hombres, llévenos a casa... con pruebas"

Debido a esta charla, y la culpa que siente Packard, su personaje va cayendo progresivamente en una ofuscación con la isla y sus monstruos, que decide sin ir más lejos, preparar su venganza contra el gran simio. Vale, ¿por dónde debería empezar? Kong: Skull Island y Samuel L. Jackson hacen un gran trabajo en el descenso de la locura del personaje, hasta llegar al punto de concebir la idea de matar a Kong.

Realmente me gustó el comienzo del giro, al igual que las reacciones de los personajes ante su alrededor, no dan crédito a sus palabras, y Hank y Conrad le intentan hacer entrar en razón la importancia de no atacar a Kong, pero sin ir más lejos Packard les responde lo que un loco diría.
Una interesante resolución que convierte a su personaje en un moderno Capitán Ahab la verdad, y para lo que consiguen y muestran, no es tan malo.

Like a clock.

Sin embargo, este no es un tema central en la película, es más el punto de inflexión que crea el clímax, lo que nos enseñan una gran cantidad de temas que Kong: Skull Island decide mostrar pero sin llegar a desarrollarlos de ninguna manera, ya sea el comentario social de la Guerra de Vietnam, la vuelta a casa de un soldado de guerra, el miedo a la sociedad, el tema de la naturaleza, el mensaje anti-bélico, etc.
No llegan a desarrollar la importancia que los hace relacionar con los temas en los personajes, en ningún momento llegan a beneficiarse de ello, salvo en el caso de Hank Marlow, y tal vez Randa, lo que confirma esas características de que los personajes sean tan blandos.

Pero sin importar eso, Kong: Skull Island sigue saliéndose con la suya al unir la acción y la importancia de la trama con el humor y John C. Reilly en la situación de su personaje.
Por no decir que nos regalan un Samuel L. Jackson contra King Kong, al contrario de lo que nos anunciaron en 2014 con el cara a cara entre Bryan Cranston y Godzilla.
El uso del fuego, la luz, las dimensiones de Kong y las explosiones son increíbles, y crean un desenlace muy entretenido y cinemático que nadie debería perderse.

A pesar de eso, el verdadero clímax e interés en las escenas de acción es cuando Kong se enfrenta contra los Skullcrawlers, y vaya si llegan a hacer también la película.
Primero, se ven amenazadores la verdad, y técnicamente estamos hablando de una versión barata y señuelo como los M.U.TO. de Godzilla. Kaijus grises que solo están con el propósito de rellenar la trama y la acción. Pero aquí no es así, estos monstruos están creados a partir ya de un miedo, una reputación, y un propósito para temerlos (Procrear no es exactamente un concepto de miedo, sabéis); y cuando sale el grande, o tío, te aseguro que veras una de las mejores escenas de acción de una película de monstruos; Kong aquí rompe con la pana.

El diseño está basado en el pokémon Cubone, ¿quién lo diría? Aún así se ven amenazantes, y contrastan muy bien el tamaño de estas criaturas con el del entorno y el de Kong a la hora de sacarlos del mapa.

Como antes dije, durante las escenas de batalla aquí nuestros personajes no se quedan mirando estupefactos, no, tienen bastantes escenas de acción en donde pelean, e incluso llegan a ayudar a Kong en medio, algo que no se había hecho antes en una Kaiju Eiga, lo que es fantástico la verdad y crédito a como de imaginativos se ponen en ese aspecto.
Las tomas, Hiddleston y Reilly luciendo en cada pelea, acción, explosión, está llevado de una forma  fácil de apreciar pero sin ningún compromiso en hacer algo distinto y complejo en cada escena, es tan solo una película de acción del 2017 divertida y alucinante para el público en general.

Kong contra el Skullcrawler gigante es una gran escena de por sí con la creatividad con la que tratan de mostrarnos la batalla y la ingeniosidad del gorila, más sus recursos a la hora de batallar por defender la isla. Los humanos como dije se unen en su ayuda y consiguen enlazar el tercer acto en un clímax emocionante y lleno de adrenalina.
Sin duda no os decepcionará esta batalla de titanes y humanos.

Tengo que admitir que me hubiera gustado ver a Kong hacerle su característico movimiento final para derrotar al Skullcrawler, pero la forma con la que acabó con él también fue inesperado.

Y como cualquier película que está situada en un nuevo universo cinematográfico, tenemos otro final post-créditos; no soy muy fan de este tipo de escenas fuera de Marvel Studios, pero tengo que admitir que este me gustó muchísimo, si eres fan de las películas de este tipo de monstruos harías bien en esperar a la resolución de uno de los mejores personajes de esta película, junto con el alucinante destino de esta saga de películas.

En conclusión, Kong: Skull Island es una película que aunque sirva como enlace de introducir a Kong a este nuevo universo de monstruos, Legendary Pictures hace un impresionante trabajo.
Es cierto que para una millonaria película de Serie B de monstruos tenemos un reparto de primera que debería haber estado más centrada, pero al contrario que en otras películas de este estilo, tienen algo de carisma y se implican muchísimo más en la trama que sus predecesores.
Kong está genial en esta película, al igual que John C. Reilly como Hank Marlow quien la hace más divertida y graciosa.
Es cierto que no sigue la historia de King Kong, pero esa nunca fue su intención, esta es una película de acción y monstruos que tiene la intención de entretener con batallas, humor, interesantes personajes, desarrollo de la naturaleza, gran uso de música y la década de los '70.
Aún así si miras los anuncios o trailers ya tendréis la pista de que esta no es una historia que se centre en los pasos de la versión de 1933. Es como si al ver Bill And Ted's Excellent Adventure estuvieras más interesado en el contexto histórico que en los colgados más ingenuos de la historia, no funciona así.

Kong: Skull Island es una divertida película que aun con el propósito de desarrollar ese mundo cinematográfico de monstruos, consigue poner una historia entretenida, mantener en alza y hacer tributos al personaje de Kong, y mostrarnos su mundo de una forma no solo creativa, sino también emocionante y respetuosa con los personajes. A pesar de no tener la oportunidad de conectar con Kong de la misma manera, la forma con la que lo glorifican sigue siendo notable y nunca aburrida, convirtiendo esta película en una experiencia corta que estoy seguro que llamará la atención de este nuevo universo de monstruos.

La recomiendo mucho comprar para este verano y disfrutarla con tus hijos, amigos o familiares, estoy seguro que la encontrareis de vuestro agrado.
En fin, la semana que viene subiré una de las entradas que más me han pedido y que desgraciadamente no pude por distintos problemas, pero quiero también deciros que intentaré subir más criticas y análisis de películas de este 2017, ya que hay una gran cantidad de estrenos MUY INTERESANTES este año. En fin, nos vemos en la siguiente entrada, hasta entonces pasar una buen día lectores. ¡Hasta luego!

Rocky II (1979)

Muchas personas me pidieron que aprovechara el cuarenta aniversario de Rocky para criticar la película que creó la saga de Stallone y el popular personaje de Filadelfia, el único problema es que me adelanté un año antes con la salida de Creed y la analicé antes de tiempo.

Supongo que la solución más lógica es finalmente cerrar mi periodo de actividad en el blog con Rocky II una película que decide continuar la historia de Rocky Balboa.

Tiene bastante sentido ¿no? Tras el "inesperado" éxito que fue Rocky para todo el mundo, ganó una gran popularidad en EEUU, en los premios de la Academia, en Europa, e incluso Stallone empezó a codearse con distintos guionistas, actores y directores de cine que le llevaron a aprender más a fondo la tarea de dirigir una película, tomando así la tarea de llevar por sí mismo la saga desde entonces (Excepto por Rocky V).

De todas las secuelas esta es la más cercana al espíritu de la primera, y ademas vuelve a ser una de las que conecta otra vez con mi infancia ya que la vi tan solo una semana después de la primera, viéndola también como la continuación más conectada con la película original.

Al principio me gustó mucho, pero debo de admitir que con el paso de los años ha crecido en mí algo que tiende a disentir de la película, algo que me dice que no es perfecta por una serie de factores y la convierte en una de las más difíciles de ver en la saga, en mi opinión.

Explicaré esas cosas poco a poco, pero antes saltemos con la historia de Rocky II:

La película comienza inmediatamente donde Rocky lo dejó, ahora con Apollo (Carl Weathers) y Rocky Balboa (Sylvester Stallone) en el hospital después de haber terminado el combate.

Apollo está muy resentido con el inesperado resultado que Rocky ha dado en el ring, y con gran fervor e ira le reta a una revancha, pero Rocky decide pasar y retirarse del boxeo ahora que tiene la oportunidad de estar con Adrian, junto con la terrible noticia de que ha perdido parte de la visibilidad de su ojo derecho.

Ahora que Rocky es famoso y con dinero del combate toma las riendas de su nueva vida, se casa con Adrian (Talia Shire), compran una nueva casa, un coche, ropa llamativa, y empieza a participar en anuncios y a solicitar trabajos con su nueva situación.

A pesar de eso, nada funciona y Rocky vuelve a ser tentado de subir de nuevo al cuadrilátero a pesar de las negativas de su esposa, de Paulie (Burt Young) y de Mickey (Burgess Meredith), llevando a nuestro personaje a áreas y límites con los que nunca había contado que soportaría, junto con la presión de Apollo para celebrar el combate en el que demostrará su tenacidad en el boxeo.

La historia en la primera película seguía el concepto de luchar por tus sueños y mejorar el estado inicial a base de duro trabajo para poder dejar de ser ignorado y ganarte el respeto de todo el mundo.

Stallone creó muchas escenas a base de su vida y su persona ante esos momentos de dificultad, pero en Rocky II lo lleva al siguiente nivel, ahora la historia de Rocky Balboa se trata de luchar por sobrevivir, en ponerte de nuevo en marcha en el progreso de la vida y ver la dificultad que es en muchos momentos llegar a mantenerte en pie ante el resto del mundo.

Ya que hemos visto los humildes orígenes de Rocky Balboa y su forma de vida, es interesante ver el siguiente capítulo ahora que es popular, respetado, con dinero y casado con el amor de su vida.

Así se nos presenta el personaje, que aunque sea ingenuo y excitado por su nueva situación, no deja de ser el protagonista con el que conectábamos anteriormente; Rocky sigue siendo humilde y apasionado, es sólo que no sabe reconocer las nuevas oportunidades que se le han abierto.

Oportunidades oscurecidas por su inconsciencia, muchas de ellas se deben a la falta de confianza o a veces a un exceso de ella respecto a lo que busca o lo que compra.

Claro que la gente lo ve como parte de la comedia que es la película, pero a veces no está equilibrado de una manera clara.

Por ejemplo, proponen a Rocky hacer una serie de anuncios y así explotar su imagen y su popularidad, a lo que él accede, pero todo acaba en desastre cuando ven que no tiene el carisma necesario, no sabe actuar como es debido, y porque ¿no sabe leer? Pero qué me están contando.

Claro que esto está tomado otra vez de las experiencias de Sylvester Stallone una vez se dio a conocer, y muchas de las burlas también se enfocaron en la forma de hablar de SLY, pero está completamente exagerado en cuanto a la proyección del personaje de Rocky.

Pero vale, lo pillo, se trata de poner a Rocky en la situación de volver al boxeo, lo que de verdad se le da bien, lo que le apasiona, ¿recordáis lo de que está en el ring porque no es guapo ni sabe cantar ni bailar? Bueno, Rocky II nos deja muy claro este dato, pero para mí de una forma exagerada y que llega a arrastrar un tono deprimente en la historia de la película. 

A pesar de eso, me gusta la idea que da Stallone para situar a su personaje en problemas muy comunes a los que tendría cualquier espectador, lo que hace que muchas personas puedan a volver a conectar de nuevo con el personaje y su vida como se hizo en Rocky, a lo que estoy a favor y confirmo que consigue con éxito.

Favorece a crear un drama que funciona para muchos, y que en mi caso no me agrada, pero que reconozco que es importante en la historia.

En Rocky II muchos actores del anterior reparto vuelven a aparecer, pero de varias formas distintas que en la anterior.

Primero hablemos de Sylvester Stallone, una vez más su actuación vuelve a seguir los fieles pasos que hizo en la primera entrega para no poder distanciarse de su personaje, y Ricardo Solans vuelve también a dejar claro que conoce y entiende el doblaje que debe mostrar al público español para poder traducir apropiadamente la implicación, la energía y la pasión que SLY creó.

Muchos de los diálogos de Rocky cambian, y en esta entrega se mantiene sorprendentemente más profundo y gracioso en muchos momentos, tan solo mirad la escena en la que habla con Adrian sobre Butkiss, o como cuando se entera de que va a ser padre; su actitud aporta algo nuevo y diferente, pero que se mantiene fiel en todo momento.

Luego están esas escenas de tragedia que hablé antes, en las que vemos a SLY mantener el personaje con el optimismo y la actitud adecuada en la que se sentiría el personaje.

Normalmente la gente cuestiona el nivel de actuación de Sylvester Stallone fuera de la saga de Rocky o Rambo, pero insisto en verlo en Rocky II, es una de sus actuaciones más difíciles que ha hecho, pero que la eleva para poder mejorar la historia y ver la evolución del personaje ante las más duras de las depresiones.

La escena de la iglesia en la que reza por la salud de Adrian es el Everest del drama en esta película, y es fantástico el ambiente que logran crear en el.

Carl Weathers como Apollo también es fantástico, en esta ocasión está más presente en pantalla y no se para a presumir o alardear como vimos en Rocky, ahora es alguien totalmente distinto.

Hay un cambio que ahora sitúa a Apollo en una posición en el que quiere demostrar a todo el mundo y a sí mismo de lo que vale en el ring, una posición muy parecida a la que Rocky estuvo en el clímax de la anterior película, lo que me gustó mucho de pequeño, al igual que ahora.

Apollo siempre ha sido justo, tal vez condescendiente en algunas escenas de ambas películas, y OK no todo el mundo tiene porque gustarle su egocentrismo y confianza, pero Carl Weathers lleva una representación perfecta de la presión, la vergüenza y el resentimiento del campeón en cada escena, lo que lleva a añadir mucho drama y tensión en el combate final, y una mejor construcción del personaje que llega a sentirse comprensible su actitud en esta ocasión.

Tony Burton vuelve de nuevo interpretando a "Duke" el entrenador de Apollo, no sé por qué pero de pequeño siempre me ha dejado una gran impresión su personaje, como alguien que se ha tomado siempre a Rocky como un rival serio, y ahora en esta ocasión tiene mejor respuesta por parte de Apollo para el entrenamiento. Es otro personaje importante de la saga que no pasa desapercibido por lo genial que es la interpretación como las lineas que da, no está al nivel de Mickey, pero eso es porque es su propio y sabio personaje; su mejor rol es sin duda en Rocky III y un agradable cameo en Rocky Balboa, pero aquí también vale la pena mencionarle y ponerlo en pantalla.

Cualquier fan de la saga de Rocky habla de lo bien que se lo pasa a Stallone interpretando a Rocky, que para él es algo más que un personaje al que comprende más de lo que nosotros apreciamos, pero muchos de ellos olvidan también lo impresionante que puede llegar a ser Burgess Meredith como Mickey.

Él disfruta también de cada escena en la que su personaje interactua con Rocky, y llega a robar más de una escena en la que el drama vuelve a aparecer. Existe mucho dolor y desconsuelo en su actuación a lo largo de la película, lo que corrobora con esa arrastrada depresión de la que hablé antes; pero no me importa, soy capaz de perdonarlo si Burgess Meredith entra en escena.

Esta escena es triste la verdad, no me imagino la reacción que tendría el público de la época al verla.

Tal vez la mejor escena entre ambos personajes sea cuando se niega a entrenarlo por la falta de visión en el ojo, no está a la altura de la escena de la primera película en la que ambos discutieron, pero creo que es una escena muy tensa en la que permite ver a Stallone en una actitud de desconsuelo al negarle su ayuda, pero eso es tan solo debido a que en esta ocasión Mickey está preocupado por él, que teme por lo que le ocurra. Es brillante y perfecta de ver, toda una gran escena de Rocky II.

Burt Young vuelve de nuevo a interpretar a Paulie, y vaya si odio su presencia en la historia, ni siquiera puedo parar a detenerme a mirarlo, por el amor del cielo.

No tengo ni idea de lo que pensaría de él de pequeño, pero creo que su personaje es HORRIBLE en esta película, y no logro entender por qué Stallone le escribió de esa manera.

En la primera película era algo necesario verle cruel sobre su hermana y pensando siempre en el dinero que podría ganar trabajando para Gazzo, su actitud sirve para poder ver el personaje de Adrian como alguien débil debido a su entorno, pero que con confianza y ayuda puede llegar a demostrar al público y a Rocky la maravillosa persona que es, y que pese a todo cuida y quiere a su hermano.

Pero aquí, es un capullo sin compasión que es horroroso verle de nuevo al lado de una Adrian más vulnerable y emocionalmente frágil por su embarazo (Hablaremos de eso en un momento).

Paulie no es una mala persona, tiene un buen corazón y es un gran amigo, es solo que es muy fácil que se desvíe del camino y acabe mal parado. Por eso nos pasamos buena parte de la primera película con Rocky tratando de hacerle que cambie de opinión y que siga trabajando en el almacén del matadero; ¿simple, verdad? Se preocupa por él.

Entonces, ¿por qué demonios Rocky le da su puesto de cobrador al inicio de Rocky II?

¿Acaso no entendimos las razones de porqué Rocky le pedía que se alejara del mundo de Gazzo, o SLY estaba distraído en ese momento?

Mi teoría desde pequeño era que Apollo le dejó tan trastocada la cabeza que no supo ni a quien le estaba hablando, así de simple, ¡ea!

También hay cierta vergüenza en el ambiente que no me gusta durante la película, comenzando con Rocky vendiéndole su coche a Paulie, hasta el momento en el que trabaja en el gimnasio; la gente comienza a tratarle sin respeto, pero de una forma más mezquina y cruel que antes. ¿Qué demonios?

Todo ello "sirve" para situar a Rocky en ese estado de anhelo por volver al boxeo, porque siente que es para lo que a nacido, pese a la negativa de Adrian.

Como dije antes, creo que exageraron mucho el poner a Rocky en ese estado de lástima que obliga a arrastrar ese tipo de drama durante toda la película (Lo que la hace difícil de verla para mí), es cierto que algunas escenas funcionan, pero otras son horribles de ver y no contribuyen a nada para el espectador.

Ahora hablemos de Talia Shire haciendo de Adrian; en mi anterior entrada alabé su actuación al igual que al personaje, pero aquí se presenta un poco fuera de la trama junto con una importancia que no veo bien equilibrada, algo que lamentablemente perdurará en muchas secuelas.

Pero apesar de eso me sigue gustando mucho ver a Adrian tan feliz y optimista, la escena en la que Rocky le propone matrimonio es encantadora y especial, junto con la escena de su boda; es solo que en la historia Talia Shire no tiene mucho que ofrecer diferente en su actuación, se muestra de la misma forma que hizo antes pero aún así se mantiene fiel a su personaje y también preocupa al público debido a la presión a la que ella también se sitúa.

Se puede también notar el amor que ambos presentan y la necesidad de apoyo que Rocky y Adrian tienen, como vimos cuando Rocky le dice que va a salir de su retiro, a pesar de que ella no se lo impide y tampoco se siente cómoda. Rocky necesita saber que ella está de su parte, de su lado, a lo que lleva un desinterés por su parte en los entrenamientos que Mickey le replica en una gran e inoportuna escena por lo que sucede en adelante.

Rocky y Adrian se necesitan para poder seguir en adelante, y aunque aquí no haya escenas tan brillantes como hubo en Rocky, ayudan a desarrollar su relación de una manera bastante gratificante para el público. En verdad Stallone escribió una verdadera relación de amor entre estos 2 personajes.

Como antes dije, la necesidad de poner a Rocky al borde del estrés de su vida y en una profunda depresión está exagerada a la hora de verlo, pero el drama se crea a partir de una base, o al menos hasta que Paulie vuelve a aparecer.

Sí, mi única crítica a Rocky II es la escena en la que Paulie confronta la actitud de Adrian con Rocky, el por qué no le apoya como una buena esposa, y debido a la brutalidad con la que la habla, la presión a la que se ha sometido también ella, y su estado actual, Adrian sufre un desmayo que la deja en un coma permanente tras haber dado a luz demasiado pronto.

Es la escena que más odio de toda la película porque nos obliga de nuevo a ver el drama de una forma innecesaria, nos obliga también a ver que la funcionalidad de Paulie era detonar su furia sobre Adrian y dejarla fuera de escena durante mucho tiempo, teniendo que estar sin Talia Shire como foco.

Rocky está muy deprimido, y ni siquiera quiere ir a ver a su hijo recién nacido hasta que Adrian despierte, lo que también es bastante duro de oír, pero al final todo sale bien para relajarnos, supongo.

Lo único que veo para apoyar esa escena son tres cosas; la primera es la fantástica escena en la que Mickey va a ver a Rocky en la iglesia y se disculpa por como se ha comportado con él durante el entrenamiento, un profundo silencio de ira y tristeza por fin le hace entender que ahora no lo necesita como su entrenador, sino como a su amigo al que necesita ahora más que nunca para poder hacer frente las dificultades que se le acaban de presentar, y poder de nuevo ponerse en pie un día más.

Burgess Meredith es fantastico como siempre y Stallone le escribió en mi opinión uno de los mejores diálogos de toda la saga, hay una calma y tanta emoción en su voz que es imposible ignorar la belleza de esa tranquila atmósfera que han creado para preocuparnos por Adrian y por Rocky, es simplemente perfecta.

La segunda es la escena en la que Adrian despierta, es precioso por ver todo lo que han pasado los personajes y por fin respirar tranquilos y en calma, hay un alivio ante tan cargada y dramática atmósfera que las simples palabras de Adrian a Rocky apoyándole para hacer frente a Apollo son preciosas, por fin está del lado de su marido junto a su pequeño hijo Robert.

Una imagen hermosa la que llega a dirigir Stallone.

Rocky, Adrian y Robert Balboa, ¿no es algo precioso la imagen que dan estos 3 como familia?

Hablando de Robert, ¿sabíais que Sylvester Stallone escribió originalmente una escena en la que se encontraba por primera vez con Mickey, en la cual le hace saber su verdadero nombre?

No he oído nada de si se llegó a filmar tal cosa, pero creo que habría funcionado como un descanso de esta historia tan tensa, es solo mi opinión personal.

La tercera es la cosa que Rocky hace por Adrian, ganar; inmediatamente de recibir el apoyo de su esposa saltamos a lo más conocido de la saga de Rocky, el montaje de entrenamiento, salvo que en esta ocasión Stallone nos da dos escenas para ver con dos distintas canciones de Bill Conti el compositor de la anterior película.

En la primera se ve como un tono serio pero de un logro grande cada vez que comparten escena Rocky y Mickey corriendo a por las gallinas, practicando la velocidad y la fuerza de Rocky, todo ello acompañado de la canción de Redemption.

Una prueba más dura, pero también ajustada a un entrenamiento real en cualquier boxeador.

El segundo montaje de entrenamiento es un regreso a la escena en la que volvemos de nuevo a ver a Rocky corriendo por las calles de Filadelfia mientras escuchamos otra vez Gonna Fly Now pero ahora con un distinto coro (Creo que de los niños que aparecen durante la película).

Me gusta mucho que en esta ocasión sea de mayor felicidad y optimismo, que muestren ahora a la gente apoyando a Rocky por el gran combate, recordándonos que el gran respeto que se ganó nunca se perdió, sólo necesitaba ponerse a la altura de esas grandes circunstancias para poder verlo.

La parte en la que corre con más de 800 niños es una clara referencia del orgullo que sintió la ciudad de Filadelfia por el personaje, junto con el apoyo que por fin respaldan a Rocky; es impresionante el trabajo de la cámara y la dedicación que da Stallone durante la marcha que lleva hasta el museo.

La imagen en la que sube de nuevo las escaleras hacia el museo de Filadelfia era y es una gran imagen que confirman en esta película como algo humilde, épico e icónico.

Cada día la gente sube esas escaleras para homenajear el esfuerzo de Rocky de salir desde los suburbios hasta el éxito gracias al trabajo y la dedicación que uno pone en lo que ama y lo que disfruta, y la gente sigue y seguirá alzando sus manos gloriosas de la misma manera que el personaje por lo que nos ha enseñado durante cada escena de la saga.

No hace mucho tuve la oportunidad de hablar sobre la influencia de la saga de Rocky con mi compañera Tiziana, quien practica boxeo entre muchos otros deportes; compartió conmigo la emoción y motivación que puede llegar a plasmar un personaje como éste debido a las similitudes que expresa con el público. Ella lo considera como una perfecta representación de su indescansable espíritu indómito, y una perfecta figura a la que admirar durante la búsqueda del éxito y el trabajo.

Como ya dije, en Rocky II trata de ver a Rocky Balboa como lucha por sobrevivir a crear una nueva vida y ponerse en pie ante las dificultades de la vida.

Entonces, repasando todo tenemos un avance y un mayor desarrollo de los personajes y sus actuaciones, fenomenales diálogos y escenas bastantes graciosas que compensan también el drama que la película crea. Y aunque personalmente se hacen difíciles de ver para mí, admito que están bien llevadas y la convierten en una característica más de la película.

Mi escena favorita es en la que Rocky llama al padre a la iglesia para que le bendiga antes del combate, eso sí fue gracioso, ¡vaya si me reí con esta escena de pequeño XD!

Me encanta el enfoque que tiene cada personaje, y aunque en cierta parte Paulie no esté bien empleado en la historia, creo que Burt Young hizo lo que se le encomendó y nada se le puede echar en cara.

Apollo y Duke son un buen enfoque ahora en la historia, Mickey es FANTÁSTICO llegando a superarse en esta ocasión. Adrian brilla al lado de Rocky, y nuestro protagonista logra mantenerse ante tales presiones y trivialidades. Tan solo por esto vale la pena ver la película.

¡Vaya gran reparto y grupo de actores que tenemos aquí!

Ahora hablemos del combate final entre Apollo y Rocky; jamas había oído tanta negatividad respecto a este combate, mucha gente ha hablado de lo falso que es en esta ocasión y que el final es una completa bufonería entre otras cosas.

De pequeño yo no pensaba de esa manera, me vi bastante implicado en la pelea y en como ambos habían mejorado desde el anterior combate. Pero volviéndola a ver tras tantos años, creo que entiendo tanta decepción al respecto, vamos poco a poco, porque también tiene sus cosas buenas para ser justos.

¿Es mejor que el montaje del anterior combate? La verdad es que no, muchas escenas se nota que el sonido no encuadra con los golpes y puede notarse bastante la falsedad del combate, no hay una buena coreografía, tiene una duración algo más extensa, y el momento final del último round mucha gente no la considera seria ni real. Stallone sufrió un accidente en el pecho durante el rodaje, de ahí que durante la película se centren en lo del problema del ojo y en enseñar a Rocky a pelear también como un diestro.

Pero en mi opinión hay un buen uso de la cámara, es el primer combate que también usa slow-motion antes de que se usará como un cliché, y a pesar de la escena en la que ambos caen y Rocky se levanta antes de que suene la campana, aún se conserva la tensión y el peso del drama de la escena, convirtiéndose en una victoria que en cierta manera encaja con la personalidad que hemos estado viendo en Rocky.

Algo que nunca me había dado cuenta hasta ahora es el final de cada película, la saga siempre tiene una forma segura de acabar con la que uno no consideraría una continuación, lo que las hace inesperadas para el público cada vez que planearon hacerlas.

Me encanta el cierre del combate en el que Rocky levanta el cinturón del campeón y agradece a Apollo por su deportividad y la oportunidad del combate, siempre humilde y con un gran corazón, y como olvidar a Adrian diciéndole una vez más que le quiere, es algo fantástico y triunfante al sonido de la música.

"YO ADRIAN, I DID IT!!!"

En conclusión, Rocky II tiene sus pros y sus contras, no es tan buena como su predecesora versión ganadora a un Oscar, pero nunca ha pensado en ser eso sino más en ser una continuación de una perfecta e inspiradora historia.

Es cierto que tengo problemas con la forma en la que se plantea el drama en la película sobre Rocky, pero eso no impide que admire y respete lo que han logrado, y el que el resto del público disfrute de esas escenas.

Esta es la única secuela que se mantiene más cercana al tono y al espíritu de Rocky, está bien dirigida, mantiene la historia fiel a sus seguidores, avanza el arco de los personajes y sorprende también con grandes actuaciones por parte de Sylvester Stallone, Talia Shire y Burgess Meredith.

Es sin duda una perfecta continuación, y tal vez la mejor secuela de toda la saga de Rocky Balboa.

Con esto pongo fin a mi periodo de actividad en el blog.

Quiero agradeceros una vez más a todos por haber compartido vuestro interés por el blog una vez más, junto con Tiziana por haberme contagiado con el deseo de subir Rocky II, y si os ha gustado esta entrada y deseáis otra para Rocky III os invito a participar con más sugerencias.

Durante mi periodo de descanso estaré buscando más películas por subir al blog, junto con otras formas de expresarme. Este descanso me permitirá subir nuevo material y descansar un poco del trabajo que he estado manteniendo, espero que podáis entenderlo y podáis también participar en la nueva trayectoria que quiero crear.

¡Nos veremos en abril o mayo, hasta la siguiente entrada y gracias por vuestra atención!

Whiplash (2014)

Creo que a la hora de hablar de las mejores películas nominadas a la Academia, no hay mejor ejemplo que el del 2014, estaban Birdman, La teoría del todo, Interstellar, The Imitation Game, El Gran Hotel Budapest, Boyhood, Nightcrawler, Selma; muchas películas buenísimas estuvieron nominadas, pero luego llega una obra única de Damien Chazelle atada intensamente a la música, y que fue totalmente original, dura e impactante, Whiplash.

La historia acerca de la introducción de Andrew Neiman (Miles Teller) en el Conservatorio Shaffer comienza con una pequeña prueba de lo que vale este joven aspirante a Batería al coro del exigente director de orquesta Terence Fletcher (J.K. Simmons); la continua práctica le lleva a participar en su banda de estudio, en donde Andrew observa su comportamiento abusivo, burlas e irascibilidad con los miembros de la banda, y que experimentará en la clase al no llegar a mantener el "tempo" de Fletcher.
Muchos abandonarían de inmediato, pero Andrew ve la oportunidad de mejorar y llegar también a complacer a Fletcher para poder aprender ante su durísima y violenta tutela, para desgracia de su novia Nicole (Melissa Benoit) y su padre Jim (Paul Reiser).
Nadie dijo que llegar a lo más alto para ser un célebre músico fuese fácil, y Andrew se verá ciego a medida que pasa el tiempo, que aunque el camino que ha escogido sea el más rápido, mejor, y difícil de todos, también es el que más atacará a su persona.

Blues y Jazz son mis preferencias favoritas en cuanto a música, con lo que podéis suponer mi opinión sobre Whiplash, cierto que es una película difícil de analizar, pero es imposible ignorarla cuando toca comentar acerca de obras maestras, música y sólidas actuaciones.
Hablemos un poco de Andrew, el protagonista; Miles Teller toca la batería desde los 15 años y realmente consigue llevar a la gran pantalla el estilo, la tensión y la dificultad que es tocar con una banda la batería, pero también de forma natural cuando se le necesita.

Me gusta la idea que han tenido de reflejar la historia en un chico de 19 años durante su primer año de universidad/conservatorio porque muchas cosas que representan se reflejan de una forma auténtica y real; es cierto que durante el primer año muchos alumnos tienden a sentirse solos debido a la presión del trabajo, la distancia que les separa de su casa, y que poco a poco se van alejando de todo el mundo hasta acabar en una situación de depresión y ansiedad.
Yo he pasado por eso más de una vez en la universidad, con lo que choca mucho con mi persona ver a Andrew en una situación tan real y fácil de situarse (Perfecto Chazelle).
Todo está reflejado de una forma realista, deprimente, y con Miles Teller expresando su situación a través de la música que escucha y el ambiente en el que se encuentra.

Normalmente la cámara siempre le refleja solo, sin compañeros o amistades, como si no encajará en el conservatorio, pero que aún sigue adelante porque le gusta tocar, porque quiere hacerse probar ante Fletcher y ganarse su puesto en la banda con la práctica, a pesar de su método de enseñanza.

La ansiedad y la presión es palpable con el constante sonido de batería que va acompañándolo poco a poco, hasta dejar sin respiración la escena. El desgaste que va sufriendo Andrew está muy bien llevado y es auténtico, más que nada por la dureza que conocemos que Fletcher le somete, o por la forma en la que se enfoca la cámara en el dolor que va pasando cada vez que toca, las horas, los sacrificios, el aumento del sonido que agrava la tensión, y la violencia física. Es un no parar.

Ni siquiera sé que más decir sobre el personaje y la actuación, hay algo especial en Andrew que rompe con el cliché de los demás personajes en un drama parecidos en este género, creo que se debe a la edad y el dolor que sufre, junto con las formas que la película nos da para identificarnos con él.
Por ejemplo, muchas tomas nos explican el dolor que es tocar la batería, y la dificultad que es mantener la presión en las muñecas tocando el instrumento, al igual que poder saber y controlar no adelantarte al ritmo de la banda o retrasarte.
Todo eso es muy difícil la verdad, no soy un profesional a la hora de tocar un instrumento, pero puedo aseguraros que ocasionalmente cuando me ponía con la batería de unos amigos no podía aguantar el movimiento de las muñecas y el dolor de cada sesión. Sólo quiero decir que el dolor por el que pasa es real y está llevada en una buena cinematografía (De la que hablaremos más tarde) y en una perfecta actuación.

Whiplash también habla de un comentario social respecto a los músicos, breve, pero que contribuye a ser consciente de como tratamos a quienes estudian en los conservatorios.
Hay una escena en la que Andrew está cenando con su padre, sus tíos y sus primos que se dedican al fútbol americano como carrera deportiva.
Instantaneamente notamos en el ambiente algo incómodo e irrespetuoso hacia nuestro protagonista por parte de sus tíos y sus primos, y eso es su sueño de ser músico.
No lo toman en serio, sus logros parecen no valer nada (Lo mismo piensa de ellos en el deporte) ya que opinan que ser músico es algo ridículo y sin objetivo, de ahí que saquen su soledad y el que no tenga amigos ni una vida como la de sus primos.
Lo interesante de esta escena es el menosprecio, nosotros sabemos que Andrew no ha llevado bien todos sus esfuerzos y el tiempo que ha empleado para impresionar a Fletcher, y eso sólo respecto a él, no conocemos al resto de la banda pero imaginamos que también sufren como nuestro protagonista.
Lo que quiero decir es ¿cuántos de nosotros conocíamos lo que implicaba tocar en una banda, el esfuerzo, el trabajo, el dolor de ser sustituido, la coordinación que debes tener, junto con el cuidado físico que implica?

Yo formaba en parte de ese pensamiento, y quisiera disculparme ante todos aquellos músicos que al igual que Andrew han debido soportar esto.
Es difícil explicar tus gustos por el cine, la medicina, la música o cualquier otra cosa en el que dedicas parte de tu tiempo, o de por qué quieres labrarte un futuro a partir de ello a un grupo de personas que no te entienden; pero Whiplash consigue con éxito entender ese punto, al igual que la forma correcta para ignorar esa clase de personas.

Miles Teller muestra una evolución al igual que una caída progresivamente, lo que ayuda a ver la película como también una experiencia visual, junto con las partes técnicas.
Vemos como se empareja con Nicole de una forma breve y encantadora (lo que ofrece un descanso de la batería y de las escenas del conservatorio), yendo al cine con su padre o disfrutar de una cena con el resto de su familia.
A medida que avanza la historia, las prácticas, y el tiempo, observamos la impresión y el gusto por su trabajo, y una menor conexión con la vida de Andrew, ahora centrándonos más en su objetivo de impresionar a Fletcher y conservar su puesto en la banda.
Y pasamos a varias escenas en las que se desconecta del mundo real para centrarse en su técnica y en practicar, ignorando las llamadas de su padre y más tarde, cortando con Nicole.

Aunque breve, Melissa Benoit hace un gran trabajo como Nicole.

Esta es una de las pocas escenas que pienso que han exagerado la primera vez que la vi, pero debo de admitir que al verla varias veces llega a sentirse la ruptura como algo natural en ese ambiente universitario, apoyando así al tema del desgaste en el trabajo, a esa excusa implicación en el área de estudio que es capaz de aislar a las personas de sus familias, amigos o novias. Pero aún así se siente algo raro e irreal.

Andrew rompe con Nicole para centrarse más en la banda y en Fletcher, conque todo ira bien a partir de ahora, ¿no?
Error rotundo, ahora es cuando las cosas van a empeorar y vemos esa caída progresiva, sin nadie a su lado y con 2 alumnos que pretenden quitarle el puesto, Andrew se ve envuelto en varios problemas que hace que pierda los nervios durante una de las competiciones, poco a poco deja de mostrarse como la simpática, callada y fácil persona de impresionar que era, para ahora adoptar una actitud parecida a la de Fletcher, muy irascible, pero también estresado y confuso por miedo a perder su importancia con la batería.

Lo que lleva a mi escena menos favorita de Whiplash, el accidente de coche.
Antes que nada voy a decir que es una escena impactante, que me pilló por sorpresa, de verdad, al igual que el público del cine no esperaba eso, fue un susto muy grande.
Y ademas logra su propósito de ver a Andrew enloquecido por la importancia de algo que no vale tanto la pena en comparación de su salud y su capacidad de tocar la batería; junto con su confrontación con Fletcher en plena competición; simplemente la escena más tensa y dura de ver de toda la película, algo impresionante por parte de Miles Teller.

Diré que aunque también pienso que han exagerado esta escena, no les quedaba otra que ampliarla de esta manera para mostrar la perjudificación que es la obsesión insana de nuestros objetivos como de nuestras metas, el comportamiento de Fletcher tenía que llevarnos algo tan grande como esto, para bien o para mal. Damien Chazelle  dirige con convicción una escena que podía no haber funcionado, para luego tratarla como una alejada pero posible realidad ante aquellos que se enfrascan en tal peligroso comportamiento; todo ello acompañado de la batería de fondo que presiona sobre la escena y la emoción del público.

Es hora de hablar de la música junto con la parte técnica de Whiplash.
Podemos agradecer al director junto con el músico Justin Hurwitz por la selección de partituras para la película tanto a la hora de tocarlos como el sonido de batería que emplean para las escenas más importantes de la película.
Algunas son fundamentalmente conocidas partituras de Blues y Jazz para presenciar a la banda y a Andrew metiendo la pata con el tempo, o coordinando con algunos magníficos sonidos de saxofón, trombón, trompeta y violonchelo (Como todo el mundo sabe, si hay un saxofón en una canción, me gustará al instante); al igual que el uso que emplean con ellas para poner la cámara como un ángulo acelerado y tenso de la visión de Andrew.
Personalmente Whiplash, Caravine, Upswingin y Overture son las más melódicas, intensas e interesantes canciones de todo el disco, pero la que de verdad me gustó fue la de Fletcher en el bar en el que se encuentra con Andrew, muy relajada y que permite respirar de la acción del tercer acto.

El montaje de Tom Cross al igual que la cinematografía de Sharone Meir es uno de los mejores que he visto, el mejor del 2014 a mi parecer.

El uso de la velocidad, el tiempo, las imágenes, y la música lo convierten en un trabajo coordinado como el de una banda, un trabajo que confirma que Whiplash estuvo pensado como una experiencia visual y musical ante un protagonista muy emocional e inseguro ante este nuevo entorno.
La cámara hace un gran trabajo transmitiendo su estrés, y la importancia de lo que es para él estar en esa banda y aprender para complacer después a Fletcher con sus resultados.
Jamás una película hizo claro lo difícil que es tocar en una orquesta como se observa en esta dramática historia.

Entonces, de todas las películas sacadas en 2014, ya sabéis que Whiplash es para mí la mejor respecto al trabajo técnico, la música y el montaje, junto con la representación del protagonista que pasa por una de las fases más comunes en cualquier universitario primerizo, pero en el peor de los casos.
Entonces ¿queda algo más por hablar? Desde luego, y ese es el Mejor Actor de Reparto de 2014, J.K. Simmons como el director Terence Fletcher.

Ni se os ocurra juzgarle por su apariencia, es mucho más de lo que aparenta este gran personaje.

Me encanta J.K. Simmons, es uno de los actores que más me gustan respecto al cine actual, su voz es magnífica en los doblajes que realiza, pero también es un actor muy versátil y trabajador ante todo; tal vez lo reconozcáis como J. J. Jameson en la saga de Spiderman o como el padre de Ellen Page en Juno, también hablamos de su pequeña participación en el blog con Thank You For Smoking.

Aquí le tenemos como alguien exigente y duro de ganar su atención, que requiere de la más absoluta coordinación de una banda de orquesta a la que los errores no se les pueda aplicar, para que así pueda dirigirla a su manera y de todas las formas posibles que hay. Y la suya es la más intensa que existe.

"Not quite my tempo"

La introducción del personaje es la de la película, se escucha un toque militar de batería en el que poco a poco la cámara se acerca a Andrew tocando, y se presenta Fletcher preguntando por qué para de tocar y que continue manteniendo el ritmo, a lo que Andrew continua hasta parar, pero Fletcher le vuelve a decir que nadie le ha dicho que pare, que continue hasta llegar al punto de mayor velocidad. Y así como apareció de la oscuridad del pasillo, se va de nuevo para decepción de Andrew.
No contiene mucho que digamos, pero es la presentación de los personajes principales ante el tema que enlaza el final de la película, el no parar de tocar, no esperar una respuesta, continuar hasta donde puedes llegar. Sé que no tiene sentido de momento, pero hablaremos de ello más en adelante.
Damien Chazelle explicó esta escena en Anatomy of a Scene del New York Times que lo que trata de mostrar es la amenaza que se presenta en la película.

La actuación es impresionante, está equilibrada en una linea perfecta que no llega a ser un personaje exagerado que parezca una caricatura o una parodia, no existe ni un solo elemento cómico respecto a su carácter enfurecido, está llevado con una dureza que se siente natural y real ante un profesor o maestro que conoce como reaccionar ante lo que espera que se le presente delante; no existe ninguna escena de maltrato injustificado y Fletcher está pensando siempre en un método de enseñanza; algo falla y deben reaccionar y darse cuenta de cuál es su error, y remediarlo rápidamente, lo que le enfurece completamente cuando sus alumnos no ven en por qué fallan, o no saben cómo lograr superarlo.
Mucha gente compara el personaje y la actuación con el increíble R. Lee Army a quien tal vez reconoceréis por su papel como el sargento de La Chaqueta Metálica pero la diferencia entre los dos es que Fletcher se siente real debido a su centro moral que se desvela al final de la película, junto con la humanización que la película va mostrando poco a poco.

Pero sí, quitando lo dicho anteriormente, hay algo de inspiración en la actitud abusiva que vimos de uno de los actores más geniales del Cuerpo de Marines de los Estados Unidos de América; aunque Fletcher tan solo es así a la hora de enseñar, no como una muestra de respeto.
Tomad la escena del chico del trombón, primera vez que Andrew asiste a la nueva banda e inmediatamente conoce la dificultad que es estar con Fletcher como director, que no consiente la incompetencia de ningún miembro de la banda, pero no de la manera que nosotros pensábamos (En el fondo se le puede entender en esta escena, pero sigue siendo un poco cabrón).

Pero tampoco es quien se deja ver ante los personajes como Andrew, hay varias escenas en las que se muestra amable, comprensible e incluso más abierto que cuando dirige a estos músicos.
Cierto que las escenas como cuando le dice a Andrew que se relaje antes de tocar en la clase son falsas, muestras de simpatía que emplea para poder desplegar sobre él burlas respecto a lo que conoce  de sus alumnos. Pero luego está la escena del bar (O la de la hija de su amigo, junto con la muerte de Sean Casey) en el que poco a poco Fletcher habla con Andrew de la naturaleza de su enseñanza y de sus motivos de su comportamiento; todo ello acompañado de una música bella, suave, y con un sólo de piano tan melódico que demuestra que las apariencias engañan.

Hay una buena dirección junto con una gran y sorprendentemente actuación en la que se muestra sensible, pero también firme ante sus ideales; es el eslabón que faltaba por saber el público y Andrew acerca de la conexión entre mentor y alumno.

Tengo que admitir que la escena es gratificante de ver y de poder conocer más al personaje de Fletcher, el como se relaciona con Andrew y sus sueños de ser músico profesional se ata también con la sensibilidad del público, junto con la revelación del final, pero antes hablemos del propósito de su enseñanza.
Fletcher considera que las palabras "Buen trabajo" son las peores que pueden existir a la hora de trabajar con sus alumnos, de alguna manera conecta el hecho de llegar a un punto en el que cumplimos las expectativas que esperan de nosotros, con la idea de llegar ahí y esperar cierta satisfacción por el duro trabajo.
Pero Fletcher está en contra de todo esto, de ser por esos maestros nunca habrían existido grandes músicos como Louis Armstrong o Charlie Parker, él quiere que sus alumnos den más de lo que ofrecen y muestren todo ese trabajo continuamente, siempre intentando que se superen y llegar a avanzar día a día, de ahí su carácter irascible y abusivo, para que dejen de observarle como alguien a quien tratar de complacer o de admirar, sino como alguien que les provoca a superarse a través del dolor, la presión o incluso el odio.
Y así se muestra Fletcher, como alguien que sigue trabajando para poder alentar al progreso de los futuros músicos, y conociendo la firmeza de sus convicciones y su confianza en ellas, no se arrepiente de nada de eso, y no le culpo por ello.

Es bastante difícil no entender a este hombre, por un lado admiras lo que trata de lograr, diciendo que cree tan firme en eso que no lamenta nada, aunque eso haya significado la muerte de Sean Casey, su despido y la expulsión de Andrew en el conservatorio. De repente Andrew al igual que el público comprenden que hay mucho más en esa obsesión por el trabajo, y que tal vez por fin nuestros personajes se entienden ya como maestro y alumno.

Llegando ya al final, Fletcher le propone a Andrew como disculpa por lo que ha pasado que sustituya a su batería para participar en el J.V.C. del Lincoln Center, una importante exposición de música de Jazz que puede ofrecerle la oportunidad de llamar la atención para otros proyectos de futuros que le pueden llevar lejos.
Ahora, hay 2 formas de ver el final de Whiplash que destacan por su significado y el mensaje que han estado llevando con Andrew, de los que hablaremos en un momento.
Como ya sabeis la preparación de este festival nos deja ver los resultados de la obsesión del protagonista ante el objetivo de mantener su puesto en la banda, y de como de vacío se siente al haber dejado de lado sus sueños de ser un batería profesional.
Hay una soledad desoladora en Andrew, en el que a pesar de estar al lado de su padre, y por fin fuera de la sombra de Fletcher, algo no va bien.
Nicole vuelve a su lado como amiga, ahora está con un novio al que no vemos, pero que se muestra aún atenta y alegre por saber de Andrew, a pesar de que éste empieza a conocer las fatalidades que hay cuando vuelcas tanto tu persona en tu trabajo. Destruyen tu vida.

¿Por qué hablo de esto? Está muy enlazado con el mensaje del primer tipo de final; me explicaré, durante el festival Fletcher le dice a Andrew que siempre ha sabido que fue él quien le denunció por maltrato en Shaffer, y así inesperadamente observamos como Fletcher deja a Andrew en ridículo en pleno Lincoln Center al empezar con la partitura de Upswingin, una canción que nunca había tocado; y como bien dijo el condenado director de orquesta, ese público tan exigente nunca olvida nada.

Avergonzado y dolorido, Andrew sale corriendo del escenario al encuentro de su padre, quien una vez más le brinda el apoyo que necesita, abrazándolo y consolándolo, como ha hecho durante toda la trama, pero no de una forma estereotipada que hay con los padres en este tipo de películas, aquí este hombre comprende totalmente a su hijo, y una vez más decide apoyarlo en su hora más baja.

Supongo que no tendré otra oportunidad para decirlo pero también Paul Reiser como el padre de Andrew es un personaje maravilloso de ver, representa la primera forma de ver el final de esta película, el ver que la obsesión de tu trabajo pese a ser tóxica y que destroza las relaciones que creas, también te recuerda quien está a tu lado en todo momento, quién es la mano amiga que realmente comprende por lo que pasas, o incluso no lo entienda, pero que siempre estará ahí para ayudarte, no importa lo que ocurra; y que es simbolizado como algo que vale la pena de de preservar.
Durante ese abrazo que comparten, Jim Neiman está idealizado como el consuelo que es no haber cumplido nuestros objetivos ante tales presiones, la idea de que tener y lograr ese tipo de metas no es lo más importante en esta vida, sino quienes están a tu lado para apoyarte.
Brillante Damien Chazelle, buen movimiento.

Respecto a la segunda forma de ver el final de la película es sencillo, la primera estaba centrada en un mensaje no solo para el personaje de Andrew, sino también para todos aquellos que se hayan sentido identificados con su situación durante el resto de la película, yo entre ellos me incluyo. Pero ahora comienza el final de Andrew, aquel que él mismo crea y que debe servirnos de inspiración para nuestro afán de lograr nuestras metas.
Ahora que conocemos el resultado de trabajar con Fletcher, el romper tus conexiones con tus amigos o con tu novia, queda ver el resultado, el que se consigue cuando desconectas del mundo real para centrarte obsesivamente en tu estudio o práctica de algo importante en tu vida; simple, el resultado es el final de Whiplash.

Andrew decide hacerle frente a Fletcher e instantáneamente decide seguir en adelante con la batería, de la nada empieza a tocar Caravan sin anuncio del director, y el resto de la banda decide seguirlo con los sonidos del saxofón, las trompetas y el violonchelo; por fin Andrew ha comprendido la motivación para seguir en adelante, ya no se trata de impresionar a Fletcher, ahora decide continuar por sí mismo por el odio que le ha surgido, y así obligarlo a dirigir la banda mientras él siga tocando la batería para demostrarse a sí mismo de lo que es capaz. Ya nadie le impresiona, ni nada le importa, es su momento de no parar de tocar, y seguir con Caravan hasta el final y demostrar el talento que de verdad tiene Andrew Neiman cuando no está atado a nada ni a nadie.

La escena continua hasta el supuesto final de la canción, pero Andrew sigue tocando la batería sin descansar durante más de 5 minutos, dejando al público, la banda, y a Fletcher perplejo por el asombroso solo de batería que hayan visto en sus vidas.
Jamás había visto un solo tan impresionante en mi vida, la velocidad que toma, la presión y la coordinación es fenomenal y única, Miles Teller con convicción logró mantener la presión, la tensión y el cansancio de la escena hasta el final; y cuando va poco a poco a descender con la batería, se ve una mirada compartida con Fletcher que le invita a volver a aumentar el redoble para culminar el final del solo con la banda.
Así como el sonido militar que oíamos al principio de Whiplash, va acercándose ahora al final de Caravan con Fletcher ahora manteniendo a Andrew y dirigiendo en preparación para el final; terminado el redoble comparten una impresionante y congelada mirada en la que Fletcher refleja una mueca de simpatía, excitación y emoción por Andrew, y así le permite terminar en el que es probablemente uno de los mejores finales de la historia del cine, dejándonos ver el maravilloso diamante en bruto que ha resultado ser la película de Whiplash.
Sin duda una de las mejores obras que el 2014 nos haya dado.

Whiplash la adoré en el momento en que la vi en el cine, y cada vez que la vuelvo a ver me gusta más y con mejores razones, no sé si os ha hecho a vosotros también está impresión pero a mí que me gusta este tipo de música, actuaciones brillantes, e innovadora dirección, me ha calado hasta el fondo.
No me gusta mucho puntuar películas, pero diré que Whiplash entra en un grupo que pertenece a un clásico que debe verse siempre en cierto momento de la vida, es totalmente indispensable gracias al trabajo de Chazelle, Teller, y de J.K. Simmons para poder seguir apreciándola en los próximos años.

Buen trabajo chicos, buen trabajo, nos vemos en La La Land, a ver que tal ha ido ahí las cosas.

Así termina el análisis de hoy, nos vemos la semana que viene con el último análisis que cerrará mi periodo activo, entre tanto estoy abierto a sugerencias para ver cualquier película que tengáis en mente y que pueda analizar por supuesto, como hice con Whiplash bajo el consejo de mi buena amiga Sara, a la que le estoy agradecido por haberme recordado la maravillosa obra musical que es.
¡Hasta la siguiente entrada gente!